«Iconographer’s Labor» – СВЯТО-ТРОИЦКАЯ СЕРГИЕВА ЛАВРА

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Titolo: Iconographer’s Labor»
Autore: nun Juliania (Maria Nikolaevna Sokol
Editore: СВЯТО-ТРОИЦКАЯ СЕРГИЕВА ЛАВРА (Lavra Santa Trinità di San Sergio)
agine: 352

Suora Juliania (M. N. Sokolova)

Il lavoro di un pittore di icone

(testo tradotto con google translate dall’originale in lingua russa tratto dal sito www.icon-art.info)

I. Suora Juliania (Maria Nikolaevna Sokolova). 1899–1981 Biografia
II. Una guida per pittori di icone principianti
[II.1] Per il pittore di icone principiante

 [II.2] La pittura di icone è l’arte della tradizione

 [II.3] Tecnica di pittura delle icone

(II.3.1] Selezione ed elaborazione della base

 [II.3.2] Preparazione della scheda per il priming

 [II.3.3] Il processo di applicazione del terreno sulla tavola

 [II.3.4] Livellamento del terreno

 [II.3.5] Primer “canvas dtski” (compresse)

 [II.3.6] Figura. Cercare. Originali. Doratura. strato di vernice

[II.3.6.1] Disegno

 [II.3.6.2] Traccia

 [II.3.6.3] Script

 [II.3.6.4] Doratura

 [II.3.6.5] Strato di pittura

[II.3.7] Essiccazione

 [II.3.8] Applicazioni

[II.3.8.1] Volto del Salvatore, Sua apparizione secondo il documento più antico

 [II.3.8.2] Aspetto e statura morale della Beata Vergine Maria

 [II.3.8.3] Descrizione delle immagini di abiti accettate nella pittura di icone

Vesti di Cristo Salvatore

Vesti della Beata Vergine Maria

Simbolismo delle immagini e delle vesti degli angeli

Vesti degli apostoli e dei profeti

Paramenti dei santi

Vesti di sante donne

III. Articoli teologici

[III.1] Chiesa – Corpo di Cristo

 [III.2] Qual è la vera santità dei membri della Santa Chiesa

 [III.3] Vista spirituale

 [III.4] L’icona è la teologia in immagine

 [III.5] Storia dell’iconografia dell’immagine della “Resurrezione di Cristo” (nei monumenti d’Oriente, Occidente, Russia)

 [III.6] Iconografia dell’immagine “La Discesa dello Spirito Santo sugli Apostoli”

 [III.7] Icona ortodossa

 

I. Suora Juliania (Maria Nikolaevna Sokolova). 1899–1981 Biografia (di Aldoshina A.E., Aldoshina N.E.) (↑)

        La vita e l’opera della suora Juliania, (al mondo di Maria Nikolaevna Sokolova), riflettevano le migliori caratteristiche del popolo russo: lavoro ascetico, modestia e profonda fede ortodossa. Il suo percorso di vita ha coinciso con il momento più difficile della storia del nostro Paese.

        Nei primissimi decenni del potere sovietico in Russia iniziò la persecuzione della Chiesa e del popolo ortodosso. Era giunto il momento della baldoria selvaggia dell’ateismo militante, quando la chiusura e la distruzione di chiese e monasteri furono accompagnate dalla distruzione di massa di icone e altri santuari del popolo russo. Non è difficile capire quale potesse essere l’atteggiamento ufficiale nei confronti della pittura di icone a quel tempo e quanto fosse difficile il percorso per coloro che cercavano di preservare le tradizioni della pittura di icone russa. Ma il Signore ha preservato invisibilmente quest’arte, che è una parte essenziale della vita della Chiesa ortodossa.

        A Suor Juliania è stata data l’opportunità di preservare e trasmettere ai suoi successori e seguaci le tradizioni viventi dell’antica pittura di icone russa durante uno dei periodi più dolorosi della storia della nostra Patria. Ed è per questo che il suo significato per i moderni pittori di icone è così grande.

        Maria Nikolaevna è nata l’8 novembre 1899 (il giorno di San Michele Arcangelo) nella famiglia del sacerdote Nikolai Aleksandrovich Sokolov, rettore della chiesa moscovita della Dormizione della Beata Vergine Maria, in via Goncharnaya, vicino a Taganka. Padre Nikolai si è laureato all’Accademia teologica di Mosca. Svolgeva con zelo i suoi doveri nel tempio, amava il culto e lo eseguiva con riverenza. Era giusto, severo con se stesso e non tollerava alcuna bugia. Padre Nikolai era un uomo musicalmente e artisticamente dotato. Suo fratello maggiore, Alexander Alexandrovich Sokolov, si è laureato all’Accademia delle arti di San Pietroburgo, il suo secondo fratello, Vladimir, era un sacerdote del Convento della Natività di Mosca.


Malato. I-1. I genitori di Maria Nikolaevna sono il prete Nikolai Sokolov e Lidia Petrovna

        La madre di Maria Nikolaevna, Lydia Petrovna, si distingueva per un carattere calmo, gentile ma fermo. Ha ricevuto la sua educazione presso la Scuola femminile Filaretovsky di Mosca, fondata dal metropolita Filaret (Drozdov) per le figlie dei sacerdoti. Lydia Petrovna era la figlia del sacerdote Pyotr Terentyevich Nekrasov, che prestava servizio in una delle chiese del convento di Novodevichy, “un uomo gentile, un’anima ampia, misericordioso con i poveri. Non lasciava passare un solo mendicante senza l’elemosina, che si radunava sempre in gran numero sotto il portico del suo tempio e alla sua morte una folla immensa accompagnava la sua bara. Sua moglie Anna Nikolaevna proveniva da una famiglia nobile. Rimase orfana presto e fu affidata alle cure del metropolita Filaret” I-1 . Maria Nikolaevna aveva due sorelle più giovani: Lydia e Serafima. I genitori, persone profondamente religiose, sono riusciti a instillare nei loro figli l’amore per Dio e per la Chiesa. Lydia Petrovna si recava quasi ogni settimana il giovedì nella cappella del grande martire Panteleimon per un servizio di preghiera e portava con sé le sue figlie. Ha insegnato ai bambini a leggere presto lo slavo e prima di andare a letto hanno letto uno degli akathisti tra cui scegliere.

I-1 Dalle memorie di Lydia Nikolaevna Sokolova.

        Maria era sempre seria e non partecipava al divertimento dei bambini. Fin da piccola amava leggere le Sacre Scritture, le Vite dei Santi e assistere ai servizi divini. Dall’età di quattro anni disegnava molto con grande desiderio. Un giorno, quando aveva circa sei anni, era seduta vicino alla finestra in una sera d’inverno, guardando il cielo scuro e stellato, e all’improvviso vide nel cielo una croce a quattro punte, splendente di meravigliosa bellezza. Ne parlò a sua madre e successivamente dipinse la croce che vide negli acquerelli.

        All’età di 9 anni, Maria entrò nel V Ginnasio femminile di Mosca del dipartimento dell’imperatrice Maria Feodorovna. All’età di dodici anni perse il padre, che fu per lei sotto molti aspetti un esempio e un maestro. Ben presto sentì il bisogno di una guida spirituale, pregò e chiese a San Nicola di mostrarle il suo cammino. Uno dei miei amici mi ha consigliato di andare alla chiesa di Maroseyka per vedere padre Alexy Mechev. Il padre la salutò con le parole: “Aspettavo questi occhi da molto tempo”. Padre Alexy divenne il suo padre spirituale. Fin dalla prima confessione con il sacerdote, iniziò a scrivere nel suo diario le parole che le diceva, e conservò tali appunti per quasi 10 anni, fino alla morte del sacerdote.


Malato. I-2. Sorelle Maria (in piedi) e Lydia Sokolov

        La sua guida spirituale ha determinato l’intero ulteriore percorso spirituale, creativo e di vita di suora Juliana. Successivamente, ha compilato il ricordo più completo di padre Alexy. Una piccola chiesa parrocchiale nel nome di San Nicola, chiamata “Nicholas in Klenniki”, dove prestava servizio padre Alexy, si trovava proprio nel centro della capitale: non lontano dal Cremlino, all’inizio di via Maroseyki. “Nei documenti d’archivio questa chiesa fu menzionata per la prima volta nel 1625…” I-2 Secondo il vescovo Arseny (Zhadanovsky), abate del monastero di Chudov, padre Alessio era un vecchio saggio, solo che non era nel monastero , ma nel mondo, nel folto dei dormitori dell’umanità. “Era”, scrisse il vescovo Arseny, “un anziano della città che portò alle persone non meno benefici di qualsiasi eremita”. Gli amici sinceri di padre Alexy erano gli anziani Optina contemporanei Teodosio e Anatoly; e questi veri abitanti del deserto monastico rimasero stupiti dall’impresa di padre Alessio, che visse “in città come nel deserto”. Lo ieromonaco Anatoly gli era particolarmente vicino. “Lui ed io abbiamo lo stesso spirito”, ha detto padre Alexy. In effetti, avevano uno spirito di amore misericordioso, che tutto perdona e che guarisce tutto. Padre Anatoly mandava sempre i moscoviti a padre Alexy, e padre Nektary Optinsky una volta disse a un visitatore venuto da Mosca: “Perché vieni da noi, hai padre Alexy” I-3 .

I-2 Gazzetta ufficiale della Chiesa, 1901, n. 27 (Nota all’articolo “Chiese del Giubileo”).

I-3 Dalle memorie di S. N. Durylin.


Malato. I-3. Maria Nikolaevna nella sua giovinezza

        La guida di padre Alexy, utilizzata costantemente dai suoi figli spirituali, merita un’attenzione speciale. “A loro, sembrava, dedicava soprattutto le sue forze, il suo tempo, le sue cure, nemmeno paterne, ma piuttosto materne nel suo calore e cordialità.” Così scrive suor Giuliana nelle sue memorie. “Padre Alexy ha sempre allevato coloro che guidava a imprese spirituali, cioè quelle più difficili e significative. Ma tutto ciò che è difficile inizia con qualcosa di facile. L’impresa esterna è necessaria, anche se piccola; coltiva la forza di volontà, senza la quale nessuna impresa, tanto meno spirituale, è possibile. Ma dobbiamo prima valutare le nostre forze e possibilità. “Provalo sette volte”, disse il sacerdote, “taglialo una volta, ma quello che hai già deciso, devi attenerlo a tutti i costi. Altrimenti l’obiettivo non viene raggiunto. Ad esempio, lascia che la regola della preghiera sia piccola, ma deve essere adempiuta senza fallo, nonostante la fatica, la frenesia e altri ostacoli” I-4 .

I-4 Suora Giuliana. Biografia dell’anziano p. Alessia Mecheva.

        Il sacerdote credeva che la base della vita spirituale fosse l’attenzione, la vigilanza spirituale su se stessi. La perdita della veglia spirituale, la distrazione, l’infatuazione per i pensieri sensuali, qualunque essi siano, il prete chiamava sonno. Ma questa attenzione non dovrebbe ridursi alla vana osservazione dei propri pensieri, stati ed esperienze. Prendersi cura di sé, come diceva il prete, significava non solo notare i cattivi pensieri e desideri, ma anche resistere costantemente ad essi. E poiché la nostra forza è debole e insignificante, dobbiamo costantemente invocare l’aiuto di Dio, pregare e affinché l’occhio interiore sia più acuto e puro, è necessario pentirsi costantemente degli inevitabili errori.


Malato. I-4. Arciprete Alexy Mechev (1859-1923)

        Il cammino di una persona verso la salvezza, verso Dio, dovrebbe consistere, secondo l’insegnamento del sacerdote, nel seguente: “Devi amare il Signore con tutto te stesso e donargli tutto te stesso. Dirigi tutti i pensieri, i sentimenti, i desideri per compiacere il Signore e cerca di dirigere la tua anima, il tuo carattere in modo che sia facile per il tuo prossimo vivere con noi. E come nella vita e nelle azioni dobbiamo dimenticare il nostro “io”, dimenticare noi stessi, essere come estranei a noi stessi, ma vivere nei dolori e nelle gioie di ogni persona presso la quale il Signore ci ha posto, così nella preghiera non dobbiamo cercare le gioie. e consolazione per noi stessi, ma “, dimenticando noi stessi, allontanandoci da noi stessi, chiedendo solo la forza al Signore per compiere i suoi comandi sulla terra, dove ci ha inviato affinché noi, compiendo la sua volontà, lavorassimo per Lui e lavorassimo per Lui .” Suora Giuliana scelse per sé questa strada, seguendo fino alla fine della sua vita le indicazioni del suo padre spirituale.


Malato. I-5. Maria Nikolaevna nel 1918

        Il periodo della formazione spirituale di Maria Nikolaevna coincise con eventi particolarmente difficili e turbolenti in Russia. “L’atmosfera generale era ansiosa e in attesa. Padre Alessio usciva ogni sabato dopo la veglia notturna per un breve servizio di preghiera davanti all’icona miracolosa della Madre di Dio Teodoro. Una volta, durante un simile servizio di preghiera, davanti a tutti, le lacrime scorrevano dagli occhi della Regina del Cielo.

        Arrivò l’anno 1917, destinato a diventare fatale per l’intero precedente sistema russo. Il consueto ciclo della vita cominciò a rompersi ogni giorno sempre di più e nel modo più fondamentale.

        La nube minacciosa che incombeva da tempo scoppiò. Ora tutti gli strati della società, a cominciare dai più alti, dovevano percorrere un difficile percorso di prove purificatrici. Chiusura delle scuole teologiche, università vuote, disintegrazione degli studenti, chiusura del Cremlino, dispersione dei monasteri, nazionalizzazione dei beni ecclesiastici, distruzione delle chiese, profanazione delle sacre reliquie e delle icone, disordini e divisioni tra il clero, e tutto questo in mezzo alla crescente fame , raffreddore, tifo e altre calamità » I-5 .

I-5 Suora Giuliana. Biografia dell’anziano p. Alessia Mecheva.

        “…La sera il traffico dei tram si è fermato. Puoi andare solo a piedi. Non un’anima viva per strada, i passi risuonano dalla parte opposta, nei cortili delle case solitarie. Si sparse la storia di alcuni banditi soprannominati “saltatori”. La sera attaccavano i passanti solitari. Ma due ragazze (una di loro era la futura suora Giuliana, l’altra era Paolo I-6 ) andavano al tempio ogni giorno mattina e sera. Il padre li ha benedetti affinché diventassero amici e passassero la notte a turno insieme. Entrambi vivevano non vicini, ma con la benedizione di papà non c’era nulla di cui preoccuparsi. Era spaventoso solo finché il prete non lo sapeva, ma se avesse dato la sua benedizione per il viaggio, allora sarebbe andato tutto bene. La forte fede nella sua preghiera rendeva le ragazze impavide e la confessione e la comunione frequenti davano coraggio e pace. Accadde che al termine della festosa veglia notturna, quando la chiesa era sovraffollata, il sacerdote stesso cominciò, in ginocchio, a cantare con voce piena di allegria: “Ci rifugiamo sotto la tua misericordia…” – e l’intera chiesa gli ha fatto eco come una persona, intrisa della speranza che la Santissima Theotokos non disprezzerà le preghiere di coloro che soffrono e invierà la sua misericordia. Tutti lasciarono il tempio con piena fiducia che la notte imminente, carica di ogni sorta di conseguenze, sarebbe passata pacificamente” I-7 .

I-6 Pavel Fedorovna Khvatova.

I-7 E.A. Bulgakova. Ricordi della suora Giuliana.

        Padre Alexy ha messo in guardia tutti dal fare un passo pericoloso e di correre da qualche parte. “La colpa è nostra, abbiamo peccato davanti al Signore”, ha detto, “e non qualcun altro”. Nessuno dovrebbe rifiutarsi di bere il calice dell’amarezza tutto russo, il calice della punizione che il Signore ha dato. Padre Alessio ha detto riguardo alla profanazione delle sacre reliquie: “E i santi, come i nostri fratelli maggiori, per amore verso di noi e compassione, prendono parte della croce e soffrono con noi…”

        Il 1917 fu l’anno in cui Maria Nikolaevna si diplomò al liceo. Le fu offerto di prendere il posto di un’insegnante d’arte in una scuola sovietica. Lei accettò, ma presto le fu ordinato di tenere una conferenza atea ai bambini. Maria Nikolaevna rifiutò risolutamente, lasciò la scuola e trovò lavoro nello studio privato di F.I. Rerberg e A.P. Khotulev a Mosca, dove studiò a fondo il disegno. Ben presto, grazie agli amici, studia grafica e diventa grafica presso la casa editrice Energia. Realizzare lavori grafici complessi a casa le ha dato l’opportunità di gestire liberamente il suo tempo. “Durante questo momento difficile, nella chiesa di Maroseya, sotto la guida dell’anziano padre Alexy, la comunità dei credenti è cresciuta e si è espansa, cercando consolazione spirituale e consiglio nei dolori. Le obbedienze venivano distribuite tra i figli spirituali che andavano costantemente in chiesa. A Maria Nikolaevna, che visitava il tempio ogni giorno, fu affidata la sagrestia e tra i suoi compiti c’era anche il mantenimento dell’ordine durante la confessione con il sacerdote. Dalla mattina alla sera c’era una fila di persone che aspettavano di vederlo davanti all’appartamento del vecchio. Qui venivano scienziati, medici, artisti, professori, contadini e, in generale, persone di tutte le classi. Il padre si dedicava interamente a scaricare il dolore degli altri” I-8 .

I-8 Memorie di L.N. Sokolova.


Malato. I-6. Metropolita di Mosca Macario (Nevsky; † 1926) e sacerdote Sergius Mechev

        Nel 1923, padre Alexy terminò il suo viaggio terreno. Trasferì tutta la cura del gregge e della chiesa a suo figlio, il sacerdote Sergio.

        Padre Sergio ereditò da suo padre un cuore ampio e ardente e accettò la famiglia spirituale di suo padre con tutta l’anima. Aveva una profonda mente teologica e attraeva molti giovani intelligenti, per i quali le sue conversazioni furono una rivelazione.

        Con la benedizione di padre Sergio è stato effettuato il restauro del tempio inferiore. Maestri restauratori esperti (dei vecchi credenti) hanno restaurato l’architettura antica. In questo tempio, padre Sergio raccolse icone antiche. Divenne un profondo ammiratore dell’icona, il suo serio conoscitore e amante anche in un momento in cui la maggior parte della società russa ammirava e adorava i dipinti religiosi di V. M. Vasnetsov e M. V. Nesterov.

        Padre Sergio ha benedetto Maria Nikolaevna affinché studiasse pittura di icone con Vasily Osipovich Kirikov. Questo avvenne a metà degli anni ’20. “Vasily Osipovich Kirikov parlava sempre con commovente calore di Maria Nikolaevna Sokolova, considerandola la sua studentessa più fedele e devota. Maria Nikolaevna rispettava profondamente il suo insegnante, vedeva in lui sia un eccellente restauratore che un artista sottile e un copista insuperabile. Maria Nikolaevna era per Kirikov la persona su cui si poteva contare completamente, raccontare tutto fino alla fine, incontrando completa simpatia e comprensione. In quegli anni difficili e difficili fu una grande felicità” I-9 .

I-9 I. A. Ivanova. Ricordi di Maria Nikolaevna Sokolova.

        Maria Nikolaevna in questo momento scrisse una copia dell’immagine miracolosa dell’Intercessore della Terra Russa: l’icona Vladimir della Madre di Dio. Nel 1928 e nel 1929 fece viaggi nelle città del nord, desiderosa di studiare gli affreschi antichi. Ha realizzato schizzi dagli affreschi di Novgorod I-10 , Pskov I-11 , copie dagli affreschi del Monastero di Ferapontov I-12 . Era necessario avere forza d’animo e coraggio per andare da solo a dipingere affreschi nelle chiese e nei monasteri chiusi durante questo periodo di ateismo militante.

I-10 Nelle chiese del Salvatore a Nereditsa (XII secolo), Teodoro stratifica sul ruscello (XIV secolo), la Trasfigurazione a Ilyin (XIV secolo), l’Assunzione sul campo di Volotovo (XIV secolo), la Natività di Cristo a il cimitero (XIV secolo) secolo), Simeone il Dio-ricevitore nel Monastero degli Animali (XV secolo).

I-11 Nel monastero Spaso-Mirozhsky (XII secolo).

I-12 Vedi Appendice “Opere dall’album di M. N. Sokolova”.

        Maria Nikolaevna è riuscita a realizzare la necessità di preservare e sviluppare le antiche tradizioni della pittura di icone e a mantenere fermamente la convinzione che tutto ciò non dovrebbe morire. Come già accennato, padre Sergio ha mostrato un vivo interesse per le icone antiche e la pittura di icone. Rendendosi conto della morte di questo lato della vita ecclesiale, volle, per quanto possibile, contribuire alla sua rivitalizzazione. Intorno a lui iniziarono a radunarsi non solo dilettanti, ma anche appassionati ricercatori dell’antica arte russa. Uno di questi è Vladimir Alekseevich Komarovsky (1883-1937), un pittore di icone, al cui consiglio Maria Nikolaevna si è rivolta più volte. La lettera di V. A. Komarovsky “Sulla pittura di icone” indirizzata a padre Sergius Mechev I-13 risale al 1930 . Ecco alcuni dei suoi pensieri tratti da questa lettera sui problemi della moderna pittura di icone.

I-13 La lettera “Sulla pittura di icone” è stata scritta nella città di Vereya vicino a Mosca.

        “… Arriva un altro momento: c’è un bisogno e un desiderio vivo di comprendere il prototipo. L’icona antica si erge come bellezza inaccessibile, come pienezza della religiosità. Sogniamo l’arte primitiva, di cui siamo privati. Il risveglio dell’interesse per le icone e la ricerca di un’opportunità per tornare alla pittura di icone ci costringono a ricorrere all’aiuto dell’arte della pittura di icone, preservata grazie agli Antichi Credenti. Le tecniche sono l’unica cosa rimasta della pittura di icone.

        … Un’icona dipinta con tutta la conoscenza delle tecniche della pittura di icone, anche con gusto, ma senza consapevolezza creativa delle leggi della pittura di icone, produce un’impressione completamente opposta a quella che dovrebbe produrre. Invece di raccogliere l’anima, la disperde e la turba; per quanto assomigli ad un’antica icona di alto stile, è falsa, e tanto più quanto più i singoli elementi somigliano a quelli antichi…

        … Tutto questo non è vero ed è una conseguenza della contemplazione esterna delle icone antiche, senza ascesa creativa al Prototipo.

        … È necessario avere un dono creativo affinché un’icona antica sia una porta verso il prototipo. Qui il gusto e il talento artistico sono del tutto insufficienti.

        Cosa fare? Oppure non dipingere affatto iconograficamente… Penso che anche questo sarebbe sbagliato. Anche la conoscenza fornita dall’abilità nella pittura di icone è necessaria e utile, ma non ha senso illudersi con la speranza che attraverso di essa ci sia una via d’uscita alla pittura di icone. Dipingere buone copie di icone antiche è già un grosso problema; sia il talento che il gusto sono applicabili qui, inaccessibili ai contemporanei, pittori di icone artigiani.

        Dipingere una buona copia, e non un falso, è il compito del pittore di icone. Ma per preparare la strada alla pittura di icone creativa, è necessario qualcosa di completamente diverso: la consapevolezza delle leggi della forma plastica, che è essenzialmente la forma della pittura di icone.

        È quasi impossibile insegnare queste leggi: puoi solo realizzarle, ma puoi almeno conoscerle.

        In generale la situazione sembra disperata, ma quello che speriamo è quasi un miracolo.

        Ogni sforzo in questa direzione è prezioso e necessario. Ma il surrogato della pittura di icone, che dà un gusto illusorio di alto stile, è allo stesso tempo ipocrita e dannoso. Lascia che l’iconografia sia povera, ma vera.

        Non possiamo fare a meno di tendere alla forma… così come non possiamo rinunciare al desiderio di comprendere il Prototipo.”

        In questa lettera, Komarovsky menziona anche Maria Nikolaevna, dicendo: “Tra i membri della vostra comunità, state cercando di suscitare interesse per la questione della “lode di Dio in faccia”. Il miglior risultato in questa direzione è il lavoro di Maria Nikolaevna Sokolova. Non solo padroneggia perfettamente le tecniche tecniche della pittura di icone, ma si sforza anche non solo di copiare, ma anche di entrare nella sfera della libera composizione. Di per sé, come tale, questa è già una “conquista” e, naturalmente, è espressione di un bisogno vitale”.

        Gli anni ’30 e ’40 furono per Maria Nikolaevna un periodo di accumulo di ricche conoscenze e materiali nel campo della pittura di icone. Scrive dozzine di copie diverse di icone antiche provenienti da collezioni private e crea immagini creative basate su di esse. Per lei la copia è diventata, da un lato, una fase di conoscenza e, dall’altro, una creatività ispirata. Suor Juliana ha scritto: “… la pittura di icone deve essere appresa solo attraverso la copia di icone antiche, in cui l’invisibile si rivela in forme a noi accessibili. Copiando un’icona, una persona la comprende appieno ed entra involontariamente in contatto con il mondo in essa contenuto. A poco a poco, inizia a sentire la realtà di questo mondo, a riconoscere la verità di questa immagine, quindi comprende la profondità del suo contenuto, è stupito dalla chiarezza delle forme, dalla validità interna dei suoi dettagli e dalla semplicità veramente santa dell’espressione artistica” I-14 .

I-14 Vedi cap. “Guida per pittori di icone principianti”, p. 37

        Questi anni furono per Maria Nikolaevna un periodo di sviluppo creativo come pittrice di icone. La profonda contemplazione delle icone l’ha aiutata ad entrare nel mondo della preghiera dell’icona. Crescendo spiritualmente, si è rivolta a padre Sergius Mechev per una benedizione per la tonsura monastica. È stata conservata una lettera di padre Sergio alla sua figlia spirituale risalente agli anni Trenta. “La rinuncia al mondo è più ampia del cammino monastico. Il monachesimo è uno dei tipi di questa rinuncia. La sua forma più alta. Vivi veramente per il Signore e per la Sua vita e senti che stai percorrendo lo stesso cammino dei monaci… Ma non dimenticare che ora è un momento di servizio speciale verso il tuo prossimo. Lasciate che, nella vostra misura, questo servizio sia sia la vostra preghiera che la vostra vita in Lui e con Lui. Mai prima d’ora i suoi fratellini hanno sofferto così tanto come adesso. L’importante è vivere per Dio e in Lui con le persone, adempiendo con moderazione tutto ciò che è dovuto a ogni cristiano. Allora, a tempo debito, se il Signore ti benedirà, entrerai facilmente nel volto degli angeli. Solo in questo modo e non altrimenti”.

        Nel 1934 la chiesa di San Nicola a Klenniki fu chiusa. Poco prima della sua chiusura, Maria Nikolaevna completò tredici acquerelli altamente artistici con uno studio dettagliato dell’interno dell’intero tempio I-15 . Presto iniziò la persecuzione di tutti i parrocchiani e del clero del Tempio Maroseya. Molti di loro furono sottoposti a repressione. Padre Sergio fu mandato in esilio. Maria Nikolaevna lo visitò ripetutamente in esilio. “Padre Sergio ha benedetto coloro che avevano bisogno di sostegno spirituale affinché si rivolgessero a lei con totale franchezza e confidassero in lei proprio come fece lui. Aveva solo 32 anni e lo portava con sé, e i benefici della comunicazione erano grandi, l’anima prese vita” I-16 . Puoi citare qui una delle sue lettere: “… E a nome mio, volevo solo scriverti alcune parole sulla tua lettera. Ho sentito due cose in tutto ciò che hai scritto, ma voglio dirti come mi è stato insegnato a guardarlo. Il primo è che vuoi capire tutto con la mente e devi lavorare duro su questo. Vuoi versare l’oceano nella tua tazzina. È possibile? Qual è la nostra mente insignificante? Come si può, con questa mente e con i propri sforzi, attingere all’intero sconfinato oceano di saggezza contenuto in certe espressioni? Mi è stato insegnato a lasciare luoghi incomprensibili senza cercare di capirli. Questa comprensione arriva col tempo e gradualmente, man mano che cresci e ti avvicini alla Fonte della saggezza. Allora verranno svelati solo i segreti nascosti nelle parole semplici. È stato così per tutti. Non lo raggiungiamo, ma ci viene dato. Possiamo avvicinarci a ogni cosa in modo diverso, proprio come le persone intorno a Lui si avvicinavano al Salvatore in modo diverso. Dopotutto, anche gli apostoli non capivano tutto quello che diceva il loro Maestro, ma il loro amore per Lui e la fiducia infantile parlavano ai loro cuori: “Non può dire niente di male, e se non capiamo, è perché siamo piccoli e maleducati .” Allo stesso modo, un bambino che ama sua madre crede che se sua madre ha detto qualcosa, significa tutto… non dirà niente di male. C’erano altri che cercavano con la mente di comprendere e comprendere tutto in una persona come Cristo, e inciampavano nell’incongruenza e nell’incomprensibilità, cominciavano a criticare, a trovare difetti, ecc. e si allontanavano da Lui. C’è molto altro da dire, ma non è possibile scrivere tutto a parole. Penso che in questo tuo sforzo di comprendere tutto nella preghiera, stai prendendo la strada sbagliata. Hai dimenticato chi ha scritto tutto questo, che tipo di persone; È meglio considerarsi piccoli e non capire ancora nulla e sorvolare in silenzio su tali domande che arrivano alla tua anima, piuttosto che scoprire tutto con curiosità. Questo è ciò che vuole la mente, non il cuore.

I-15 Sono in una collezione privata.

I-16 E.A. Bulgakova. Ricordi della suora Giuliana.

        Poi provi “ipocrisia” in relazione alle persone che non ti piacciono, ecc. Mi è stato insegnato: “devi trattare tutti come dovrebbero”, non importa cosa c’è nella tua anima. E nel fatto che non esiste il vero amore, pentiti e umiliati. Dobbiamo cercare l’amore, ma verrà solo dal tocco dell’amorevole Spirito Santo al nostro cuore malvagio. La sua venuta va meritata: per questo ci è stata donata tutta la nostra vita. E non possiamo sorprenderci di non avere amore, perché siamo malvagi, ma dobbiamo fare il contrario. Ecco la mia stupida scrittura” I-17 .

I-17 Lettera della monaca Juliania a Nina Alexandrovna.

        “Nella comunità di Marosei c’erano gruppi in cui, sotto la sua guida (di Maria Nikolaevna), si studiava la Bibbia. È stato molto interessante. Hanno scritto rapporti su ciò che hanno letto. Siamo riusciti a lavorarne una piccola parte, ma è rimasta viva per il resto della sua vita. Ogni giorno dopo il servizio c’era una modesta sorpresa, durante la quale Maria Nikolaevna leggeva qualcosa di prezioso e interessante. Nell’estate del 1932 scrisse la Vita di John Kushchnik I-18 . Se entri, leggerà la parte nuova dell’opera che ha scritto. Questa può essere definita una rivisitazione gratuita, ma era una composizione spirituale profonda. Era sorprendente come potesse comprendere così profondamente le esperienze del santo.

Manoscritto I-18 .

        Comprendendo profondamente il valore del culto quaresimale e volendo renderlo accessibile alle persone che non hanno il tempo e l’opportunità di frequentare le funzioni ogni giorno, Maria Nikolaevna ha compilato il Triodio quaresimale I-19 . Mantenendo inalterata la struttura del servizio, sceglieva per ogni giorno i più pentiti dalla stichera e dai tripong. I proverbi, inaccessibili alla comprensione, furono forniti anche in traduzione in russo e, inoltre, ne includevano immediatamente l’interpretazione patristica. Dopo la fine del servizio, per ogni giorno aggiungeva estratti dei santi padri adatti a quel giorno. Inoltre, ha spiegato l’argomento di ciascuna Settimana, e lo ha fatto in dettaglio e in modo molto approfondito.” I-20 .

I-19 Dattiloscritto.

I-20 Memorie di E. A. Bulgakova.

        Nel 1938 morì la madre di Maria Nikolaevna, Lidia Petrovna. Per tutta la vita ha circondato sua figlia con cura speciale e ha trattato il suo mondo interiore con cura. Sua sorella, Lydia Nikolaevna, le divenne una persona altrettanto vicina, soprattutto dopo la morte di sua madre. In quel momento, Lidia Nikolaevna e la sua famiglia si stavano preparando a lasciare Mosca per Sergiev Posad. Maria Nikolaevna, con la benedizione di padre Sergio, andò a Rybinsk, dove viveva la madre cieca Ksenia, anche i vescovi si rivolsero a lei. Disse a Maria Nikolaevna: “Marta e Maria, Marta e Maria”. E Maria Nikolaevna lo capì in modo tale che non aveva bisogno di rimanere a Mosca, ma avrebbe dovuto unirsi a sua sorella.

        Si stabilirono nel villaggio di Semkhoz, a pochi chilometri dalla Trinità-Sergio Lavra. Il villaggio sembrava un villaggio remoto. “Prima che avessimo il tempo di portare le nostre cose da Mosca e sistemarci, improvvisamente scoppiò la guerra con i tedeschi. Presto arrivò una terribile carestia” I-21 .

I-21 Memorie di Lidia Nikolaevna Sokolova.

        I versi della lettera di Maria Nikolaevna faranno risorgere quegli anni della sua vita.

        “Caro Lizochek! Finalmente si presenta l’occasione di scriverti più dettagliatamente di prima… L’ansia da cui sei uscito continua ancora lì: Elena Sergeevna è trascinata da tutti; il resto sembrava essere lasciato “per ora”. Tutti sono molto affamati. Boris Vasilyevich e Maria Petrovna, come tutti gli altri, mangiano principalmente mangime e quello che riescono a procurarsi.


Malato. I-7. Maria Nikolaevna nel 1943

        In questo periodo morirono tante persone, ve le racconterò. Pavlik Olenin; Recentemente abbiamo inviato un avviso della morte di Misha Mamontov, morto nel febbraio dello scorso anno nella prigione di Saratov. L’altro giorno sono morte Lelya Lebedeva, poi Taisiya Efimovna, Nikolai Gustovich, Seryozha Sapozhnikov e altri; Te li scriverò tutti in un elenco separato. Katya Sinelshchikova sta morendo completamente, suo marito è scomparso, lei è completamente sola. Iruska Chernenkaya serve ancora tutte le vecchie signore circostanti e non ha alcun pensiero di venire a trovarti. C’è da meravigliarsi, ma la potenza di Dio si perfeziona nella debolezza. Abbiamo vissuto tutto l’inverno esclusivamente sul fatto che Lida vendeva il nostro pane bianco al mercato e con questi soldi comprava il grano al bicchiere per due giorni. Adesso hanno cominciato a dare solo cento grammi di pane bianco per carta. È molto difficile trarne profitto. In una parola, Lida è una martire; ma grazie al suo lavoro ora ci sentiamo meglio. Non ho più quella fame animale che avevo lo scorso autunno e inverno, quando ero pronto a mangiare dal mucchio della spazzatura; Riesco a “sopportare” la fame e guardo con calma il pane. A questo proposito, i pensieri sul digiuno hanno già cominciato ad arrivare. Voglio condividere con voi la mia esperienza a questo proposito. L’ultima Quaresima ho deciso di separare un piccolo pezzo di pane, forse 15-20 grammi, dal mio pezzo di pane una volta al giorno, per i poveri. Questo è stato seguito più tardi da Zhenya, in modo da poter dare questi pezzi al mendicante occasionale. La difficoltà principale non era che dopo avessi fame, di queste briciole non ne avrai mai abbastanza, ma la difficoltà era fare esattamente quello che avevo deciso. Ho fatto qualcosa di simile, in qualche modo diverso, in Petrovsky. E ho visto questo come un grande vantaggio per me stesso. L’anima entra in una sorta di posizione di lavoro, di veglia, di sobrietà e, poiché questo è difficile, ricorre più spesso a richieste sincere e preghiere al Signore per chiedere aiuto per resistere e non arrendersi. E dalla preghiera frequente e sincera si risveglia la coscienza e il sentimento dell’onnipresenza di Dio. È così che tutto si aggrappa l’uno all’altro, ma inizia con qualcosa di così piccolo e apparentemente insignificante…

        … Adesso mi consolo col fatto che ogni settimana vado a Mosca a disegnare da vecchie icone. Questo mi dà tanto coraggio…” I-22

I-22 Lettera di suora Juliana a E. A., 1943.

        Maria Nikolaevna ha assistito a una sorveglianza costante di se stessa in tutti questi anni. Le persone vicine hanno detto che “sta camminando al limite”.

        Maria Nikolaevna ha continuato a lavorare instancabilmente: ha dipinto icone e ha lavorato in una casa editrice. A quel tempo era impossibile ottenere tavole per le icone, quindi dipingeva su carta, cartone e tele (“tavolette”) preparate su entrambi i lati. Si trattava di icone in miniatura, sorprendenti per la finezza di esecuzione, raffiguranti le dodici feste e i santi selezionati (dimensioni non superiori a 10 x 7,5 cm). La piccola cella di Maria Nikolaevna, con una finestra, era piena dello spirito di preghiera e di un silenzio pacifico. Tutti coloro che hanno varcato la sua soglia hanno sentito questa fertile atmosfera spirituale. Nell’angolo, una lampada brillava davanti alla venerata icona di Teodoro della Madre di Dio della chiesa di San Nicola a Klenniki. Dal momento della chiusura del tempio e quasi fino alla morte di Maria Nikolaevna, questa immagine fu conservata nella sua cella I-23 .

I-23 Nel 1990 la chiesa di San Nicola a Klenniki fu restituita ai moscoviti ortodossi. Allo stesso tempo, ha avuto luogo il trasferimento della venerata icona di Teodoro della Madre di Dio in questo tempio. (Nota dell’editore)

        Nel 1946 si verificò un evento significativo: fu riscoperto l’antico santuario russo, la Trinità-Sergio Lavra. Il monastero stava per essere rianimato. Era in completa desolazione. Nelle chiese del Refettorio e dell’Intercessione furono allestiti stabilimenti di intrattenimento. C’erano slogan rossi sui muri imbiancati.

        Maria Nikolaevna, come pittrice di icone, ha ricevuto un invito alla Trinità-Sergio Lavra. Da quel momento iniziò il periodo principale della sua vita creativa. “Qui, nella Lavra, il talento di Maria Nikolaevna si è rivelato nel modo più completo, facilitato dallo spirito di alta pietà monastica e preghiera inerente a questo monastero russo da tempo immemorabile, da cui cresce e si basa il lavoro del pittore di icone” I -24 . Una delle sue prime grandi opere creative fu il dipinto della Camera di Serapion, dedicata a San Sergio di Radonezh. I dipinti “Le opere di San Sergio”, “La visione degli uccelli a San Sergio”, “La benedizione del principe Demetrio Donskoy”, “La conversazione di San Sergio con Sant’Alessio” e altri raffigurano eventi della Vita di San Sergio. Nella combinazione di colori, Maria Nikolaevna ha fatto affidamento sulle sue copie di Dionisio del monastero di Ferapontov. I dipinti furono completati nel 1949 in due mesi (agosto-settembre).

I-24 “ZhMP”, 1975, n. 5. P. 25–27.

        Maria Nikolaevna radunò un gruppo di assistenti di diversi giovani artisti che trasferirono disegni da schizzi sul muro, rivelarono colori e strofinarono vernici naturali (tra loro c’erano molte pietre Ferapont). Tutti hanno lavorato con straordinario entusiasmo e gioia. Così lo ricorda una delle studentesse assistenti, Irina Vasilievna Vatagina I-25 .

I-25 I. V. Vatagina – artista-restauratrice del museo. Andrei Rublev, pittore di icone, insegnante di pittura di icone presso l’Istituto Teologico.

        “Devi immaginare quel momento. Sembrava che non ci fosse modo di lavorare per la Chiesa. Un restauratore di icone in un museo: questo è il limite. Il mio insegnante della Galleria Tretyakov, I. A. Baranov, ha detto con tristezza: “Se tu ed io lavorassimo per il tempio, come brucerebbero i nostri cuori!” Ma questi erano solo sogni irrealizzabili. E all’improvviso!… Certo, tutto mi sembrava un miracolo. Sì, è andata così”.

        Dopo aver lavorato nella Camera di Serapione, Maria Nikolaevna ha iniziato con i suoi studenti lezioni sistematiche di pittura di icone. Era un piccolo gruppo di 4-5 persone, unite dall’amore per l’icona russa e dal profondo rispetto per il loro mentore. Insieme alle lezioni pratiche sullo studio della tecnica della pittura di icone, Maria Nikolaevna ha scoperto molto per loro nella loro vita spirituale, ha letto e raccontato loro. Hanno imparato a dipingere dalle icone modello dipinte da Maria Nikolaevna.

        Avendo padroneggiato le tecniche di base della pittura di icone con i suoi studenti, Maria Nikolaevna li ha coinvolti in un ampio lavoro sulle icone per l’iconostasi di due cappelle nella chiesa moscovita del profeta Elia il Comune. Erano gli anni 1952-1953. Sono state dipinte 17 icone per l’iconostasi e 12 piccole icone per le Porte Reali. Le icone raffiguranti i santi russi meritano un’attenzione speciale. Ce ne sono quattro: “Santi di Mosca con l’icona della Madre di Dio di Vladimir”, “Santi di Kiev con l’immagine della Madre di Dio di Pechersk” e due icone raffiguranti “I taumaturghi di tutta la Russia” in preghiera per la terra russa.

        Ma torniamo alla Lavra. Nel 1950, durante il restauro della Cattedrale della Trinità, Maria Nikolaevna realizzò copie di quasi tutte le icone della fila festiva dell’iconostasi, dipinte dal Venerabile Andrei Rublev. Scriveva su tele preparate su entrambi i lati, le cosiddette “tavolette” (dimensioni 25 x 19 cm), lavorando su impalcature. Allo stesso tempo, Maria Nikolaevna dipinse un’immagine di San Sergio con 19 immagini agiografiche – una copia di un’icona del XV secolo attribuita al pittore di icone Dionisio o a un maestro della sua scuola. Questa icona è collocata nella fila locale della Cattedrale della Trinità vicino al santuario con le reliquie di San Sergio.

        All’inizio degli anni ’50, per la Camera di Serapione fu dipinta una grande icona “L’apparizione della Santissima Theotokos a San Sergio”. Allo stesso tempo, furono dipinte le icone “San Sergio” e “Sant’Alessio” per la cappella Nikon della Cattedrale della Trinità, una serie di icone per il baldacchino sopra le reliquie di San Nikon, comprese le icone raffiguranti i discepoli di San Sergio.


Malato. I-8. Artisti che hanno dipinto nelle chiese della Trinità-Sergio Lavra e di Mosca

        Una delle icone uniche è l’immagine di “San Nikon con la vita” con 20 immagini agiografiche (dimensioni 140 x 118 cm). Questa icona esprimeva la profonda riflessione di Maria Nikolaevna sull’opera iconografica di Dionisio. L’icona si trova sopra la tomba con le reliquie di San Nikon.

        Di indubbio interesse sono le opere del 1951-1952 nella città centroasiatica di Fergana. L’arcivescovo di Tashkent Gury ha nominato rettore della chiesa qui padre Boris Kholchev, figlio spirituale di padre Alexy Mechev. “Vladyka Gury aprì la Trinità-Sergio Lavra nel 1946, poi fu trasferito alla sede di Tashkent. Amava la piccola chiesa di Fergana intitolata a San Sergio. Per lui, Vladyka ha portato dalla Lavra un’icona di San Sergio con una particella delle sue sante reliquie. A parte altre due icone, non c’erano icone nel tempio. Al posto dell’iconostasi c’era un muro intonacato di bianco. L’aspetto generale del tempio era estremamente povero. Il vescovo Gury e padre Boris desideravano davvero vedere nella chiesa un’iconostasi che ricordasse la Cattedrale della Trinità nella Lavra.

        La suora Juliania dipinse icone per l’iconostasi a tre file del tyabl, modellata sull’iconostasi della Cattedrale della Trinità. A causa dell’estrema lontananza e della difficoltà di consegna delle icone, queste furono dipinte su tela nella Lavra. La suora Juliania ha portato dei rotoli e, insieme alla sua studentessa E. S. Churakova I-26, ha incollato le tele sulle assi sul posto. Il tempio è stato rinnovato per le vacanze di Natale” I-27 .

I-26 E. S. Churakova – artista restauratrice, pittrice di icone, insegnante di pittura di icone presso la Scuola di pittura di icone dell’Accademia delle arti di Mosca.

I-27 Memorie di E. A. Bulgakova.

        Durante questi anni Maria Nikolaevna continuò a lavorare in modo approfondito alla creazione della “Cattedrale dei Santi russi”. Dipinse quattro grandi icone della “Cattedrale dei Santi Russi”. Due icone si trovano nella Lavra, una nel monastero di San Daniele a Mosca e una nella Cattedrale della Resurrezione nella città di Romanov-Borisoglebsk (l’odierna Tutaev, regione di Yaroslavl). Maria Nikolaevna ha raccolto molto materiale sui santi russi. Ha trovato le sembianze di ciascun volto del santo raffigurato da varie fonti e ha studiato tutto il materiale agiografico. In molti modi, questo lavoro è stato determinato dalla comunicazione di Maria Nikolaevna con il famoso vescovo Afanasy (Sakharov). Su sua richiesta, ha anche preparato il Calendario facciale dei santi russi. La sua lettera è stata conservata.

        “La misericordia di Dio sia con te, mia cara Maria Nikolaevna.

        Ti invio gli elenchi dei santi russi per il calendario e voglio condividere con te i miei pensieri su questo argomento.

        Il calendario sinodale è stampato su 48 fogli, 4 per ogni mese. Ci sono significativamente meno santi russi. Penserei di metterli su soli 20 fogli, come ho segnato sulla mia lista con la matita rossa. Su ogni foglio le immagini sono disposte su tre file, contrassegnate con una matita blu. Solo sui fogli 2 e 20 le Cattedrali dei Santi di Pechersk dovrebbero essere raffigurate senza divisione in file, ma come gruppo generale, come di solito sono raffigurate le Cattedrali dei Santi.

        Penso che sia meglio dare le immagini stesse nella stessa forma della maggior parte dei nostri originali iconografici facciali, cioè solo immagini di contorno. Vorrei davvero che i nostri santi fossero realizzati al più presto, almeno in questa forma, in modo che io possa vederli, ma non mi resta molto da vivere. E poi sarà possibile realizzare immagini più avanzate, simili a quelle che fai per la redazione, e magari anche a colori. Nell’ulteriore sviluppo del calendario, ti può essere affidata solo la leadership e la supervisione. E avrai degli aiutanti.

        Sul 21 foglio sopra la Cattedrale dei Santi Ecumenici nell’aria c’è un’immagine a figura intera della Madre di Dio, come sulle icone dell’Intercessione, solo non con l’omoforione del vescovo, ma con un maforio proteso, cioè il copricapo delle donne orientali.

        Questo, a quanto pare, è tutto ciò che volevo dirti. Ma non considerare tutti i miei desideri del tutto obbligatori per te. Decidi tu stesso come farlo al meglio.

        Il Signore vi protegga e vi aiuti nelle vostre fatiche utili alla Chiesa Ortodossa.

        Invoco su di voi la benedizione di Dio.

        Salva te stesso nel Signore.

        Bogomolets Il tuo vescovo Afanasy.

        30 settembre 1959.

        P.S. Sogno di essere alla Lavra per la festa del Venerabile. Allora vorrei vederti. Sembra che anche il metropolita Nestor sarà alla Lavra e ti cercherà per negoziare l’icona di “Tutti i santi russi”. Ma… il mio ordine è stato effettuato in anticipo!…

        PPS Sull’icona dei santi di Vladimir, fai l’iscrizione “La Cattedrale dei Santi della città di Vladimir e della sua regione”. E sul retro dell’icona, fai la seguente iscrizione: “Alla Cattedrale dell’Assunzione della città di Vladimir, in ricordo della celebrazione dell’anniversario in occasione dell’800° anniversario della sua fondazione – un’umile offerta del vescovo Atanasio”.

        Mons. Afanasy era un profondo esperto di liturgica e di agiologia russa. Indubbiamente, la loro collaborazione creativa ha contribuito a una più profonda comprensione ed espressione con mezzi iconografici del significato e del significato dell’impresa dei santi russi, intrisi di amore per Dio, per la loro Patria e per il popolo.

        Il tema dei “Santi russi” ha occupato un posto speciale nell’opera di suora Juliana, che ha affrontato durante tutta la sua vita. La suora Juliania ha creato le icone “La Cattedrale dei Santi della città di Vladimir”, “La Cattedrale dei Santi Yaroslavl”, “La Cattedrale dei Santi Alti Gerarchi di tutta la Russia”, “La Cattedrale dei Santi Gerarchi che brillarono nella terra russa ” e molte icone con santi selezionati.

        Nel 1955, sotto la guida di Maria Nikolaevna, un gruppo di giovani artisti I-28 dipinse il festoso refettorio fraterno della Lavra. Per un altro refettorio della Lavra, Maria Nikolaevna dipinse tre icone: “La Madre di Dio Odigitria”, “Reverendo Sergio”, “Reverendo Nikon”. Nello stesso anno, secondo i suoi schizzi e sotto la sua guida, un gruppo degli stessi giovani artisti dipinse la Chiesa Accademica dell’Intercessione. Maria Nikolaevna dipinse la parete dell’abside e il lato interno dell’altare dell’iconostasi, e dipinse anche la pala d’altare della Resurrezione e dell’Intercessione della Madre di Dio I-29 su vetro . Per l’iconostasi del XVII secolo in questo tempio, dipinse otto icone mancanti dalla fila festiva, tre icone per la fila locale e anche icone per le Porte Reali. Successivamente furono dipinte per il tempio le icone di San Sergio, San Nicola, San Serafino di Sarov e Santa Maria Maddalena, uguale agli apostoli.

I-28 Il gruppo di artisti comprendeva I. Vatagina, E. Churakova, E. Utyunkov, I. Churakov.

I-29 Vedi: Marco (Lozinsky), abate. Centenario della Chiesa dell’Accademia Teologica di Mosca // “ZhMP”, 1970, n. 4. P. 20–21.

        Nel 1957, nella Lavra, nella chiesa del Refettorio nel nome di San Sergio di Radonezh, furono costruite due cappelle laterali: nel nome di San Serafino di Sarov e nel nome di San Joasaph, vescovo di Belgorod. Maria Nikolaevna dipinse icone per le iconostasi di queste cappelle. Tra questi ci sono l’immagine dei “Santi di Mosca con l’icona Vladimir della Madre di Dio” e l’icona “L’apparizione della Santissima Theotokos a San Serafino di Sarov”, dove Maria Nikolaevna raffigurava il suo santo patrono, il santo martire Giuliana. Nello stesso anno, come dono per il Giorno dell’Angelo al governatore della Lavra, l’archimandrita Pimen (l’ormai defunto patriarca), dipinse l’icona della Madre di Dio di Vladimir, la cui cornice basma fu realizzata dal gioielliere F. Ya. Mishukov. Un po’ più tardi, nella chiesa del Refettorio, per l’iconostasi della cappella principale intitolata a San Sergio nel XVII secolo, Maria Nikolaevna dipinse le icone mancanti della fila festiva nello stile dell’intera iconostasi.

        Va detto che dopo la morte della suora Giuliana si diffuse l’interesse per l’icona antica e per la tecnica dell’iconografia. Nel corso della sua vita, Madre Juliana ha visto e sperimentato qualcosa che non era raro nell’ambiente ecclesiale: la mancanza di comprensione del valore spirituale del linguaggio visivo dell’antica icona russa. A volte veniva data preferenza alla rappresentazione pittorica. Ora è persino difficile immaginare quale prova sia stata per lei. Il contributo della Madre alla questione della spiegazione del significato dell’antica icona russa e all’istituzione di tradizioni di pittura di icone specificamente nella Lavra, tra i fratelli del monastero e tra il futuro clero, è inestimabile.


Malato. I-9. Nella Trinità-Sergio Lavra

        Nel 1958, Maria Nikolaevna organizzò un circolo di pittura di icone presso l’Accademia Teologica di Mosca. Gli studenti che volevano studiare in circolo per lo più non avevano una formazione artistica. Tenendo conto di ciò, ha gradualmente creato sperimentalmente il proprio programma e metodo di insegnamento e ha realizzato campioni educativi visivi.

        “Lo studio di un pittore di icone non è uno studio accademico, ma una questione di vita, un’impresa, uno studio spirituale, come contenere l’inconcepibile nei colori e nelle linee, come rivelare il Divino-Umano con mezzi umani. Solo la grazia divina può aiutare il pittore di icone in questo risultato. Pertanto, l’insegnante, il mentore insegna non solo il disegno e la visione dei colori, ma il santo ascetismo” I-30 . Uno degli studenti di Madre Giuliana, ora vescovo Alipius, ricorda che dopo una delle lezioni I-31 , tenuta da Maria Nikolaevna davanti a un vasto pubblico all’Accademia e al Seminario, ebbe immediatamente il desiderio di frequentare un circolo di pittura di icone. “Fin dalle prime lezioni, Maria Nikolaevna ci ha affascinato tutti. E solo grazie agli sforzi e alle fatiche di Maria Nikolaevna, mi è stato rivelato il significato spirituale dell’icona ortodossa. Tutti si precipitarono al corso di pittura di icone. All’inizio abbiamo scritto i dettagli dell’abbigliamento, i dettagli personali separatamente. Quando tutto questo fu passato, arrivò il momento più tremante. Questo è stato il momento in cui ha detto che puoi dipingere un’icona. Aspettavo con impazienza di vedere quale icona mi avrebbe benedetto per dipingere. E così ha portato l’icona di San Pietro da TsAK I-32 . Con quale trepidazione, timore di Dio, ho dipinto questa icona. Guardo ora che riga incerta c’è, scritta con mano tremante.

I-30 Archimandrita Justin (Popovich) (1894–1978).

I-31 La conferenza fu pubblicata su ZhMP nel 1981 (n. 7, pp. 73–78).

I-32 CAC – Chiesa e Ufficio Archeologico della MDA.


Malato. I-10. Corsi di pittura di icone presso l’Accademia Teologica di Mosca

Malato. I-11. Nel laboratorio di pittura di icone

        Ora vedo tutte queste carenze, ma questa icona mi è molto cara, perché qui c’è tutta la mia prima tremante eccitazione emotiva. Guardando questa icona, rivivo di nuovo questo momento: il momento sacro in cui per la prima volta ho raffigurato il volto del santo santo di Dio con il mio pennello. Il laboratorio di pittura delle icone aveva un’atmosfera spirituale speciale, un’oasi spirituale. Maria Nikolaevna non era solo un’insegnante di pittura di icone, ma anche un’insegnante della nostra pietà ortodossa. Ecco perché molti si sono rivolti a lei per chiedere consiglio. E più di una volta, quando ero già nel monastero, quando attraversavo momenti difficili, una sorta di sconforto, le ho aperto la mia anima. Lei, avendo una ricca esperienza spirituale, ha sempre aiutato. E quando scrivevano le tesine del semestre chiedevano anche consigli, perché lei conosceva bene la letteratura teologica. Le nostre conversazioni erano intime. Certo, le abbiamo chiesto di più, ma lei non parlava molto di se stessa, non le piaceva parlare di se stessa, perché in generale questo è tipico delle persone che vivono una vita spirituale. Non sapevamo che Maria Nikolaevna fosse tonsurata. Tutto ciò che riguardava la vita interiore e il lavoro interiore era segreto: Maria Nikolaevna aveva una caratteristica del genere. Una volta ha condiviso con me il suo desiderio interiore di soffrire di una tale malattia prima di morire, per prepararsi in modo particolare al passaggio all’eternità, e la vita ha dimostrato che il Signore ha ascoltato le sue preghiere e il suo desiderio. Durante le lezioni, quando disegnavamo, spesso si limitava a leggere. Aveva sempre nella borsa un libro sugli asceti della pietà dei secoli XVIII-XIX. Abbiamo amato moltissimo queste letture, le abbiamo ascoltate con il fiato sospeso, come se non ci fosse nessuno. Maria Nikolaevna è stata per noi uno sbocco spirituale. I suoi alunni provenivano da tutte le parti della nostra vasta Santa Rus’, da tutte le diocesi, condividevano con lei i loro dolori e le loro gioie e lei, come una madre, simpatizzava con noi.


Malato. I-12. Suora Juliana al lavoro

        Ringrazio Dio che Maria Nikolaevna abbia prestato attenzione e abbia lavorato molto per educarci spiritualmente, illuminarci spiritualmente, per aprire i nostri occhi interiori all’Ortodossia e all’icona ortodossa” I-33 .

I-33 Dalle memorie del vescovo Alypiy (Pogrebnyak).

        Suora Juliana ha guidato il circolo di pittura di icone per 23 anni I-34 .

I-34 Dal 1990 presso l’Accademia Teologica di Mosca è stata ristabilita la prima scuola di pittura di icone nel nostro paese. Gli esempi di Suor Juliana e il metodo di insegnamento costituivano la base del programma della Scuola.

        Va notato che i lavori di restauro pittorico eseguiti in tutte le chiese della Lavra fino al 1980 sono stati realizzati sotto la guida di suor Juliania e con la sua diretta partecipazione. Negli anni 1965-1967 nella chiesa del refettorio fu eseguito il restauro dei dipinti murali. Vi hanno preso parte i fratelli della Lavra e E. S. Churakov. Nel 1968 furono eseguiti importanti lavori per preservare e lavare le icone dell’antica iconostasi della Cattedrale della Trinità.

        Nel 1970-1971, nella città di Dmitrov, nella cattedrale di Kazan, insieme a un gruppo di studenti – studenti del circolo di pittura di icone – fu effettuato il restauro delle icone dell’iconostasi e della pittura murale.

        Nel 1973–1974 fu eseguito un laborioso restauro delle icone dell’altare maggiore della chiesa del refettorio I-35 .

Hanno preso parte I-35 T. Ya. Volkova, E. Pravdolyubova, E. Volkova.

        Nel 1976 nella Lavra è stato creato un laboratorio di restauro e pittura di icone. Il team di questo laboratorio, guidato da suora Juliania, ha restaurato le icone della Cappella di San Nicola della Cattedrale dell’Assunzione, della Chiesa del Refettorio, del vestibolo della Cattedrale della Trinità, della Chiesa Battista e della sagrestia della Lavra I-36 . Per il giorno dell’intronizzazione di Sua Santità il Patriarca Pimen nel 1971, suora Juliania ha scritto una copia della miracolosa icona della Madre di Dio di Vladimir, nelle dimensioni dell’originale. È stato ottenuto il permesso di dipingerlo nella Galleria Tretyakov.

I-36 La brigata comprendeva E. Volkova, I. Volkova, L. Govyadina, A. Aldoshina.

        Suora Giuliana dipinse icone per le sacrestie della Lavra e dell’Accademia, una pala d’altare per l’altare maggiore della chiesa del Refettorio, la Sindone del Salvatore e della Madre di Dio, croci con l’immagine del Salvatore Crocifisso, icone per mitre e panagie e molte uova di Pasqua uniche I-37 . Oggi non è più possibile dire con esattezza quante icone abbia dipinto, è addirittura difficile stabilire dove si trovino molte di esse. Madre Juliana ha sempre risposto alle infinite richieste di coloro che desideravano avere le sue icone. Sono conservati in vari monasteri e chiese, nelle case di sacerdoti e laici. Ma non importa dove le vedi, puoi sempre determinare che l’icona è stata dipinta dalla mano della suora Juliana.

I-37 L’abate Mark (Lozinsky) nel 1970 raccolse 4 grandi album di fotografie in bianco e nero, che rappresentano solo una parte delle opere di M. N. Sokolova. Conservato presso l’Isofund del Gabinetto Ecclesiastico-Archeologico.

        Nel 1970, Maria Nikolaevna prese la tonsura monastica segreta, alla quale aveva cercato fin dalla prima giovinezza, con il nome della santa martire Giuliana (Comm. 30 agosto, coincide con la celebrazione del monaco Alipio l’iconografo).

        La Chiesa russa le ha conferito l’Ordine di San Principe Vladimir III e II grado, l’Ordine di San Sergio di Radonezh e tre medaglie ecclesiastiche. Fino agli ultimi giorni della sua vita, ha lavorato instancabilmente. L’ultima opera che suora Juliana dipinse mentre era gravemente malata fu l’immagine della Santissima Trinità, situata sopra l’ingresso delle Porte Sante della Trinità-Sergio Lavra.

        Il 16 febbraio 1981 seguì la morte beata di suor Giuliana. Un’ora prima della sua morte, ha comunicato in piena coscienza i Santi Misteri di Cristo; il Signore l’ha misericordiosamente liberata dalla dolorosa sofferenza insita nella sua grave malattia.

        La cerimonia di sepoltura ha avuto luogo nella Lavra, nella chiesa di San Sergio. “Era diretto dal governatore della Lavra, l’archimandrita Girolamo. Con lui ha concelebrato una congregazione di clero monastico, accademico e in visita…

        … Il confessore della Lavra e dell’Accademia, l’archimandrita Kirill, ha letto una preghiera di permesso sulla suora Juliania appena defunta. Il primo a salutare la defunta è stato Sua Santità il Patriarca Pimen, che è arrivato alla Lavra e l’ha benedetta con una piccola icona Vladimir della Madre di Dio” I-38 .

I-38 Suora Juliania (Maria Nikolaevna Sokolova). Necrologio // “ZhMP”, 1981, n. 7. P. 18.


Malato. I-13. Servizio funebre per suora Giuliana


Malato. I-14. Addio di Sua Santità il Patriarca Pimen alla monaca Juliania


Malato. I-15. L’ultima litania nella Trinità-Sergio Lavra

        Suora Juliania fu sepolta nel cimitero del villaggio di Semkhoz.

        “Suora Giuliana godeva di un’enorme autorità sia spiritualmente che come pittrice di icone. Il suo lavoro pluriennale nel circolo della pittura di icone ha dato molto all’educazione delle giovani generazioni del clero. La maggior parte dei pittori di icone moderni in Russia sono studenti della suora Juliania o studenti dei suoi studenti. E all’inizio era sola” I-39 . “…Madre Juliana deve e dovrebbe essere ricordata non solo come pittrice di icone, ma come una persona cristiana che ha vissuto secondo Dio non solo nella sua specialità, ma in tutte le sue manifestazioni. E questa sta diventando una rarità eccezionale nel nostro tempo, e queste sono le scintille della Rus’ di passaggio, la Santa Rus’…” I-40

I-39 Memorie di IV Vatagina.

I-40 Da una lettera dell’archimandrita Giovanni (Krestyankin), confessore del monastero dell’Assunzione di Pskov-Pechersky, a N. E. Aldoshina (aprile 1983).

        Aldoshina A.E., Aldoshina N.E.

II. Una guida per pittori di icone principianti (↑)

[II.1] Per il pittore di icone principiante (↑)

 

        Chiunque inizi a studiare la tecnica della creazione di icone II-1, prima di acquisire familiarità con il design, i materiali e i metodi del loro utilizzo, è necessario comprendere la natura sacra di quest’arte, il suo scopo più alto e il legame più stretto con la vita di la Chiesa. La pittura di icone non è solo arte, è arte sacra.

II-1 La “Guida per i pittori di icone principianti” è compilata sulla base di un manuale sulle tecniche di pittura di icone e di lezioni preparate per gli studenti del circolo di pittura di icone dell’Accademia teologica di Mosca, guidato da suora Juliania per 23 anni.

        Un’icona è un libro sulla fede. Attraverso il linguaggio delle linee e dei colori rivela l’insegnamento dogmatico, morale e liturgico della Chiesa. E quanto più pura e alta è la vita di un cristiano, tanto più accessibile alla sua anima è il linguaggio dell’icona.

        Un’icona è, prima di tutto, un oggetto sacro. Il volto su di esso raffigurato riceve, secondo la regola della Chiesa, un nome attraverso un’iscrizione. In questo modo, l’icona viene assimilata da colui che è raffigurato su di essa, sale al suo prototipo e diventa partecipe della sua grazia, così che in caso di trattamento indegno e negligente dell’icona, non è il dipinto ad essere insultato , ma quello di cui ha ricevuto il nome, il suo prototipo. Pertanto, fin dall’inizio, un pittore di icone alle prime armi deve essere intriso di rispetto per la pittura di icone e riconoscerla come un’opera sacra.

        È anche necessario avere rispetto per quelle persone che, negli ultimi secoli, hanno lavorato in questa materia, sono riuscite a sviluppare il linguaggio dell’icona e a creare il suo stile alto, veramente ecclesiale. Tra questi conosciamo innanzitutto il santo apostolo ed evangelista Luca, e dopo di lui ci furono innumerevoli pittori di icone tra i santi e padri della Chiesa.

        Un’icona è una preghiera espressa in senso figurato e viene compresa principalmente attraverso la preghiera. È progettato solo per il credente che sta di fronte ad esso in preghiera. Il suo scopo è promuovere la preghiera, quindi l’operaio in questa materia non deve dimenticare la preghiera mentre lavora. La preghiera spiegherà molto nell’icona senza parole, la renderà comprensibile, vicina, la mostrerà come spiritualmente vera, come inconfutabilmente vera.

        Chi cerca in un’icona la bellezza esteriore si sbaglia. La creatività della Chiesa ha una comprensione leggermente diversa della bellezza. La bellezza spirituale è superiore a quella fisica e l’obiettivo della vita cristiana è ascendere alla Fonte Primaria della bellezza: Dio. La natura è uno dei mezzi per conoscere Dio; attraverso la contemplazione delle sue bellezze, l’uomo è chiamato a glorificare Dio Creatore e a creare la bellezza della sua immagine interiore, crescendo e rinnovandosi in Cristo in una nuova creazione, trasformata, redenta per una vita vita nuova, eterna in Cristo. Ma è molto difficile per una persona pensare spiritualmente nelle condizioni terrene, e la Chiesa ha stabilito una certa mediazione, come un ponte dal mondo materiale a quello spirituale, creando un simbolo – un’immagine visiva delle verità della fede, e allo stesso tempo sviluppando forme speciali, uniche per esso. Questa è un’icona antica. Pertanto, davanti all’icona, «non adoriamo nella preghiera il volto scritto, ma ascendiamo al Prototipo» (San Basilio Magno).

        L’icona esprime figurativamente un’unica, incrollabile verità a livello di chiesa, ed è importante mantenerla limpida. Nell’icona vengono introdotte distorsioni dovute all’inettitudine, all’ignoranza o all’audace arbitrarietà del pittore di icone, che non ha paura di deviare dalla tradizione dell’icona e di introdurre “la propria saggezza, la saggezza della carne” nell’immagine della chiesa.

        Un’icona, ritiene la Chiesa, può essere realizzata in modo ecclesiastico solo con “mani pulite”, pertanto il Concilio Locale dei Cento Glava della Chiesa Russa (capitolo 43 dello Stoglav) incarica il pittore di icone di osservare le regole della moralità : deve essere «umile, mite, riverente, non chiacchierone, non risolino, non litigioso, non invidioso, non ubriacone, non ladro, non assassino; soprattutto di conservare con ogni timore la purezza spirituale e fisica, ed è opportuno che i pittori si rechino spesso dai padri spirituali e si consultino con loro in ogni cosa, si confessino e, secondo le loro istruzioni e insegnamenti, vivano nel digiuno, nella preghiera e nella astinenza con umiltà”. La cattedrale non ha ignorato l’alfabetizzazione dei pittori di icone nel loro lavoro e l’atteggiamento corretto nei confronti del loro lavoro. Il Concilio comanda “di dipingere con grande cura (diligenza) l’immagine di nostro Signore Gesù Cristo, e della Purissima Madre di Dio, e dei santi nell’immagine, nella somiglianza e nell’essenza, e secondo i migliori esempi dei pittori di icone antiche; ma per autoriflessione e in base alle proprie ipotesi, le Divinità non verrebbero descritte. Se qualcuno dei discepoli comincia a “vivere non secondo le regole della volontà, nell’impurità, nell’ubriachezza e nella condotta disordinata, non scomunicarlo affatto dal lavoro delle icone e non ordinare loro di toccarlo, per paura di ciò è detto: maledetto è l’uomo, compi l’opera del Signore con negligenza (Ger. 48, 10) . Gli abitanti dei villaggi e gli ignoranti, che fino ad oggi hanno dipinto icone senza studiare, per ostinazione e autoindulgenza, non secondo l’immagine, dovrebbero essere severamente puniti in modo che imparino dai buoni maestri; e a chi Dio dà questa sapienza, scriverebbe, ma a chi non la dà, deve infine cessare da tale azione”, in modo che il nome di Dio per amore della cattiva scrittura non sia blasfemo, perché “loro non sanno quello che fanno e non commettono questo peccato a se stessi”. Questa è la testimonianza del Concilio di Mosca (1551) a tutti i pittori di icone.

        A un pittore di icone alle prime armi viene chiesto di lavorare solo “su campioni”. L’icona antica entra in contatto con un altro mondo, invisibile a noi, divino. Non tutti possono comprenderlo e comprenderlo correttamente, tanto meno dargli la forma artistica appropriata. Tuttavia, ci sono state (forse ci sono ancora) persone che, con una purezza di cuore capace di contemplare la verità più intima, hanno ricevuto anche il dono di incarnare creativamente in immagini visibili ciò che è inaccessibile alla percezione sensoriale.

        Per otto secoli, la Chiesa di Cristo, rappresentata dai suoi pittori di icone, ha lavorato per sviluppare la forma artistica dell’icona, e ora abbiamo in essa un’immagine il più vicino possibile al mondo immateriale, da un lato, e alla nostra comprensione estremamente limitata di questo mondo, d’altro canto. Pertanto, a differenza dell’arte mondana, in cui si può migliorare solo attraverso lo studio della natura e della natura, la pittura di icone deve essere appresa solo copiando icone antiche, in cui l’invisibile si rivela in forme a noi accessibili.

        Copiando un’icona, una persona la comprende appieno ed entra involontariamente in contatto con il mondo in essa contenuto. A poco a poco, inizia a sentire la realtà di questo mondo, a riconoscere la verità di questa immagine, quindi comprende la profondità del suo contenuto, è stupito dalla chiarezza delle forme, dalla validità interna dei suoi dettagli e dalla semplicità veramente santa dell’espressione artistica. Ma per comprendere un’icona in questo modo ci vuole tempo, a volte parecchio tempo.

        Quando si scelgono le icone da copiare, bisogna tenere presente che insieme alle icone di alta qualità artistica, ci sono molti cosiddetti “primitivi” che provengono da ex laboratori artigianali rurali. Non possono servire da modello per gli studenti di pittura di icone. Quando si tratta di cosa copiare, è meglio seguire i consigli di maestri esperti, poiché tra le icone di diversi secoli e scuole, non tutti possono essere un modello per un principiante.

        Le riproduzioni possono aiutare nel disegno e nella composizione, possono mostrare come applicare le lumeggiature corrette su volti e vestiti, ma la loro colorazione è sempre distorta, quindi non dovresti attenervisi. Il massimo che una riproduzione può fornire è suggerire la collocazione delle macchie di colore; il tono stesso, ad esempio rosso, blu, verde, ecc., può essere preso correttamente solo avendo esperienza nella copia di icone antiche.

        Mentre lavori su un’icona, puoi commettere errori e andare fuori strada inosservato. Ciò accade sia all’inizio che nel lavoro successivo. Chiunque conosca bene l’arte secolare, la natura e l’anatomia, non può abituarsi a lungo alle peculiarità del design dell’icona, trova involontariamente molte “irregolarità”, “distorsioni”, si sforza di correggere qualcosa un po’ qua e là; gli sembra che “non può essere così”. Non puoi seguire le tue conoscenze e i tuoi sentimenti, poiché in un’icona è importante la visione interna, ma per un artista-studente è la visione esterna. Per ora dobbiamo accettare “per fede” tutto ciò che è incomprensibile e inaccettabile, e ripetere quello che c’è. La comprensione arriva con il tempo.

        In futuro, quando l’originalità dell’immagine iconografica sarà accettata internamente, quando i metodi di divulgazione artistica dell’immagine dell’icona saranno introdotti nella memoria, potrebbe sorgere la tentazione di mostrare la propria improvvisazione creativa, di farlo “a modo tuo, ” all’inizio almeno in dettaglio. Se segui questa strada senza avere dati interni, gradualmente puoi introdurre molte assurdità nell’immagine iconica, mentre non c’è nulla di accidentale in un’icona autentica.

        La Chiesa accetta la creatività, ma solo se preserva la verità generale della Chiesa, e questo è possibile quando l’artista, avendo padroneggiato la tecnica, ha anche il dono non solo della visione spirituale, ma anche dell’incarnazione creativa di ciò che ha visto. In conclusione, diciamo che “la fede, l’umiltà, la purezza erano le qualità naturali del pittore di icone. Attraverso la preghiera costante, moltiplicò in sé queste qualità, che lo condussero a una maggiore illuminazione e, infine, alla santità. Considerava il talento non suo, ma ricevuto da Dio come una melodia (dono), e per Dio era necessario coltivarlo, portare frutto al Maestro e restituirlo umilmente al Datore della vita, senza lasciare nulla per sé (non anche una firma sull’immagine), per non ricevere gli elogi che sono solo dannosi e distraggono dalla glorificazione dell’Uno e dell’Eterno. L’umiltà non è la distruzione della personalità, ma il suo arricchimento, educazione, raccolta e ritorno. L’umiltà cristiana è gioia, rinnovamento e partecipazione all’impresa di Cristo, e l’impresa cristiana – il facile giogo di Cristo – è gioiosa e luminosa” (Arciprete Alexy Ostapov).

II. Una guida per pittori di icone principianti

[II.2] La pittura di icone è l’arte della tradizione

        La tecnica della pittura di icone è complessa e unica. La sequenza del processo di pittura di un’icona è stata sviluppata dalla pratica secolare degli antichi pittori di icone. È quasi interamente utilizzato dai maestri moderni e non è soggetto a modifiche, e quindi i pittori di icone alle prime armi devono aderirvi con tutto il rigore.

        La seguente presentazione fornisce una descrizione dei materiali necessari per la pittura di icone, nonché delle tecniche per dipingere le icone secondo l’antica tradizione.

        Tuttavia, la tecnica della pittura di icone ha una sua vita storica: nel tempo sono comparsi nuovi materiali II-2 , ai quali i pittori di icone si sono adattati, studiandoli e applicandoli nella pratica. Allo stesso modo, oggigiorno, a causa delle circostanze, dobbiamo utilizzare alcuni materiali che non sono indicati nei vecchi manuali. Ma, deviando dalla tradizione in questa parte, ogni pittore di icone deve aver paura soprattutto di violare la cosa principale: la struttura stabilita e la sequenza di costruzione dell’immagine iconografica, e questo perché l’originalità sia dell’immagine stessa che dei metodi di la sua espressione non è casuale. Deriva dall’essenza interna dell’icona, che è la base della sua intera costruzione, proprio come la pittura ordinaria nelle sue forme esterne e nei metodi di utilizzo dei materiali è strettamente connessa con la propria base, con i suoi obiettivi e scopi. Attraverso un breve confronto di entrambe le arti, è più facile comprendere sia l’esclusività della base spirituale dell’icona sia la natura tradizionale delle sue forme esterne e delle tecniche tecniche. Cos’è la creatività artistica nella sua essenza e forma? La nostra comprensione delle cose e dei fenomeni della vita è sempre profondamente personale: nei nostri giudizi, definizioni, azioni, parole, conclusioni, traspare sempre il nostro “io”, con i suoi sentimenti e passioni. Tutto ciò che fa una persona, tutto ciò che crea da qualsiasi materiale, riflette la sua individualità, quindi ogni cosa è psicologica come la persona stessa. L’artista mette la sua consapevolezza, il suo temperamento in tutto ciò che vede, dà la sua valutazione a tutto, ed è il suo “io”, la sua personalità, che costituisce la base, l’essenza spirituale del suo lavoro.

II-2 Ad esempio, nel XVII secolo. apparve l’oro creato, nuove vernici furono importate dall’estero, ecc.

        Ogni dipinto appartiene all’uno o all’altro genere pittorico: paesaggio, ritratto, natura morta. L’artista, secondo le sue inclinazioni, sceglie il genere a lui più vicino, nel quale vede un’opportunità per esprimersi più pienamente. Poiché, per dirla in questo modo, utilizza immagini e oggetti del mondo esterno, il suo compito immediato è quello di creare sul piano della tela un’impressione della profondità dello spazio; cerca, per così dire, di introdurre lo spettatore in un certo mondo reale, pieno di immagini comprensibili di natura, persone, edifici, oggetti per tutti. Tali mezzi di pittura come la linea e la pittura non hanno un significato indipendente nel suo lavoro e non dovrebbero averli: sono solo materiale ausiliario che aiuta a evocare nell’immaginazione dello spettatore un’illusione completa della spazialità e del volume degli oggetti, cioè il illusione della loro realtà. Ma i metodi di utilizzo dei materiali che il maestro utilizza nel suo lavoro conservano ancora i tratti caratteristici di lui anche quando, come uomo della sua epoca, segue consapevolmente o involontariamente concetti, gusti e ricerche generalmente accettati nell’arte del suo tempo.

        Pertanto, in ogni dipinto di un pittore eccezionale, la sua essenza è l’individualità unica del maestro, che cerchiamo e apprezziamo anche in ogni tratto e tratto del pennello. Tutto ciò rende abbastanza accettabile e persino naturale vedere qualche autoritratto dell’artista in qualsiasi genere di pittura.

        Il dipinto è una sorta di istantanea spirituale del maestro. Da qui concludiamo: se la base di quest’arte è la personalità volubile e mutevole dell’artista, la sua vita, allora la sua opera non può contenere nulla di permanente, immutabile. L’arte della pittura realmente era, e rimane, sia nella sua essenza che nella sua forma esteriore e nelle tecniche tecniche. È interessante notare che anche la tela – questa base instabile e oscillante della pittura, su cui il dipinto ha sostituito la precedente base solida ed elastica – la tavola, è pienamente coerente con l’incostanza di quest’arte.

        Passiamo ora all’arte delle icone.

        Notiamo che un’icona, in senso stretto, significa un’immagine realizzata su una tavola. Ma, nel definire quest’arte, avremo presente non solo l’icona in sé, ma l’immagine iconografica in senso lato, un’immagine che può essere scritta sul muro, sul metallo e sugli oggetti ecclesiastici, e non solo scritta, ma anche inciso, e ricamato, e piastrellato, ecc.

        Quindi, prima di tutto, un’icona non è una sorta di arte indipendente. La pittura di icone fa parte della vita della Chiesa, una delle sue istituzioni. “Io non sono di questo mondo (Giovanni 8:23) “, ha detto il Divino Fondatore e Capo della Chiesa, ” Il mio regno (cioè la Chiesa) non è di questo mondo” (Giovanni 18:36) . Pertanto, sia la natura della Chiesa che tutte le sue istituzioni sono ultraterrene: il loro scopo e obiettivo finale sono gli stessi di quello della Chiesa: la salvezza del mondo, cioè l’educazione dell’uomo nel tempo per l’eternità, portandolo a comunione piena di grazia con Dio, a somiglianza di Dio. Pertanto, in un’istituzione come l’iconografia – un’immagine della chiesa, la Chiesa vuole esprimere in un’immagine il suo insegnamento, la sua storia, i dogmi della fede, cioè la teologia, la preghiera, come respiro della vita spirituale, esperienza spirituale dei padri e maestri della Chiesa universale, che hanno già raggiunto il distacco pieno di grazia e la comunicazione con Dio, e non solo ci hanno raggiunto, ma ci hanno anche lasciato una descrizione di questo difficile cammino nelle loro numerose creazioni. In questo caso, la Chiesa ha in mente soprattutto quei suoi figli per i quali le esposizioni verbali della teologia sono inaccessibili o inaccessibili.

        “Il mondo non vede i santi, come un cieco non vede la luce” II-3 . La visione della Chiesa differisce da quella ordinaria, mondana, in quanto in ciò che è visibile a tutti, ma in modo ristretto e unilaterale, vede l’invisibile; nel flusso temporaneo della vita vede il flusso dell’eternità. Ed è proprio ciò che sfugge alla visione ordinaria che la Chiesa mostra nell’immagine iconografica.

II-3 Incontrato. Filarete di Mosca (Drozdov).

        Ma come esprimere “grazia” o una persona “divinizzata”? È chiaro che non ci sono mezzi umani per questo. Pertanto, l’arte ecclesiastica, che da secoli sviluppa la sua immagine, dà solo un accenno, una sorta di somiglianza, una designazione simbolica dell’invisibile; dà in forme speciali, colori e linee speciali, in un linguaggio speciale, unico, adottato solo dalla Chiesa, un’immagine che, con un approccio profondo e attento ad essa, risulta essere del tutto coerente con lo stato descritto verbalmente dal santo padri. È ovvio che un’immagine del genere non può essere dipinta in alcun modo e con nulla. Ovviamente qui non può esserci nulla di casuale, individuale, arbitrario o capriccioso. Il linguaggio dell’icona è stato elaborato dalla mente della Chiesa, dei popoli e della storia sotto la guida benevola dello Spirito Santo, che dimora sempre nella Chiesa.

        L’icona esprime un’unica verità stabilita una volta per tutte e non soggetta a modifiche. Questa inviolabilità della sua base richiede le stesse forme costruttive solide e stabili dell’immagine stessa e dei mezzi della sua espressione. Queste sono le tradizioni della pittura di icone.

        Le tecniche di base caratteristiche di quest’arte derivano naturalmente dal suo contenuto.

  1. Un’immagine iconografica è innanzitutto un’immagine su un piano. (L’aereo è un simbolo di eternità). È possibile combinare concetti come preghiera, imparzialità, teologia con idee sulla spazialità terrena? Come si può parlare di illusione quando l’obiettivo è avvicinarsi il più possibile alla Verità più alta? E il pittore di icone dispiega la sua intera composizione, subordinandola rigorosamente al piano della tavola o del muro.
  2. I mezzi di pittura – linea e pittura – non svolgono alcun ruolo ausiliario, partecipano direttamente alla creazione dell’immagine. L’antico pittore di icone padroneggiava perfettamente la linea: nell’icona la vediamo come morbida, spigolosa, liscia, graficamente sottile e in alcuni punti monumentalmente ricca. È soggetto a una sorta di senso del ritmo interno e altamente sviluppato in ogni cosa e acquisisce un significato speciale nei contorni delle figure e dei singoli piani.
  3. La tempera è stata la pittura scelta per la pittura di icone fin dall’antichità, e non a caso. Sebbene un artista possa scegliere secondo il suo gusto l’acquerello, la tempera o l’olio per la sua pittura, si sforza comunque di scegliere una pittura che sia più adatta a risolvere i suoi problemi. Quindi, ad esempio, sappiamo dalla storia che la pittura a tempera era molto diffusa a Bisanzio e questa tecnica, insieme al cristianesimo e all’immagine ecclesiastica, fu adottata da tutti i popoli ad essa soggetti. In Occidente, gli artisti del Rinascimento, sebbene si allontanassero gradualmente dalle convenzioni della pittura di icone, continuarono a utilizzare la tempera all’uovo per molto tempo (secoli XIII-XV), nonostante la loro attenzione fosse completamente assorbita dallo studio della natura. Tuttavia, una volta scoperta e sviluppata la tecnica della pittura ad olio, i suoi vantaggi attirarono rapidamente la simpatia degli artisti. Pennellate audaci, impenetrabilità, fioritura materica non potrebbero essere più adatte per esprimere la materialità del mondo materiale, e la tempera in quest’arte divenne un ricordo del passato, rimanendo indispensabile solo per l’immagine della chiesa, e per questi motivi.

        Da un lato, l’altezza e la santità dell’immagine sacra richiedono anche i migliori materiali per la sua realizzazione, che siano sufficientemente robusti nel senso di resistenza all’influenza del tempo e dell’ambiente esterno. E ora sappiamo già che la vernice preparata sull’uovo è così resistente che sembra non subire l’usura del tempo.

        D’altronde la tempera, per le sue proprietà, permette di mantenere la piattezza dell’immagine, condizione necessaria per creare un’immagine iconografica e, allo stesso tempo, permette di mantenere l’espressività della linea. Questa vernice è capace di conferire una straordinaria forza di tono, pur rimanendo leggera e trasparente allo stesso tempo.

        Per la pittura delle icone vengono definiti anche i metodi per l’utilizzo di questa vernice, vale a dire: i piani delineati linearmente vengono riempiti uno dopo l’altro con strati quanto più uniformi possibile di tonalità di colore composte. Il compito del pittore di icone in questo processo è coordinare tra loro le singole macchie di colore. Ma questo problema non può essere risolto meccanicamente. Proprio come è impossibile creare una sinfonia musicale senza sperimentarla, così è impossibile creare un’armonia cromatica senza entrare nella sua essenza. Solo quello diretto, ovviamente, per ogni pittore di icone a modo suo, ma è il contatto diretto del pittore di icone con il mondo celeste del Divino che può infondere vita nell’armonia dei colori dell’icona, che viene percepita dal spettatore, anche qualcuno estraneo alla religione.

        Ecco cosa leggiamo in una delle descrizioni moderne dell’icona: “Nell’arte di combinare macchie colorate, l’antico maestro raggiunse vette sorprendenti: cinabro ardente, oro splendente, toni bianchi puri, lapislazzuli abbaglianti, delicate sfumature di rosa, viola, lilla, verde-argento attraverso l’opposizione o la sottile armonizzazione di accordi colorati hanno prodotto un’immagine che, nella sua melodiosità musicale e, allo stesso tempo, calma concentrazione, evocava nello spettatore una sensazione di una sorta di leggerezza, quando tutto il passioni opposte furono portate in armonia e nacque un sentimento di armonia molto speciale.”

        Questo è ciò che dice una persona, guardando un’icona solo come un’opera d’arte. Che grande aiuto fu l’antica icona per concentrarsi nella preghiera, per calmare l’anima di un cristiano tra le tempeste della vita, a cui era destinata. Infatti, nell’icona, sia nei singoli volti che in intere composizioni, non possiamo fare a meno di sentire, non possiamo fare a meno di stupirci di uno speciale spirito di riconciliazione e imparzialità, anche in immagini come “La decollazione di San Giovanni Battista ”, “La Crocifissione”, “Sepoltura”, “Vita e sofferenze dei martiri”.

        Le icone contengono terreno sotto forma di colline, vegetazione ed edifici. Nel dipingerli, l’artista non si è rivolto affatto alla natura come riferimento; le loro forme astratte lo hanno solo aiutato a rivelare in modo più chiaro e olistico la cosa principale: quel ritmo calmo della vita interiore dello spirito, che non è disturbato da nessuna vicissitudine terrena.

        Quindi, un’icona è la verità rivelata da Dio, la teologia, espressa non verbalmente, ma figurativamente (ricordate le icone della Santissima Trinità, la Risurrezione di Cristo). L’icona riflette la compostezza orante, la tranquillità e l’impassibilità nella comunicazione con Dio, cioè qual è l’obiettivo finale del percorso spirituale e della vita di un cristiano, e non solo di un cristiano, ma di ogni persona. È interessante notare che tutto questo, come la realtà più reale, è presentato anche nell’icona in modo abbastanza realistico, senza alcun accenno di illusione, solo in linee e colori, ma in modo tale che sotto le forme più semplici sentiamo le verità del vita più intima.

        Le tecniche per identificare un’immagine iconica evidenziando e ombreggiando i singoli dettagli – diapositive, tende, vesti, volti, ecc. – sono tradizionali quanto i metodi di preparazione delle tavole, applicazione della doratura e fissaggio dell’immagine con olio essiccante.

        Quindi, la pittura di icone è principalmente l’arte della tradizione. E queste tradizioni sviluppate dall’antichità vengono tramandate dai pittori di icone di generazione in generazione, di generazione in generazione, fino ai giorni nostri.

        La pittura di icone è arte su un piano, ma nella profondità del suo contenuto supera di gran lunga la pittura più talentuosa, che introduce solo illusoriamente nelle infinite distanze dello spazio e rivela i pensieri e i sentimenti più sublimi dell’artista. Come ogni attività, sia il disegno e la pittura ordinari, sia la pittura di icone, è necessario imparare, iniziando non con compiti complessi, ma con quelli semplici, passando gradualmente a quelli sempre più difficili.

        Il linguaggio di un’icona è lo stesso di una lettera. Al bambino viene prima insegnato a scrivere singole lettere, poi viene data l’opportunità di copiare da un libro, poi di scrivere un’esposizione e, infine, un saggio. Allo stesso modo, la pittura di icone ha una propria alfabetizzazione, una propria scuola, una propria sequenza di lavoro, attraverso la quale allo studente vengono fornite conoscenze speciali, formazione speciale ed educazione speciale. Anche il programma e la formazione graduale sono tradizionali e comprovati dall’esperienza di molte generazioni.

        L’immagine iconografica è la stessa nel contenuto e nella forma strutturale, ma i metodi tecnici per la sua riproduzione variano leggermente a seconda della base: ad esempio, su una tavola innescata si utilizza una tecnica, su un muro intonacato – leggermente diversa.

        Passiamo a una descrizione dettagliata dei materiali e delle tecniche per scrivere un’icona su una lavagna.

II. Una guida per pittori di icone principianti

[II.3] Tecnica di pittura delle icone

        La tecnica della pittura di icone è complessa e originale; La sequenza di scrittura dell’icona è stata sviluppata in tempi antichi, non è soggetta a modifiche e, secondo la tradizione, viene tramandata dai pittori di icone di generazione in generazione. Pertanto, anche i pittori di icone principianti devono aderirvi rigorosamente e fermamente. Se, a causa delle circostanze, è necessario discostarsi da determinati materiali e tecniche, allora ogni pittore di icone dovrebbe avere più paura di violare la cosa principale: l’immagine tradizionale dell’icona e la sequenza della sua costruzione.

        Ogni icona è composta da quattro parti principali: livelli. Il primo strato – uno scudo fatto di una tavola di legno (o un pezzo di tela) – è la sua base. Il secondo strato è il primer, o gesso, composto da polvere di gesso con colla. Il terzo strato è la pittura, composta da un disegno e materiali colorati: pigmenti preparati su un’emulsione naturale di uova o artificiale – olio di caseina o acetato di polivinile. Il quarto strato, che protegge il dipinto dagli influssi esterni, è un sottile film di olio vegetale indurito (olio essiccante).

        Di conseguenza, il lavoro sull’icona è diviso in quattro fasi principali: scelta della base, applicazione del primer, verniciatura e fissaggio con olio essiccante.

[II.3] Tecnica di pittura delle icone

[II.3.1] Selezione ed elaborazione della base

        La tavola per l’icona è preparata con tipi di legno come tiglio, pino, abete rosso, ontano, larice (nelle regioni settentrionali della Russia), abete, cipresso, faggio (nelle regioni meridionali). La preferenza dovrebbe essere data al cipresso, al tiglio e all’ontano.

        Le tavole di cipresso non si deformano a causa degli effetti dei cambiamenti atmosferici e il bug della smerigliatrice non si avvia in esse (grazie all’odore specifico del cipresso). Le tavole di tiglio e ontano sono convenienti per la loro leggerezza, poiché la pittura di icone richiede una posizione orizzontale della tavola (a differenza della pittura da cavalletto) e consente, per comodità del pittore di icone, di ruotare l’icona in diverse direzioni.

        Le tavole di betulla, in particolare pioppo tremulo, abete rosso, pino e altre specie di scarso valore, non sono pratiche (sebbene siano costantemente utilizzate): sono molto resinose (la resina può fuoriuscire dalla tavola anche dopo l’essiccazione, a volte anche attraverso il lato anteriore), o molto sciolti (betulla, pioppo tremulo) e sono sensibili ai cambiamenti di temperatura e umidità dell’aria, causandone deformazioni e screpolature.

        Il rovere è assolutamente inadatto a causa della sua struttura particolare, che può rompersi sotto il gesso.

        La tavola destinata all’icona deve essere di legno ben essiccato. Anticamente l’essiccazione veniva effettuata all’aria aperta e per tempi molto lunghi. Attualmente l’essiccazione del legno viene accelerata artificialmente in appositi essiccatoi, ma questo metodo non dà gli stessi risultati di prima.


Malato. II-1. Tramite chiave


Malato. II-2. Tasto “Contatore”.


Malato. II-3. La chiave è “sollievo”


Malato. II-4. Tasto Fine

        In una tavola piena o incollata insieme da più parti, per proteggerla dalla deformazione, sul retro, attraverso la fibra del legno, vengono praticate delle fessure che si espandono nella profondità della tavola, nelle quali vengono inseriti i tasselli – tavole strette realizzate a forma di scanalatura e realizzato in legno più resistente della tavola stessa (ad esempio, in quercia).

        I tasti più comuni sono conosciuti come “passante”, “contatore”, “rilievo”, “bemolle”. La forma della scanalatura nella quale vengono inseriti è detta “a coda di rondine”.

        Ma i tasselli non sempre soddisfano il loro scopo: contrastare la deformazione della tavola. La tavola si restringe, si deforma e i tasselli spesso cadono dalle scanalature. Pertanto, alla fine del XVII secolo, iniziarono a essere tagliati alle estremità delle assi, da dove era quasi impossibile che cadessero.


Malato. II-5. Tavola con tasselli e rondini

        I tasselli non sono in nessun caso incollati alla tavola, ma per resistenza sono incollati all’estremità o inchiodati con un chiodo, in modo che quando l’umidità atmosferica oscilla, il che contribuisce all’espansione e alla contrazione della tavola, non può scoppiare. A volte vengono tagliate punte aggiuntive in uno scudo costituito da diverse assi incollate insieme: strisce di varie forme, chiamate “rondini”, “carassi”, “padelle”. Si schiantano contro le assi adiacenti. È necessario ricorrere a tale fissaggio soprattutto nei casi in cui l’icona è dipinta su una vecchia tavola fortemente curva.


Malato. II-6. Arca e doppia arca

        Sulla faccia della tavola viene scavata una rientranza piatta, attorno alla quale la cornice, o campo, viene lasciata intatta. La parte incassata della tavola è chiamata “arca” o “trogolo”; la sporgenza formata dall’arca è detta “buccia”. Ci sono tavole di icone che vengono estratte due volte dal lato anteriore, cioè hanno una doppia arca. La profondità dell’arca per le icone piccole dovrebbe essere di circa 2–2,5 mm e non più di 3–4 mm per le tavole grandi.

        Il dipinto, per completezza di impressione, è inserito in una cornice, separandolo così dall’ambiente circostante e indirizzando l’attenzione dello spettatore al mondo che si apre sulla tela dietro la cornice, come fuori da una finestra. Nell’icona il ruolo della cornice è svolto dai campi. Isolando ciò che è raffigurato sull’icona dall’ambiente terreno, contribuiscono alla concentrazione del fedele.

        La dimensione della tavola, il rapporto tra lunghezza e larghezza e la dimensione dei margini sono di grande importanza, poiché se le proporzioni non vengono rispettate si perde l’impressione anche del lavoro migliore.

        In precedenza, il progettista e il pittore di icone lavoravano a contatto. Il falegname era abile nella falegnameria quanto il pittore lo era nella pittura. Se gli dicevano: “I campi sono belli, più larghi o più stretti”, significava che si affidavano interamente al suo gusto, e il gusto di un buon falegname era raffinato quanto quello di un artista. In tempi diversi sono cambiati i metodi di lavorazione delle tavole, il fissaggio dei tasselli, il profilo dei tasselli, le proporzioni delle tavole e la larghezza dei margini.

        Tutte queste caratteristiche dell’icona sono di grande importanza per stabilire la datazione dell’opera. Nell’antichità le tavole venivano realizzate utilizzando un’ascia e un’ascia, motivo per cui il nome della tavola “tes” è stato conservato fino ad oggi. Spesso anche la lavorazione trasversale delle assi, come i tronchi, veniva eseguita con l’aiuto di un’ascia. Le tavole spaccate avevano il vantaggio che si rompevano molto raramente e non si deformavano quasi mai, soprattutto quando venivano spaccate radialmente, lungo la fibra. Quindi le tavole truciolate iniziarono a essere sostituite con tavole segate.

        La sega in Russia era già conosciuta nel X secolo, ma, a quanto pare, fino al XVII secolo nella lavorazione del legno veniva utilizzata solo per il taglio trasversale. Il taglio longitudinale, con l’obiettivo di ricavare più assi da un tronco, probabilmente iniziò ad essere utilizzato molto più tardi. L’uso della sega è noto da fonti scritte solo a partire dal XVII secolo.


Malato. II-7. Lato posteriore dell’icona

        La migliore prova del metodo utilizzato per lavorare una tavola sono i segni degli utensili lasciati sulla sua superficie. Ad esempio, la lavorazione con un’ascia lascia dei caratteristici segni. Ma, di regola, le tavole di icone antiche (secoli XI-XVI) presentano tracce di lavorazione con uno spiedo. Il retro delle tavole di molte icone fu sottoposto a ripetute lavorazioni nei secoli successivi. Pertanto, è più corretto e accurato determinare il metodo originale di realizzazione della tavola dalle tracce conservate sotto lo strato di pittura. Naturalmente sono visibili solo se parte del gesso che ricopre la tavola è andata perduta. La segatura iniziale delle tavole è stata effettuata lungo la venatura del legno in modo da livellare singolarmente la superficie di ciascuna tavola. Dopo aver unito le assi in un’unica tavola lungo il lato anteriore, è stata eseguita una lavorazione secondaria con una paletta lungo le venature del legno per livellare le giunture. Poiché sul retro le irregolarità in corrispondenza delle giunzioni delle tavole non sono significative, lì non è stato eseguito alcun taglio trasversale II-5 .

II-5 Decreto Filatov V.V. cit., pag. 7.


Malato. II-8. Faccette sovrapposte del XII secolo. su chiodi forgiati

        Anche la forma dei tasselli e le modalità del loro fissaggio hanno una loro storia. Nei secoli XII-XIII, i tasselli non venivano tagliati nelle tavole delle icone, come nei secoli successivi, ma venivano fissati utilizzando perni di legno o chiodi di ferro forgiato. I punti in cui erano attaccati i tasselli erano le estremità delle assi e il loro lato posteriore.

        Nel XIV secolo i tasselli non erano attaccati alle assi costituite da un unico pezzo di legno. Quando lo scudo veniva realizzato con più assi, venivano utilizzati tasselli soprastanti, fissandoli con chiodi di ferro forgiato. Dalla fine del XIV secolo sono state rinvenute tavole con tasselli a mortasa.


Malato. II-9. Consiglio con una chiave

        Nei secoli XV-XVI, i tasselli venivano tagliati solo sul lato posteriore della tavola e sporgevano in alto sopra la superficie della tavola; Solo una chiave è stata tagliata in piccole icone.

        Nel XVII secolo furono tagliati anche i tasselli nella tavola, ma furono realizzati bassi e larghi, in parte in quercia, dal profilo complesso. Alla fine del XVII secolo iniziarono a tagliare i tasselli alle estremità delle assi.

        Anche la forma delle assi, la larghezza dei campi e la profondità dell’arca hanno caratteristiche tipiche del loro tempo. Le icone antiche, di regola, hanno un’arca. Le icone dei secoli XIV-XV si distinguono per la forma allungata e i margini stretti. Le tavole da un metro e mezzo hanno margini larghi 4–4,5 cm; nelle tavole piccole si restringono a 1,5–2 cm.

        Dalla fine del XVI secolo, le tavole delle icone, principalmente di maestri moscoviti, sono cambiate. Le proporzioni dei lati sembrano ordinarie, misurate, ma i lati dell’arca sono diventati più vicini a un quadrato, i margini sono diventati più ampi (a volte raggiungono i 5-6 cm su icone di piccolo formato), e la profondità dell’arca è appena percettibile al tatto. Apparve e si allargò una doppia arca.

        Dalla seconda metà del XVII secolo, le tavole venivano solitamente realizzate senza l’arca, con una superficie piana, ma i campi che incorniciavano l’immagine risaltavano a colori. Dal XVII secolo sono arrivate icone che hanno un bordo figurato nella parte superiore, come un triangolo, i cui lati si elevano verso l’alto con sporgenze arrotondate. Tali icone appartengono al livello superiore dell’iconostasi. Con la loro forma conferiscono all’iconostasi una completezza decorativa (ad esempio, l’iconostasi della Cattedrale della Trinità della Trinità-Sergio Lavra). Nel XVIII secolo l’icona perse anche i suoi campi di colore. Le icone nelle iconostasi (anche le immagini sui muri) iniziarono ad essere incorniciate in stile barocco e rococò. Lo stile barocco è una combinazione di motivi vegetali – foglie, fiori, frutti – con forme geometriche – sono preferite l’ellisse, la spirale e le loro parti, le linee spezzate. Lo stile rococò a volte richiede bombatura artificiale o convessità della tavola. Questo stile è formato da varie combinazioni di un solo motivo, che si avvicina alla conchiglia, presa di profilo, e nel suo aspetto generale ricorda un orecchio umano. Questo stile non ha una cornice chiaramente definita, creando segni completamente asimmetrici di un’ampia varietà di forme.

        Alla fine del XVIII e all’inizio del XIX secolo, l’era dell’Impero sviluppò lo stile Impero (stile impero). Tracce di questo stile sono rimaste sull’icona, dandole la forma di alcune figure geometriche: un’ellisse, un triangolo, ecc. Ciò si osserva principalmente nelle icone delle Porte Reali e talvolta nell’iconostasi.

        Nel primo quarto del XX secolo emerse un nuovo stile, “moderno”. Si basa su un risvegliato interesse per gli esempi di arte catacombale, così come per l’antichità russa. Le tavole delle icone hanno ricevuto un bordo figurato nella parte superiore. Questo bordo aveva la forma e la somiglianza degli archi o dei tetti delle torri russe, delle cupole delle chiese, ecc. Ma ciò che era vitale durante l’epoca delle catacombe e dell’epoca bizantina, che era l’espressione dell’anima del popolo russo nei secoli XIV-XVI, nel XX secolo ha ricevuto un carattere primitivo e superficiale. La nuova creatività nelle forme della vecchia cominciò a sembrare una creatività genuina falsa e rovinata. Lo spirito dell’arte popolare non è stato compreso. Dato l’estremo impoverimento della coscienza religiosa di quest’epoca, il nuovo stile si rivelò un’imitazione senz’anima e una ricerca casuale nell’arte. Pertanto, l’antichità rinnovata e “modernizzata” è apparsa inizialmente come una novità attraente, come ogni moda, ha conquistato grande simpatia, ma è diventata rapidamente obsoleta.

[II.3] Tecnica di pittura delle icone

[II.3.2] Preparazione della scheda per il priming

        La preparazione della scheda per l’adescamento è la seguente. Se la tavola è molto liscia, la sua faccia dovrebbe essere dentellata. Per questo esiste uno strumento speciale (raschietto), simile a una normale pialla, ma la sua lama ha piccole dentellature. Quando tale strumento viene passato su una tavola, le tacche lasciano delle scanalature su di essa, eliminando così la levigatezza della tavola. Questo viene fatto in modo che la pavoloka, e con essa il terreno, sia più stretta. Questo strumento è facile da realizzare per chiunque. Devi fare scorta di lime per puzzle, trovare un pezzo tagliato di un blocco, come un aereo, e guidare la lima su un lato di esso, lasciando solo la lama all’esterno. Se non hai uno strumento del genere a portata di mano, puoi semplicemente graffiare superficialmente il lato anteriore della tavola in diverse direzioni con un oggetto appuntito; con un punteruolo, un bisturi o un coltello (sono da evitare i graffi profondi: possono causare crepe nel terreno).

        Se sul tabellone sono presenti buche, nodi caduti o punti bruciati (specialmente se si tratta di un’icona vecchia e completamente persa), tutti questi difetti dovrebbero essere corretti. È meglio riparare i nodi caduti e le buche profonde incollando pezzi di legno ben montati, o con una massa di segatura setacciata e mista a colla, o con una densa poltiglia di gesso e colla; in quest’ultimo caso questo punto deve essere prima incollato con colla a caldo e asciugato. Le aree bruciate devono essere pulite accuratamente fino al legno e livellate.

        Se la nuova tavola presenta dei nodi sulla superficie frontale (sono frequenti soprattutto nelle tavole di cipresso), questi dovranno essere rimossi e sigillati con legno mediante colla. I nodi hanno la proprietà di sporgere dalla superficie della tavola quando il legno si asciuga (non si seccano da soli). Se li lasci, successivamente elimineranno il terreno.

        Per l’ulteriore lavorazione del pannello in gesso è necessaria prima la colla. Di solito usano colla di origine animale: falegnameria, gelatina, pesce.

        La colla da falegname si ottiene dalla cottura di ossa, cuoio, tendini, ecc. È disponibile in diverse varietà e nomi: cuoio, pelliccia, cuoio, osso, da falegname, da pittore, granulare – un tipo di colla da falegname, di produzione leggermente diversa. Differiscono tutti per forza adesiva ed elasticità. I vecchi pittori di icone preferivano la colla per pelle per i primer, che si distingue per la sua particolare forza e bianchezza. Si trova ancora, ma prima di utilizzarlo è necessario testarne sperimentalmente le proprietà. Lo stesso va detto per la colla granulare. La colla per legno nelle piastrelle è meglio conosciuta per le sue proprietà. È trasparente (è una proprietà della colla per vernici), oppure semitrasparente, di colore più o meno scuro, a seconda del grado di pulizia. Questa colla si ammorbidisce e si gonfia anche nell’aria umida, ammuffisce e, marcindo, perde la sua forza. Tali processi sono più probabili nelle sue soluzioni acquose. La più resistente in questo senso è la colla per pellame.

        La gelatina può essere utilizzata al posto della colla. Si ottiene dalla bollitura delle pelli animali e si presenta in due tipologie: gelatina alimentare (completamente incolore) e gelatina tecnica. La forza adesiva della gelatina è inferiore a quella della migliore colla per la pelle.

        Il miglior tipo di colla di pesce si ottiene dalle vesciche natatorie dei pesci cartilaginei: beluga, storione, sterlet, ecc. – mediante pulizia, trattamento delle bolle con una soluzione alcalina, lavaggio e asciugatura al sole. Una buona qualità di questa colla ha grande forza astringente ed elasticità; inoltre è quasi incolore. Le varietà di bassa qualità si ottengono da interiora, pelle, squame, ossa di pesce, ecc. Quando si utilizza questa colla, soprattutto nei terreni, è necessaria cautela, poiché la sua elevata forza adesiva (superiore a quella della gelatina e della colla per legno di qualità superiore) può, se maneggiato in modo improprio, favorisce la formazione di crepe nel terreno.

        Per adescare la tavola è necessario anche il gesso, ben setacciato e privo di particelle non macinate. Né il gesso, né l’alabastro, né la calce sostituiscono in questo caso il gesso, che dopo la lavorazione finale dona uno speciale effetto di profondità e trasparenza. Inoltre, le osservazioni mostrano che i terreni di alabastro, in condizioni sfavorevoli, vengono distrutti più fortemente dei terreni di gesso; in essi si verifica il distacco e la spruzzatura del gesso II-6 . A causa della sua composizione, la cosiddetta “calce” della vernice prodotta in fabbrica per dipingere pareti e stufe è completamente inadatta al terreno.

II-6 Decreto Filatov V.V. cit., pag. undici.

        Se avete a portata di mano solo gesso di bassa qualità: poco macinato, con molta sabbia e detriti, potete sempre pulirlo elutriandolo. Questo processo è il seguente: prendi due vasi e versa un terzo di gesso in uno di essi, riempi metà del vaso con acqua e mescola lentamente, lasciando che il gesso si dissolva nell’acqua. L’acqua diventa bianca, i detriti leggeri galleggiano in superficie e la sabbia si deposita sul fondo. I rifiuti dovrebbero essere raccolti e gettati via. Il liquido viene versato in un secondo recipiente, filtrato attraverso una garza. Lo spessore rimanente viene impastato bene per frantumare i grossi pezzi di gesso non sciolti, e nuovamente versato con acqua, mescolato e nuovamente filtrato. Questo processo viene ripetuto più volte, dopodiché la sabbia e i ciottoli rimanenti vengono gettati via e la nave viene lavata. Il liquido filtrato viene nuovamente agitato e dopo uno o due minuti viene versato con cura nel recipiente attraverso una garza, impedendo la penetrazione dei granelli di sabbia depositati. La sabbia rimasta sul fondo deve essere gettata via. Questo processo di colata viene ripetuto fino a 3-4 volte, dopodiché il liquido bianco viene lasciato sedimentare. Dopo un giorno, il gesso si depositerà sul fondo del vaso, l’acqua diventerà limpida e dovrà essere rimossa senza disturbare il gesso. Per fare questo, crea un flagello di garza e un’estremità di esso viene abbassata in una nave con gesso in modo che la sua estremità raggiunga il gesso e l’altra estremità venga abbassata in una nave vuota. Dopo alcune ore, l’acqua traboccherà nel recipiente vuoto. Il gesso viene essiccato e si ottiene così un pezzo morbido di gesso puro, facilmente solubile. Puoi usare il gesso in pezzi. Deve essere grattugiato e “torturato”, poiché il pezzo può contenere granelli di sabbia, terra e carbone. Il gesso artificiale non è adatto, anche se è molto sottile.

        Puoi anche usare il dentifricio come primer, ma solo “per bambini”. In nessun caso dovresti assumere un’altra varietà, ad esempio “Speciale”, che contiene additivi come la soda. Se la soda penetra nel terreno, di solito il terreno sotto le vernici inizia a “bollire”, a bollire e a salire verso l’alto, il che rende il lavoro impossibile.

        Un altro materiale durante la preparazione della tavola è il pavolok. Questo nome è associato al concetto di “coprire”, “rivestire”, “rivestire” una tavola sotto gesso con tessuto. Pavoloka si chiama tessuto di lino o di canapa, ma deve essere raro in modo che l’aria non rimanga sotto di esso quando lo si incolla alla tavola. È adatta anche la garza (preferibilmente una varietà durevole). Pavoloka è talvolta chiamata “serpyanka”. I tessuti colorati sono del tutto inadatti.

        Per applicare il terreno sulla tavola è necessaria una spatola di legno, acciaio o osso. Tali lame di una certa forma sono chiamate spatole, “rivetti” o “sonagli” (vecchi nomi).

        Per lisciare il terreno si utilizza la pomice, disponibile in due varietà. Uno è chiaro, giallo scuro, pietre spugnose che si rompono e si sbriciolano facilmente. Prima della lavorazione, una grossa pietra va spaccata (con una pinza da zucchero o con un coltello) o, meglio ancora, tagliata con un seghetto alternativo, o con un comune seghetto, in modo da ottenere un pezzo non più grande di una scatola di fiammiferi. Quando i pezzi sono spaccati è necessario strofinarli uno contro l’altro in modo da livellare la superficie su cui si dovrà lavorare. Successivamente la pomice va sciacquata bene in acqua per eliminare parte della polvere gialla che macchia il terreno durante la levigatura. Le briciole di pomice rimaste dopo il taglio e la lavorazione di un pezzo di pomice dovrebbero essere raccolte. Devono essere schiacciati e conservati in un barattolo. Vengono utilizzati al posto della gomma quando si applica un disegno al terreno. Quando si correggono linee errate, una gomma si limita a imbrattarle e macchiare il terreno, mentre la polvere di pomice le rimuove rapidamente, basta immergere il dito nella polvere e pulire la zona desiderata.

        Il secondo grado di pomice, il migliore in termini di qualità (sfortunatamente, non è facilmente disponibile), è costituito da mattoni bianchi, leggeri, pressati, che dovrebbero anch’essi essere spaccati o segati nella dimensione richiesta. Questa pomice non cambia affatto il colore del terreno.

        Per la levigatura finale del gesso, è necessaria carta vetrata a grana medio-fine.

[II.3] Tecnica di pittura delle icone

[II.3.3] Il processo di applicazione del terreno sulla tavola

        Quando inizi a lavorare sul terreno, devi prima preparare la colla. I metodi per preparare la colla si riducono sostanzialmente a quanto segue: piastrelle frantumate di colla per legno o piastre di colla di pesce vengono riempite con acqua fredda per circa un giorno, quindi il recipiente con la colla gonfia viene posto in un contenitore speciale chiamato “kleyanka. ” Si compone di due calderoni, uno dentro l’altro, con quello più grande riempito d’acqua e posto direttamente sul fuoco, e la soluzione adesiva posta in quello più piccolo. Ci deve essere uno spazio pieno d’acqua tra il fondo della pentola grande e quello della pentola piccola. In questo modo la colla viene cotta a fuoco basso in modo che non si surriscaldi e trabocchi, poiché le alte temperature le fanno perdere la sua forza. Questo metodo di cottura della colla è chiamato cottura “a bagnomaria”.

        La colla finita viene versata in un altro contenitore e diluita con acqua calda, ottenendo una soluzione di colla al 3–5% circa. La colla viene applicata molto calda con un pennello largo (a setola) lungo la superficie anteriore della tavola in modo che la tavola sia ben satura e fissata saldamente, poiché il legno, soprattutto se vecchio o allentato, può poi staccare la colla dalla terreno e quindi contribuire al suo ritardo dal tabellone. Solo la colla liquida e quella a caldo si adattano bene al legno: la colla forte o calda viene spalmata sulla superficie della tavola, senza dare i risultati desiderati. Contemporaneamente vengono incollate anche le estremità delle tavole II-7 , poiché l’umidità penetra nel legno principalmente attraverso le estremità (sezione trasversale). Dopo l’incollaggio, la tavola deve essere accuratamente asciugata. Il tempo di asciugatura dura a volte diverse ore, a volte un giorno, a seconda della temperatura e dell’umidità dell’ambiente in cui si svolge il lavoro. Se il legno della tavola è troppo sciolto o secco, si consiglia di ripetere il dimensionamento della tavola dopo l’asciugatura.

II-7 Se le chiavi non sono infilate alle estremità.

        Quando la tavola è preparata in questo modo, il pavolok viene incollato. Viene preparata una soluzione di colla al 15% circa (1 parte di colla in 6 parti di acqua). Se provi la colla al tatto, le tue dita si attaccheranno fortemente l’una all’altra. Un pezzo di materiale raro viene tagliato in base alle dimensioni della tavola, tenendo conto delle estremità se su di esse non sono presenti chiavi da mortasa. Il pavolok viene immerso nella soluzione adesiva per 1-2 ore in modo da saturarlo uniformemente con la colla, quindi la stessa soluzione di colla calda e forte viene passata sul pannello con un pennello largo, il tessuto viene leggermente strizzato, posto sopra la tavola, afferrandone le estremità, la raddrizziamo, la lisciamo e la mettiamo ad asciugare. . Allo stesso tempo, non bisogna allungare troppo il tessuto, soprattutto nei punti in cui le bucce sono sbucciate, tenendo presente che il tessuto si restringe quando si asciuga e può rimanere indietro, formando dei vuoti sotto.

        Puoi anche applicare pavolok secco sulla tavola incollata, soprattutto se si tratta di una garza sottile. Ma in questo caso, dopo averlo ben stirato, è necessario passare sul tessuto della colla calda più liquida in modo che il materiale sia ben saturo della soluzione. Se la tavola è di grandi dimensioni e, soprattutto se la stanza è fresca, è più conveniente un altro metodo per incollare il pavolok. Il tessuto asciutto deve essere arrotolato su una sorta di asta di legno o di cartone arrotolato. Quindi, utilizzando una scanalatura larga, applica la colla a caldo sulla tavola in sequenza, coprendo una piccola area su tutta la larghezza, da un bordo all’altro; viene immediatamente applicato il tessuto arrotolato sull’asta, parte del quale viene rilasciato all’estremità; il tessuto posto sulla colla viene lisciato a mano. In questo modo la tavola viene incollata in sequenza e allo stesso tempo il feltro viene gradualmente steso e levigato. Una volta completata l’incollatura del pavolok sul lato anteriore, vengono incollate le estremità su cui vengono piegate le estremità del tessuto. E qui il tessuto non deve essere allungato. Successivamente, la colla a caldo (12-10%) viene passata su tutta la tavola, saturando generosamente il tessuto sopra. La tavola viene conservata fino a completa asciugatura. Successivamente, iniziano ad applicare il terreno.

        Il primer (gesso) viene preparato e applicato sul pannello preparato come segue. Il gesso setacciato viene versato in una soluzione di colla con una forza del 10–8% (1 parte di colla in 5 parti di acqua) in una quantità tale che, se ben miscelata, la massa assomiglia a una crema liquida. Si applica sulla tavola con un pennello largo o semplicemente si versa in singole zone, ma in entrambi i casi si strofina saldamente a mano in modo che il gesso riempia bene tutti i buchi del tessuto e non rimanga aria al loro interno. Le tue mani devono essere completamente pulite, poiché una macchia unta formatasi accidentalmente può rovinare l’intero lavoro.

        Questo processo è chiamato imbiancatura dai pittori di icone e può essere ripetuto 2-3 volte: gli strati più sottili vengono applicati ogni volta dopo che lo strato precedente si è completamente asciugato. Senza imbiancatura, gli strati successivi di terreno più spesso si rompono quasi sempre.

        Quindi si aggiunge altro gesso alla calce, in modo che la massa di gesso abbia la consistenza della panna acida liquida, che viene applicata sulla tavola sopra la calce con una spatola e con essa lisciata. Gli strati di terreno devono essere molto sottili, quindi la spatola deve essere premuta saldamente contro la tavola durante il lavoro. Più sottili sono gli strati di gesso, minori saranno le possibilità che il terreno si crepi. Il terreno, applicato in uno spesso strato, si fessura dopo poche ore, poiché la sua umidità, come se steso su uno spesso battiscopa, può evaporare solo da un lato e gli strati superiori del terreno, indurendo rapidamente, si restringono, mentre il quelli inferiori sono ancora allo stato umido, per questo motivo lo strato superiore si fessura e i bordi delle crepe assumono una forma leggermente gonfia e arrotondata.

        Alcuni artigiani, quando applicano fino a 10 o più strati sottili, strofinano l’intero primer con il palmo della mano per evitare crepe. Tuttavia, una spatola, essendo uno strumento solido, livella meglio le irregolarità casuali sulla superficie della tavola, e questo ha il suo vantaggio. La mano, strofinando il gesso, ripete le irregolarità.

        Quando si applica il primer con una spatola, non strofinarlo nello stesso punto, anche solo per livellare lo strato. Questo non solo non uniformerà il risultato, ma potrebbe anche rimuovere gli strati inferiori di ammollo. È sufficiente passare due o tre volte. La livellatura è un processo speciale dopo l’essiccazione del gesso. Utilizzando una spatola, applicare il primer in 3-4 strati. Per garantire una stesura più uniforme degli strati finali, si consiglia dopo due strati di pulire tutta la superficie da trattare (livellare con pomice e acqua). Questo viene fatto come segue: versare l’acqua in un piattino, immergervi per un minuto un pezzo di pomice precedentemente preparato, quindi, estraendolo, lasciare solo una grande goccia d’acqua su di esso e iniziare a pomice il gesso sezione per sezione , livellando eventuali rientranze che si incontrano. Successivamente, gli strati finali risultano più lisci e facili.

        Contemporaneamente all’adescamento del lato anteriore della tavola, le estremità vengono adescate esattamente allo stesso modo, ma solo se non hanno chiavi da mortasa.

        Dovresti provare a preparare la quantità di terreno in modo tale che sia sufficiente per tutti i processi, poiché nel terreno appena preparato la proporzione del contenuto di colla potrebbe cambiare. Se il nuovo gesso risulta essere più debole nella forza della colla rispetto al precedente, questo non sarà un problema, ma se è più forte degli strati inferiori, la sua rottura è inevitabile. Poiché questo lavoro dura diversi giorni, è necessario proteggere il terreno rimanente dall’essiccamento. Per fare questo, ricoprite il vaso di gesso con uno straccio ben imbevuto di acqua e strizzato e ponetelo in un luogo fresco. Non dovresti chiudere il barattolo di terra con coperchi stretti: questo deteriorerà rapidamente il terreno, si delaminerà e si liqueferà.

        Succede che dopo aver terminato il lavoro, compaiono piccole crepe sullo strato superiore del terreno accuratamente preparato. Ciò può accadere per due motivi.

        1. Se lo strato superiore risulta essere più resistente di quelli inferiori. In questo caso, dovresti aggiungere un po’ d’acqua al terreno rimanente (un cucchiaio o qualche goccia, a seconda della quantità di massa rimanente), aggiungere il gesso, cioè indebolire il terreno e coprire tutta la superficie della tavola con farlo altre 2-3 volte.

        2. La comparsa di fessurazioni può essere favorita dai sali contenuti nell’acqua che conferiscono durezza e fragilità al gesso. In considerazione di ciò, si consiglia di utilizzare acqua dolce – bollita o piovana – durante l’ammollo della colla.

        Se inaspettatamente appare una superficie sollevata sul gesso finito, cioè il pavolok inizia a separarsi dalla tavola sotto il gesso, dovresti fare con attenzione un buco in questo punto, versarvi la colla liquida (con una siringa o un pennellino) , stendilo a metà o tre volte con della carta velina piegata e passalo sotto il ferro tiepido per 1–2 ore. Se la carta si attacca, deve essere lavata accuratamente. Un tale ritardo nel pavolok si verifica se la tavola all’inizio era scarsamente incollata, cioè con spazi vuoti o colla fredda. Solo la colla calda e liquida penetra bene nella fibra del legno e la fissa, e solo dopo che si è completamente asciugata si può incollare il pavolok. Altrimenti il ​​sollevamento del gesso e la separazione del pavolok possono avvenire costantemente e in punti diversi, anche durante la lavorazione delle vernici, complicando estremamente la faccenda.

[II.3] Tecnica di pittura delle icone

[II.3.4] Livellamento del terreno

        La tavola finalmente rivestita e ben asciugata deve essere nuovamente pestate come segue: strofinare una piccola area (15 x 15 cm) della superficie primerizzata con un pezzo di pomice, generosamente inumidito con acqua, in cerchio e da un lato all’altro. Quando sotto la pomice è rimasta poca umidità, viene messa da parte e l’area ricoperta di pomice viene levigata con le dita o il palmo della mano leggermente inumiditi con acqua. In questo modo, l’intera tavola viene lavorata insieme alle estremità. Se prendi molta acqua quando livelli con la pomice, il gesso inizierà a erodersi rapidamente e in modo non uniforme; se ne usi troppo poca, la pomice che si asciuga può causare graffi. Se compaiono dei graffi sotto la pomice, è necessario smettere di lavorare e controllare attentamente il lato lavorante della pomice, cercare eventuali ciottoli duri o granelli di scorie esposti, rimuoverli con un coltello e passare nuovamente la pomice sull’area graffiata. Alla fine del lavoro la tavola dovrebbe asciugarsi bene.

        Durante tutto il lavoro la pomice deve essere costantemente lavata in acqua affinché non si intasi di terra; al termine di tutto il lavoro va lavato accuratamente in modo che il terreno indurito presente su di esso non lo renda inadatto al lavoro successivo.

        Il terreno levigato e ben asciutto viene rimosso con carta vetrata.

[II.3] Tecnica di pittura delle icone

[II.3.5] Primer “canvas dtski” (compresse)

        La “tela di tela” II-8 è un pezzo di tela grezza di non più di 28 x 19 cm, preparata su entrambi i lati. La dimensione può essere più piccola, ma non più grande a causa della fragilità di questa base.

II-8 Il concetto di “tavoletta” è apparso all’inizio del XX secolo. Le immagini sui “tavolette” sono scritte su entrambi i lati.

        Il processo di adescamento è il seguente. Si prepara un telaio o un telaio di circa 70 x 80 o 50 x 60 cm, si taglia una tela leggermente più grande, ad esempio una tela laterale, e si tende sul telaio. Successivamente, tutti i processi che si verificano durante l’adescamento della tavola vengono eseguiti nella stessa sequenza sulla tela, solo su entrambi i lati contemporaneamente.

        Per evitare che la tela si attacchi al telaio, viene lavorata solo la parte di essa che si trova all’interno del telaio e per evitare che venga pressata durante l’applicazione del primer, è necessario utilizzare un vetro spesso o un pannello liscio delle dimensioni dell’apertura del telaio. essere posizionato sotto come supporto.

        Dopo aver lavorato un lato, per non disturbare lo strato di primer appena applicato, è consentito appassire leggermente, ma non seccare. Dopo 30-40 minuti la cornice viene capovolta, posizionata sullo stesso supporto e l’altro lato viene gessato. Gli strati dovranno essere sottili e ripetuti dopo che i precedenti si saranno completamente asciugati.

        Quando lo spessore della tela innescata raggiunge i 3-4 mm, viene levigata su una superficie liscia: prima da un lato e dopo 20-30 minuti dall’altro. Mentre la tela spemizzata è ancora umida, viene accuratamente ritagliata dal telaio su vetro e tagliata in singole assi della dimensione richiesta. Tagliare utilizzando un coltello affilato lungo un righello di metallo.

        Le assi tagliate, ancora umide, vengono poste una alla volta tra i bicchieri e lasciate asciugare sotto pressione per diversi giorni. Puoi coprirli ciascuno con carta liscia e pulita. Le tavole completamente essiccate vengono levigate con carta vetrata su entrambi i lati.

        Se non è presente la cornice, la tela può essere preparata fissandola con puntine da disegno su una tavola liscia o compensato. In questo caso è necessario posizionare della carta pulita sotto la tela e, durante l’adescamento, lasciare intatta la tela per 2-3 cm su tutti e quattro i lati, per comodità di girarla. I pulsanti dovrebbero essere posizionati non solo sugli angoli, ma su tutti i lati, a una distanza di 4-5 cm l’uno dall’altro. Devi girare la tela finché non si attacca alla carta. Insieme ad esso si ribaltano o si sostituiscono con un altro e carta, sulla quale passano sia la colla che il gesso attraverso i pori della tela.

        L’inconveniente di questo metodo è che ogni volta è necessario rimuovere e reinstallare i pulsanti. Per il resto, il lavoro procede secondo il metodo sopra descritto.

        Ciò fa sorgere la domanda: dove e quando ha avuto origine questa pratica di priming delle tavole per le icone? È noto che anche 4mila anni prima della nascita di Cristo, gli antichi egizi, con una comprensione unica dell’eternità, cercarono di garantire ai loro morti, prima di tutto, la conservazione del corpo, senza la quale, secondo le loro credenze, l’anima non poteva vivere. Il corpo imbalsamato del defunto fu posto in un sarcofago di legno, ripetendo le forme principali del corpo, fu coperto con un panno, innescato e il volto del defunto fu dipinto sul sarcofago con colori a tempera.


Malato. II-10. Tavola con grana parziale

        La Chiesa cristiana ha adottato questa tecnica collaudata da secoli per l’icona. Anche il profondo rispetto per l’altezza sacra dell’immagine iconografica richiedeva un fondamento affidabile. Sulle icone antiche, l’intero lato anteriore della tavola era incollato e ricoperto di moquette. Nel XVI secolo alcuni artigiani iniziarono a utilizzare la cosiddetta rastremazione parziale: coprivano solo i punti pericolosi più soggetti a fessurazioni con il materiale – alle estremità delle tavole, lungo il nucleo, in corrispondenza delle giunture delle tavole o a i luoghi dei nodi e degli inserti.

        Verso la fine del XVII e XVIII secolo si iniziò a stendere la terra direttamente sul tavolato. La composizione del primer cambiò, poiché la tempera cominciò a essere sostituita dalla pittura ad olio: ad essa si cominciò ad aggiungere olio vegetale o olio essiccante. A volte, eccezionalmente, nel Settecento il gesso veniva preparato utilizzando tuorlo d’uovo con colla e molto burro. Sotto tale terreno, la tavola, ovviamente, veniva incollata o oliata in modo che il legno non assorbisse la colla dal terreno.

        Nel XIX secolo alcuni pittori di icone aggiunsero il bianco al terreno. Gli artisti rurali della pittura di icone degli ultimi tempi hanno semplificato il processo di pittura di icone. Pertanto, tra i loro prodotti ci sono molto spesso tavole su cui sono ricoperti di carta luoghi pericolosi sotto terra o l’intera superficie.

[II.3.6] Figura. Cercare. Originali. Doratura. strato di vernice

[II.3.6.1] Disegno

        Quando la superficie del gesso sarà pronta, iniziate ad applicare il disegno. Dovrebbero essere a portata di mano i seguenti materiali.

        1. Carta da lucido e fogli di carta bianca su cui verrà trasferito il disegno.

        2. Righello utilizzato per tracciare linee rette, rigido, di legno duro. Dal basso è possibile incollare su entrambe le estremità le parti in rilievo di stoffa, in modo che durante l’uso possa essere posizionata direttamente sull’icona senza timore di danneggiare i colori staccati.

        3. Spazzole. Nella pittura di icone vengono utilizzati pennelli di scoiattolo o kolinsky, rotondi, di forma conica, di diverse dimensioni. Il pennello dovrebbe avere un’estremità affilata con uno o due peli. I capelli tagliati o spezzati non sono adatti al lavoro.

        4. Ago. Per preservare il disegno, che viene poi completamente ricoperto di vernice, a volte viene applicata una “graphia”, cioè un sottile graffio lungo il contorno o nei punti in cui si suppone che un colore scuro copra strettamente le linee del disegno . Il conteggio viene effettuato con un grosso ago da cucito, ben affilato e conficcato in un piccolo manico. Preparare questo strumento è facile e accessibile a tutti. Devi trovare un bastoncino un po ‘più spesso di una matita, tagliarlo e tagliarlo, quindi martellare l’ago nell’estremità con l’occhio verso l’interno, lasciando la sua estremità affilata lunga da uno e mezzo a due centimetri all’esterno.

        5. Mosto. Succo d’aglio. Miele. Per rimuovere un disegno da un’icona originale, il pigmento secco di vernice nera o marrone (osso bruciato o terra d’ombra) viene strofinato in una tazzina con mosto, succo d’aglio o miele. Per questo, il mosto, il succo d’aglio e il miele vengono preparati in anticipo.

        Il mosto viene preparato dalla birra nera o leggera come segue: una bottiglia (0,5 litri) di birra viene versata in un boccale di smalto e posta (come la colla) a bagnomaria, dove evapora gradualmente. Dopo alcune ore (5-6), la birra si addensa notevolmente e si ottiene il mosto desiderato, che sotto forma di una massa densa e viscosa viene versato in uno o due vasetti e una volta essiccato si indurisce. Prima del lavoro, il mosto essiccato viene strofinato con un dito imbevuto di acqua, posto su un piattino nella quantità richiesta e da lì, diluendo con acqua se necessario, prelevato con un pennello e vengono dipinti vari dettagli dell’icona per la doratura.

        Allo stesso modo, sciogliendo il mosto quanto basta, macinare su di esso il pigmento di vernice nera o marrone per rimuovere il disegno.

        Il succo d’aglio si prepara come segue: prendi un bulbo d’aglio che è stato conservato durante l’inverno, poiché il succo dell’aglio appena raccolto è troppo liquido e acquoso. Ogni fetta della testa viene sbucciata e grattugiata con una grattugia fine su una garza, piegata a metà e adagiata su un piattino. La garza con il suo contenuto viene spremuta in un barattolo con un ampio foro. Il succo spremuto viene coperto dalla polvere con una garza o un panno e lasciato asciugare. Quindi, se necessario, si dissolve e viene utilizzato, proprio come il mosto.

        Né il mosto né il succo d’aglio devono essere sigillati ermeticamente in bolle. Con tale conservazione, entrambi marciscono rapidamente e si ammuffiscono, ma essiccati in barattoli aperti, sia il mosto che l’aglio non si rovinano per anni. Gli antichi maestri, che conoscevano bene le proprietà dei materiali con cui avevano a che fare, preferivano sempre il mosto al succo d’aglio.

        Quando si traduce un disegno da un’icona, il mosto e l’aglio possono essere sostituiti con successo con il miele, sul quale si può anche strofinare un pigmento colorato. Ma per questo il miele deve essere liquido e non zuccherato.

        6. Uovo per preparare l’emulsione di uova. Le pitture a tempera naturale vengono preparate utilizzando l’emulsione all’uovo e sia le pitture a tempera naturali che quelle artificiali vengono diluite con essa durante il lavoro.

        L’emulsione di uova si prepara come segue: prendi un uovo di gallina fresco e rompilo dall’estremità smussata abbastanza in modo che il tuorlo possa passare intatto nel buco del guscio. L’albume viene versato e il tuorlo viene accuratamente liberato dalla pellicola e posto, ad esempio, in un bicchiere. Il guscio vuoto viene ripulito dai residui proteici e, come misura di diluente, viene riempito per due terzi con il normale kvas II-9 di pane acido , che viene versato in un bicchiere con il tuorlo. Il contenuto va mescolato lentamente con un pennello, senza fare schiuma, fino al completo scioglimento del tuorlo. In assenza di kvas, il tuorlo può essere diluito per metà con aceto da tavola e per metà con acqua o semplicemente con acqua fredda nella stessa misura.

        7. Colori (“vaps” o “palline” II-10 ) utilizzati nella pittura di icone. Possono essere secchi (in polvere) o artificiali, già pronti.

II-9 Il kvas appositamente zuccherato non è adatto.

II-10 Antico nome delle vernici.

        Tempera naturale. I pigmenti secchi vengono macinati o, come si dice, “creati” in cucchiai di legno, dai quali vengono pretagliati i ritagli. Diverse tazze di plastica o porcellana non sono adatte a questo scopo: le loro pareti troppo lisce non consentono di macinare bene la polvere di vernice, mentre la superficie ruvida di un cucchiaio di legno aiuta a macinare la polvere. Allo stesso tempo, ogni vernice dovrebbe avere il proprio cucchiaio. Le vernici vengono create nel modo seguente. Il pigmento secco in una quantità non superiore a mezzo cucchiaino viene versato in un cucchiaio, diluito con emulsione di tuorlo (circa 0,5 cucchiaino) e strofinato con il dito. Non dovresti strofinare in modo da mescolare la vernice solo con la punta del dito sul fondo del cucchiaio; dovresti strofinare attentamente la polvere contro le pareti del cucchiaio con le due nocche dell’indice. La vernice si stende meglio se si aggiunge l’emulsione di uova un po’ alla volta. Nella vernice preparata non deve essere palpabile il più piccolo granello di pigmento, non deve separarsi in emulsione e polvere, ma piuttosto rappresentare una sostanza nuova e indivisibile, motivo per cui a questo processo da allora viene assegnato il termine “creazione” di vernici. tempi antichi. La consistenza della vernice finita è simile alla panna acida sottile. Ma non tutte le vernici possono essere preparate bene nel modo descritto. Se l’ocra, a causa della morbidezza di questo pigmento, può essere strofinata con un dito, la maggior parte delle altre vernici deve essere strofinata sulle piastrelle con un carillon. Questi includono bianco, terra di Siena, terra d’ombra, cobalto, cadmio. Per realizzare queste vernici si utilizzano piastrelle (preferibilmente con superficie opaca) e tappi di vetro cosiddetti “smerigliati”, rotondi e con la superficie piana (preferibilmente opaca) della testa. La polvere viene versata sulla piastrella, diluita con qualche goccia di tuorlo e macinata. Il tappo deve essere spostato in senso circolare, sollevando leggermente il bordo situato all’altezza del pollice in modo che non risucchi. Se necessario aggiungere poco a poco l’emulsione. Meno polvere c’è sulla piastrella, più facile e veloce sarà preparare la vernice. La vernice finita viene raccolta dalle piastrelle con una lama o una spatola e posizionata sul fondo dei cucchiai. Per macinare la vernice bianca, è necessario disporre di una piastrella e di un sughero speciali in modo che il suo candore non sia contaminato da altre vernici; Tutte le altre pitture possono essere preparate su una piastrella e su un sughero, solo dopo averle ben lavate prima di realizzare la pittura successiva.

        È meglio usare le vernici il giorno successivo. Nel corso della giornata diventano più forti, in essi avviene una sorta di fermentazione, la loro forza astringente, la capacità di aderire al terreno e la forza aumentano. Se è possibile conservare la vernice fino al giorno successivo, versatela in un cucchiaio con acqua fredda in modo da coprire solo la superficie della vernice ed evitare così che si secchi. La vernice ben preparata di spessore sufficiente non si mescola con l’acqua. Il giorno dopo, prima del lavoro, scolare l’acqua, aggiungere 3-4 gocce di tuorlo, strofinare leggermente con il dito e scrivere, lo spessore della vernice deve essere tale da poter essere facilmente prelevato con un pennello.

        La tempera naturale all’uovo è adatta per l’uso per 3-4 giorni, dopodiché inizia a decomporsi rapidamente, perde la sua forza cromatica e non aderisce al terreno. Naturalmente, le vernici devono essere conservate in un luogo fresco, ma non lasciate congelare. Le vernici congelate, come un uovo congelato, non sono adatte al lavoro.

        È meglio limitare il numero di colori allo stretto necessario:

  1. Imbiancato.
  2. Ocra: chiaro e rosso (per mancanza di disponibilità, sostituito da terra di Siena bruciata).
  3. Terra di Siena: naturale e bruciata.
  4. Terra d’ombra bruciata.
  5. Blu cobalto.
  6. Verde smeraldo.
  7. Cadmio: giallo chiaro, arancione, rosso chiaro, rosso scuro, viola.
  8. Nero. Osso o avorio bruciato.

        Il multicolore nelle icone russe, soprattutto durante il periodo di massima fioritura della pittura di icone nel XV secolo, era il risultato di una miscela di colori primari, e quindi di grande abilità, sentimento sottile e comprensione di essi. Vernici russe di origine locale, ocre minerali, terre d’ombra e altre venivano preparate dagli stessi maestri. Anche le vernici artificiali sono state realizzate secondo le ricette di originali intelligenti:

  • vernici minerali – bianche;
  • verdura biologica – zafferano, olivello spinoso;
  • animali biologici – bile di luccio.

        I migliori colori furono portati dall’Europa: veneziano – cormorano (lampone), involtino di cavolo, fiele, vermiglio e cinabro; Tedesco: calce, vohra, verde, scarlatto e altri; Blu di Prussia, zhizhil, gaff.

        La Russia conosce le seguenti vernici: vohra, melma, Kaluga vohra, greca vohra, scarlatto di Pskov, calce di Mosca e Kashin, cormorano di Rzhev.

        Oltre ai colori primari, l’iconografia memorizza tradizionalmente quattro nomi di toni misti.

        Sankir è un tono utilizzato per i volti e il corpo in generale come tono principale. È composto da ocra chiara, ocra rossa (o terra di Siena bruciata) e verde smeraldo. Sankir dovrebbe essere miscelato in modo tale che nella sua forma finita sia una vernice indipendente, in cui i singoli colori non dovrebbero essere visibili. È reso “rosso” o “verde”. Se il tono generale dell’icona è freddo, il sankir viene preparato “in rosso” e viceversa.

        Revt è composto da nero, ocra e bianco: un tono grigio di varia leggerezza.

        Gioco – rosso cadmio, terra di Siena bruciata, blu cobalto, ocra e bianco – tono lilla di varie sfumature.

        Gancio : rosso cadmio, terra di Siena bruciata, bianco – tono rosso di varie tonalità.

        La tempera naturale al tuorlo è la vernice più affidabile in termini di durabilità. Le vernici preparate con l’emulsione di tuorlo, in particolare le vernici alla terra (naturali), non sbiadiscono nel corso degli anni e dei secoli, ma diventano solo più forti.

        Oltre alle tempere naturali, esistono attualmente le tempere artificiali, preparate dalle fabbriche su basi sintetiche.

        Tempera in acetato di polivinile. La tempera pastosa e altamente dispersa di acetato di polivinile ha una sostanza pigmentata legante costituita da un’emulsione idrosolubile di resina sintetica di acetato di polivinile.

        Questi colori sono utilizzati nella pittura da cavalletto e monumentale, in opere di natura progettuale, nonché nella pittura di icone utilizzando l’emulsione di uova come diluente. I vantaggi di queste vernici rispetto alla tempera alla caseina sono che la pellicola di tali vernici è più elastica, molto più resistente e non tende ad ingiallire. Il bianco di queste vernici non scompare sotto uno strato di olio essiccante. La resistenza alla luce è generalmente elevata.

        La tempera all’acetato di polivinile è completamente incompatibile con la tempera all’olio di caseina, poiché la seconda ha una reazione alcalina e la prima è acida, e se entrambe vengono mescolate si verificherà la cagliatura. Le vernici basate su questa base si asciugano più velocemente della tempera all’olio di caseina e formano rapidamente pellicole che non possono essere lavate via dall’acqua. In considerazione di ciò, non si dovrebbe spremere una quantità eccessiva di vernice sulla tavolozza e durante il lavoro è consigliabile mantenerne l’umidità bagnandola leggermente con acqua.

        Durante il lavoro, i pennelli vanno tenuti in acqua su un piattino piatto, e alla fine del lavoro vanno lavati accuratamente con sapone (la vernice essiccata può essere rimossa sia con alcool che con acqua calda, che ammorbidisce e scioglie queste vernici). Anche i colori possono essere facilmente lavati via dalla tavolozza con acqua calda. Alcuni colori di questa tempera, una volta asciutti, cambiano leggermente di tonalità: l’osso bruciato diventa leggermente più chiaro; il blu cobalto e l’ocra rossa diventano notevolmente più chiari; Il giallo cadmio e il rosso, l’ocra chiaro e la terra di Siena bruciata si scuriscono leggermente. Gli ultimi due, posti su carta (cartone), diventano molto scuri, e quindi il loro grado di oscuramento diminuisce. Kaput-mortuum, terra d’ombra bruciata e kraplak rosso si scuriscono notevolmente; la terra di Siena naturale, il verde smeraldo e l’oltremare si scuriscono notevolmente.

        Quando tutto il necessario è pronto, inizia ad applicare il disegno.

        Ma, prima di stabilire i metodi per disegnare un’immagine alla lavagna, è necessario accettare e ricordare diverse disposizioni.

        1. Un principiante nella pittura di icone deve, prima di tutto, essere intriso di rispetto per quest’opera e riconoscerla come sacra.

        2. È necessario avere rispetto per le persone che, nel corso dei secoli passati, hanno saputo elaborare il linguaggio dell’icona e crearne lo stile alto, autenticamente ecclesiastico. Tra loro c’erano molti uomini santi.

        3. Un’icona è una preghiera espressa graficamente ed è destinata alla preghiera. Pertanto, chi ci lavora non deve dimenticare la preghiera mentre lavora. Spiegherà molto nell’icona senza parole, lo renderà comprensibile, vicino e mostrerà ciò che è spiritualmente vero.

        Queste sono disposizioni generali. Per quanto riguarda il disegno, va notato che è un momento molto cruciale del lavoro. Negli antichi laboratori di pittura di icone, l’applicazione del disegno sulla tavola era affidata ai maestri più esperti, i “stendonisti”, che “firmavano” il disegno, cioè lo applicavano sul gesso.

        Al disegno possono essere imposti i seguenti requisiti: deve essere graficamente chiaro, richiede una linea sicura e solida che delinea facilmente i dettagli dell’icona – architettura, paesaggio – caratteristiche dei volti, ciocche di capelli, disegnando con competenza le pieghe del abiti, che, a loro volta, devono delineare laconicamente la struttura delle figure. Una linea secca, monotona, ovunque sottile come un filo, non è una conquista; dovrebbe fluire liberamente, rigogliosamente, pittorescamente, ma non dovrebbe esserci disordine o negligenza in esso, ognuno dovrebbe essere giustificato da una necessità rigorosa e premurosa. Dal punto di vista compositivo, il disegno deve essere correttamente posizionato sul piano, senza distorsioni o spostamenti. Eccellenti esempi di tutti questi vantaggi del design sono forniti dalle antiche icone dei migliori maestri. Un buon disegno non si dà subito, si ottiene gradualmente, impercettibilmente, in proporzione alla diligenza, alla pazienza e alla perseveranza di una persona. È necessario sviluppare una mano ferma e un occhio acuto attraverso la pratica costante. Porta a termine il compito che ti sei prefissato, sia il più semplice o il più difficile, con tutta la diligenza e l’abilità che possiedi oggi, poi domani farai meglio.

        I metodi per applicare un disegno al gesso sono vari. In precedenza, il maestro era “famoso” per il disegno, prima realizzando uno schizzo leggero a carboncino, e poi disegnandolo in dettaglio sulla lavagna con un pennello di vernice nera. I pittori di icone di talento hanno immediatamente applicato il disegno con un pennello sulla tavola, tanta era la loro conoscenza del loro mestiere ed esperienza. Avendo l’originale davanti a sé e conservandolo con riverenza nelle sue caratteristiche principali, e possedendo anche una comprensione ecclesiastica delle cose, il pittore di icone ha elaborato il disegno liberamente nei dettagli, seguendo con sensibilità la propria dispensazione di preghiera. A volte ricreava in modo creativo il disegno. A questo proposito gli studenti hanno utilizzato le cosiddette “traduzioni” o “disegni”.

        Coloro che iniziano a dedicarsi alla pittura di icone nelle condizioni moderne, anche coloro che sono abili nel disegno, non dovrebbero fare affidamento con sicurezza sulle proprie forze e conoscenze, poiché il design di un’icona è davvero unico. È necessario, almeno per la prima volta, utilizzare le “traduzioni”, cioè tecniche ampiamente utilizzate nei precedenti laboratori di pittura di icone, basate su secoli di esperienza e che hanno dato risultati positivi. E successivamente, quando qualcuno procede a rimuovere il disegno a occhio, è necessario che tale disegno venga controllato da un pittore di icone più esperto.

[II.3.6] Figura. Cercare. Originali. Doratura. strato di vernice

[II.3.6.2] Traccia

        La rimozione del disegno, o traduzione, è la seguente. Devi scegliere una semplice icona vecchia di piccole dimensioni, abbastanza chiara, facile da leggere sia nel disegno che nella pittura. Il tabellone preparato dovrebbe essere di dimensioni adeguate, quindi è più consigliabile selezionare prima un’icona e poi preparare il tabellone. Quindi strofinare bene il pigmento secco della vernice nera (ossa bruciate, fuliggine) con il dito sul succo d’aglio o sul miele in un cucchiaio di legno. Successivamente, il tuorlo preparato con kvas viene strofinato su tutta la superficie della vecchia icona. Quando il tuorlo si asciuga, usa la vernice preparata per dipingere tutti i contorni e le linee dell’icona (la vernice non aderirà se l’icona non viene strofinata con il tuorlo). Il pennello deve essere di dimensioni medie o piccole e, quando lo si lavora, è necessario rispettare lo spessore delle linee dell’originale. Quando il disegno si asciuga, prendi un foglio di carta bianca pulito; “soffiano” sull’icona – la scaldano con il respiro, il che fa aderire il disegno applicato, lo coprono con la carta, ne soffiano ancora un po’ sotto la carta e lo premono sull’icona, strofinandolo sopra con il palmo della mano la loro mano. Il contorno scritto viene stampato sul foglio nella direzione opposta. Questa sarà “traduzione” (dalla parola tradurre) o “disegnare” (dalla parola disegnare). La traduzione funziona meglio se si prende un po’ più di legante (miele, aglio, mosto) rispetto alla vernice, cioè se la vernice viene resa più sottile e macinata senza la minima grana.


Malato. II-11. Signore Onnipotente. Il trasferimento del disegno dall’icona è stato effettuato utilizzando il metodo “touch-to-touch”.

        Dopo aver rimosso le tracce, l’icona del campione deve essere pulita due o tre volte con un batuffolo di cotone inumidito o una spugna per rimuovere il tuorlo e il contorno colorato. Avendo la linea disegnata tra le mani, devi trasferirla su carta da lucido, scrivendola di nuovo con la stessa vernice. Il tracciato su carta da lucido, pronto per la traduzione, viene posizionato con cura sulla tavola, soffiato sotto la carta da lucido e pressato con cura, assicurandosi che non vi siano distorsioni. Quando il disegno viene impresso sul gesso, la trama viene rimossa. Questo metodo di traduzione è chiamato traduzione “touch-to-touch”.


Malato. II-12. Ingresso del Signore in Gerusalemme. La traduzione del disegno dall’icona è stata effettuata utilizzando il metodo “al volo”.

        Un altro metodo era molto comune nei laboratori di pittura di icone. Consiste in quanto segue: la carta da lucido a matita, rimossa dal disegno, viene posizionata su due o tre fogli di carta bianca, sotto i quali è posto un piano morbido e uniforme. Vengono praticate piccole forature frequenti lungo il contorno del disegno, quindi la carta da lucido viene fissata sulla tavola finita e l’intera superficie viene picchiettata con un tampone di garza doppiamente piegato con polvere di vernice nera. La polvere filtra attraverso i fori, lasciando una traccia tratteggiata del disegno sul gesso. Successivamente, con inchiostro o vernice nera utilizzando un pennello, disegna tutte le linee delineate dai punti di polvere. Questo metodo è chiamato trasferimento “al volo”.

        Puoi rimuovere il disegno dall’icona direttamente utilizzando la carta da lucido (contro la luce). La trasparenza della carta da lucido può essere prima aumentata ungendola su entrambi i lati con olio essiccante o vegetale e asciugandola bene, ma con questo metodo i singoli punti rimarranno poco chiari. Sulla carta da lucido oliata, la matita giace liberamente, ma affinché la vernice si appoggi su tale carta da lucido, deve essere strofinata con uno spicchio d’aglio tagliato o leggermente con un elastico. È possibile trasferire un disegno da tale carta da lucido senza contatto, scrivendolo sul retro, oppure tramite carta carbone con una matita dura, avendo precedentemente fissato la carta da lucido applicata correttamente con pulsanti lungo i bordi longitudinali della tavola per evitare distorsioni .

        Puoi realizzare tu stesso la carta da copia inchiostrando uniformemente un foglio di carta da lucido con una matita morbida o carboncino. È possibile utilizzare carta da copia nera prodotta in fabbrica, ma in nessun caso utilizzare carta viola o blu (a causa della capacità della vernice chimica di sfumare a contatto con l’acqua). Il disegno tradotto in copia carbone deve essere confrontato con l’originale, prima raddrizzato con una matita, rimuovere l’oscurità in eccesso e le linee errate e scrivere con inchiostro. Errori e macchie non si tolgono dal gesso con la gomma: sporcherebbe la matita; di solito entrambi vengono rimossi con polvere di pomice secca macinata usando un dito (a volte è possibile farlo con una gomma per inchiostro). Dovrebbero essere conservate copie di tracciamento delle icone tradotte, come venivano conservate nei tempi antichi, da cui verrà successivamente compilata una raccolta di traduzioni: materiale molto prezioso e necessario per il lavoro.

        È più vantaggioso scrivere un disegno sulla lavagna non con la vernice, ma con l’inchiostro, nel senso che se nella fase successiva del lavoro devi pulire lo strato di vernice erroneamente prelevato, allora il disegno realizzato con l’inchiostro sopravviverà, ma quello fatto con la vernice verrà ripulito.

        Con tutti i metodi di trasferimento descritti, in quei luoghi in cui dovrebbero trovarsi i toni scuri, per preservare la linea, puoi disegnare un graffito, cioè creare una fessura con un ago. Il conteggio non deve essere inciso in profondità nel gesso (questo indica l’inesperienza del maestro), ma se capita che l’ago venga inserito troppo in profondità, il graffio deve essere riempito con tuorlo e vernice.

        Nelle icone antiche il conteggio è spesso assente o si osserva solo negli aloni e nelle linee che delimitano il fondo dorato, poiché il contorno colorato si perde sotto un denso strato d’oro. A volte venivano rappresentati graficamente i contorni di grandi aerei colorati. Dalla fine del XV secolo la conta viene ritrovata più spesso, talvolta come disegno dell’immagine intera. Nel XVI secolo, e ancor più spesso nel XVII, la contessa era presente un po’ ovunque in forma molto sviluppata. Nelle antiche icone bizantine la conta è completamente assente. Sulle icone italiane e italocritane la conta è quasi sempre evidente.

[II.3.6] Figura. Cercare. Originali. Doratura. strato di vernice

[II.3.6.3] Script

        Per ogni pittore di icone, la questione su come dipingere l’immagine di questo o quel santo è importante. Questa domanda viene risolta dal cosiddetto Facial Script. Originale, Campione, Personale: i nomi del libro delle regole per raffigurare i santi per il pittore di icone. Il libro contiene disegni con i tratti caratteristici e l’aspetto di ciascun santo, e descrive anche brevemente i colori degli abiti. Ci sono l’originale Stroganovsky, Bolshakovsky, Siysky, Guryanovsky e altri. Ma non tutte le immagini negli Originali possono essere ripetute letteralmente; alcune forniscono solo un diagramma che richiede uno studio attento. Questi includono, ad esempio, gli originali di Stroganov e Bolshakovsky. Stroganovsky risale alla fine del XVI – inizio XVII secolo. L’originale dell’edizione di Bolshakov è un elenco successivo di Stroganovsky e fornisce immagini ancora più schematiche dell’originale, ma ha qualche vantaggio rispetto a Stroganovsky, vale a dire: nella prima metà di questo libro ci sono le descrizioni di ciascun santo, mentre in Stroganovsky ci sono indicazioni solo in alto sopra le facce e in tale abbreviazione che molti termini ormai caduti in disuso risultano quasi illeggibili. Entrambi gli originali collocano principalmente le singole immagini dei santi in ordine di calendario. Siysky; e gli originali Guryanovsky forniscono traduzioni diverse e accurate di icone di tempi diversi, a volte anche ripetendo le lacune e il taglio dei vestiti in oro, caratteristici della fine del XVII secolo.

        Ma quando si ricorre per informazione agli Originali, bisogna tener conto che alcune immagini sono poste in negativo, altre invece in positivo, cioè alcune direttamente, altre al rovescio (i santi, ad esempio, benedire con la mano sinistra, ecc.), che richiede attenzione anche durante il lavoro.

        Un esempio può anche servire i santi facciali, alcuni dei quali hanno anche descrizioni di santi all’inizio del libro (Guryanovsky Facial Saints del monastero di Edinoverie).

        Gli originali godono di autorità e non ci sono dubbi sull’esatta somiglianza delle immagini dei santi. Si basano sui dati della Sacra Scrittura e della Tradizione. Alcuni volti furono dipinti durante la vita dei santi, lentamente, “buttati via”, inosservati dal santo, poiché gli asceti severi e le persone pie dei vecchi tempi, nella loro umiltà, consideravano tutt’altro che pii dipingere ritratti di se stessi. L’immagine del Venerabile Eufrosino di Pskov, ad esempio, “prima che la sua vita fosse scritta nel monastero del santo da un certo Ignazio”, alcune furono scritte a memoria, dopo la morte del santo. A volte i volti erano dipinti di santi apparsi in visione per questo scopo. È così che sono state scritte, ad esempio, le icone di San Mitrofano di Voronezh (Asceti della pietà dei secoli XVII-XIX. 20 dicembre. Vita del vescovo Antonio di Voronezh. P. 509), San Pacomio di Nerekhta (Cheti -Menaion di San Demetrio di Rostov. T. 2, supplementare. P. 470 ) ecc. A volte, quando riproducevano l’immagine di un santo, si rivolgevano per istruzioni a persone che conoscevano il santo durante la sua vita. Pertanto, l’immagine di Sant’Alessandro Oshevensky è stata dipinta secondo i segni indicati da Nikifor Filippov di Onega (Pokrovsky N.V. Schizzi di monumenti… San Pietroburgo, 1870. P. 305–306).

        La scarsità di informazioni è stata integrata da dati generali scoperti dai pittori di icone in idonei campioni antichi.

        Non si è mai inteso fare ritratti; è stata data solo una “somiglianza” dell’aspetto del santo in termini generali e concisi, indicando quale particolare santo è raffigurato sull’icona. Tale vera “somiglianza” esiste sempre nelle immagini iconografiche ed è più importante di qualsiasi naturalismo e somiglianza ritrattistica. E il pittore di icone è giustamente chiamato isografo dalle parole greche ισο – simile e  γραφω – scrivo. Pertanto, il maestro moderno deve attenersi alle istruzioni e alle caratteristiche schematiche fornite nell’originale, senza distorcerle a modo suo. Non sono stati concepiti e registrati arbitrariamente dagli autori. Lo scopo dell’originale è che il pittore di icone, aderendo ai modelli originali, eviti, in primo luogo, l’arbitrarietà e, in secondo luogo, le influenze non ortodosse e gli influssi dello spirito del tempo.

        È utile anche conoscere l’origine dell’originale iconografico. In Russia, la storia dell’Originale è indissolubilmente legata alla storia delle chiese ortodosse, così come le chiese lo sono con l’accettazione della fede cristiana. L’inizio di questo libro risale a Bisanzio, da dove gli artisti vennero per dipingere la chiesa Pechersk di Kiev nell’XI secolo. Hanno introdotto nel nostro uso il libro The Original, che cambiava di volta in volta a causa dell’aggiunta di nuovi santi della Chiesa russa.

        La scrittura facciale bizantina è conosciuta fin dal X secolo. È stato distribuito per ordine dell’imperatore Vasily l’uccisore bulgaro. Il suo autore, vissuto intorno al 980, rimane sconosciuto.

        Recentemente, nella Biblioteca dell’Athos sono state scoperte copie greche dell’originale. Alcuni di essi furono pubblicati in francese, tutti furono compilati non prima del XV secolo.

        L’originale russo non appartiene all’edizione Athos; il testo è riportato in traduzione, mentre le immagini sono in copie successive. Lo sviluppo dell’Originale procedette sotto la supervisione delle autorità spirituali che proteggevano le tradizioni ecclesiastiche. Il pittore di icone russo studiò con un maestro greco e trasmise la sua conoscenza in forma scritta e disegnata ai suoi più stretti assistenti e successori, che trasmisero la loro conoscenza ai loro studenti, ecc.

        All’inizio, l’originale della pittura di icone russa aveva un volume abbastanza ampio e rispondeva a tutte le domande sul suo scopo. Consisteva in tre libri. 1. Scrittura frontale: immagini di santi. 2. Regole della pittura di icone. 3. Per i murali valgono le stesse regole.

        Con l’introduzione dei nomi dei nuovi santi russi nel Libro mensile, anche il contenuto dell’originale è cresciuto. Divenne più completo sotto il metropolita Macario di Mosca (arcivescovo di Novgorod nel 1526–1542 e metropolita di Mosca nel 1542–1563). Lo stesso metropolita Macario era un pittore di icone: “era abituato alla pittura di icone” (Nikon Chronicle, p. 254).

        Nel 1547 e nel 1549 furono convocati i Concili, nei quali furono canonizzati i santi russi che lavorarono fino alla metà del XVI secolo. Pertanto gli elenchi degli originali delle pitture di icone russe differiscono leggermente l’uno dall’altro nel numero dei nomi dei santi. Il Concilio di Stoglavy del 1551 non menziona l’originale, ma si riferisce alle opere del Rev. Andrei Rublev, poiché gli originali a quel tempo erano di proprietà di una cerchia molto ristretta di pittori di icone ed esperti. Nella risoluzione del Concilio si legge: “Il pittore dovrebbe dipingere icone secondo modelli antichi, come dipingevano i pittori greci e come scrivevano Andrei Rublev e altri famosi pittori”.

        Nella maggior parte dei casi, i maestri erano guidati da elenchi scritti a mano e calendari di icone. Gli elenchi scritti a mano venivano copiati con inchiostro o pittura, con il testo dell’edizione più breve scritto in alto. I calendari delle icone non avevano testo.

        Nel XVII secolo, secondo un documento dell’epoca, a Mosca e in altre città, “molti pittori di icone (inesperti) apparvero negli insediamenti e nei villaggi, e per mancanza di abilità dipingevano l’immaginazione delle icone sacre, non contro traduzioni antiche, e così molti seguiranno gli scritti inesperti e impareranno da essi, senza discutere l’immaginazione delle icone sacre”. Tra gli antichi artisti, che erano esperti e avevano traduzioni, “non accettano insegnamenti e camminano secondo la propria volontà, come l’abitudine dei pazzi e inesperti di ragione”. Si dice inoltre che gli abitanti di un certo villaggio di Kholui, non comprendendo la Divina Scrittura, “osano e dipingono icone sacre senza alcuna considerazione o paura, e il loro onore delle sante icone, secondo la Divina Scrittura, ascende al prototipo . E quegli abitanti del villaggio, per la loro stupidità, dipingono le loro immaginazioni di icone sacre con noncuranza”. Successivamente è stato redatto un decreto a nome del Grande Sovrano e di Sua Santità il Patriarca: “A Mosca e nelle città, l’immaginazione delle icone sacre dovrebbe essere dipinta dai pittori di icone più abili, che hanno traduzioni antiche, e poi con il testimonianza di pittori di icone eletti, in modo che nessuno non esperto nell’immaginazione di icone dipinga, ma per amore di testimonianza a Mosca e nelle città, scegliete pittori di icone esperti, per i quali è molto più consueto e hanno traduzioni antiche… e quelli coloro che non sono esperti nell’arte delle icone, non dovrebbero dipingere le icone sacre con la loro immaginazione. Anche a Mosca e nelle città vige un ordine forte che persone di tutti i ranghi siedano nei negozi, e quelli dei pittori di icone accettano le icone sacre di buon artigianato con un certificato, e senza certificato non le accettano affatto,” mentre gli abitanti del villaggio di Kholuy “immagino che d’ora in poi le icone sacre non scrivano”.

        Questo documento suggerisce che l’attrazione per il realismo iniziata nel XVI secolo stava maturando e gli animi della società russa erano divisi in due correnti. L’antica tradizione russa si scontrò con una forte corrente mentale che penetrò in Russia dall’Occidente, attraverso l’Ucraina, la Polonia e la Lituania. Ciò è stato supportato dalla comparsa dalle tipografie delle tipografie della Russia sudoccidentale di varie icone e opuscoli contenenti concetti latini e protestanti. Nella società sorsero controversie sul pane azzimo, sul tempo della transustanziazione dei Santi Doni e molto altro ancora, e queste tendenze influenzarono anche il campo della pittura sacra, che cominciò gradualmente ad adottare lo stile dei pittori occidentali con il loro realismo, per non parlare i soggetti che precedentemente erano stati trascurati e rifiutati. E se la Chiesa in una certa misura ha sopportato le tendenze realistiche dei principali maestri, ha intrapreso una lotta ostinata con aspirazioni simili di pittori-artigiani di icone che hanno distribuito campioni inetti. “Comandiamo a un artista esperto e a un brav’uomo del rango spirituale degli anziani di essere sopra i pittori di icone, cioè un capo e un guardiano, in modo che gli ignoranti non deridano (non ridano) delle icone di Cristo e la Madre di Dio e i suoi santi, scrivendo con una scrittura cattiva e assurda, e cessi ogni sapienza ingiusta “Chi ha l’abitudine di scrivere a se stesso senza testimonianza” (Atti del Concilio del 1667).

        A quel tempo era apparsa carta abbastanza economica, che contribuì alla diffusione di schizzi e originali, ai quali la Chiesa raccomandava di attenersi.

[II.3.6] Figura. Cercare. Originali. Doratura. strato di vernice

[II.3.6.4] Doratura

        Se si suppone che alcune parti dell’icona: sfondo, aloni, mantelli, corrimano e altri dettagli siano dorati, ciò deve essere fatto prima di applicare lo strato di vernice. In ordine di lavoro, verrà prima discusso il metodo di doratura. La placcatura in oro richiede materiali speciali.

        1. Vernici.

        Vernice ad olio PF-283 (precedentemente 4C).

        La vernice per museruola ad olio può essere prodotta in fabbrica o prodotta dagli stessi specialisti: i doratori. Presenta alcuni vantaggi rispetto alla vernice ad olio 4C: mantiene la capacità di assorbire l’oro per 12 ore e dona una superficie dorata più lucida.

        Vernice gommalacca. Poiché il terreno della tavola finita, per la sua porosità, è in grado di assorbire fortemente la vernice ad olio, senza lasciare la necessaria pellicola adesiva sulla superficie del gesso, la superficie del gesso viene prefissata nei punti da dorare con gommalacca Vernice (alcool) ad asciugatura rapida. Deve essere agitato prima dell’uso, poiché le particelle di gommalacca si depositano sul fondo.

        2. Per la doratura degli sfondi, delle aureole e di altri dettagli dell’icona è necessaria la cosiddetta “foglia d’oro” – “gialla” o “rossa”. C’è anche l’oro “verde” con una tinta fredda. In questo caso non è adatto. L’oro verde iniziò ad essere utilizzato quando entrò in uso il cosiddetto “oro creato” (nel XVII secolo), con esso dipinsero tendaggi multicolori, stendendo l’oro verde in colori freddi e il giallo in colori caldi.

        3. Sui grandi dettagli delle icone, ad esempio sullo sfondo, vengono applicati fogli d’oro direttamente dal libro. Per dorare piccole parti, una lamina d’oro viene prima stesa su uno speciale cuscino di pelle scamosciata, sul quale viene tagliata con un coltello affilato in pezzi della dimensione richiesta, e da qui ogni pezzo viene trasferito con l’aiuto di una zampa nel punto desiderato. Realizzare un cuscino non è difficile. Prendi un pezzo di compensato o una tavola rettangolare sottile e piatta – 15 x 20 cm (può essere leggermente più piccola o più grande). In base alle dimensioni della tavola viene selezionato un pezzo di pelliccia, preferibilmente pelle scamosciata, che viene inchiodato con piccoli chiodini su tre lati ai bordi della tavola con il lato carne rivolto verso l’alto. Uno dei lati più grandi è lasciato aperto. Usando un coltello, nel modo più uniforme possibile, si inserisce il cotone idrofilo fino in fondo, dopodiché anche questo lato viene martellato con i chiodi.

        4. Per il taglio dell’oro esistono coltelli speciali con una lunga parte tagliente affilata su entrambi i lati. In assenza di un tale coltello, puoi usare un bisturi. Quando si taglia l’oro, il coltello non deve essere tenuto perpendicolare alla superficie del cuscino, ma obliquamente, in diagonale, per proteggere la pelle scamosciata del cuscino dal taglio.

        5. I pezzi d’oro tagliato vengono prelevati dal cuscino con una zampa. Per realizzare una zampa del genere utilizzano una pelliccia il cui pelo è più o meno elastico e lungo (4-5 cm). Di solito viene utilizzata la punta della coda di uno scoiattolo. I peli della pelliccia sono aperti a ventaglio e al centro è incollato un pezzo di cartone. A volte, per comodità, una maniglia è attaccata al piede.

        6. Per la doratura hai bisogno di burro o burro chiarificato. I peli asciutti delle zampe non prendono l’oro e si attaccano alle superfici oleose. Prima di lavorare con la zampa, ungere leggermente la parte superiore della mano sinistra con burro e, tenendo la zampa con la mano destra, di tanto in tanto spostarla facilmente lungo la mano unta della mano sinistra, dando a questi peli della zampa la capacità di afferrare oro e trasferirlo nel luogo desiderato. Le mani devono essere completamente pulite durante questo lavoro. In mancanza del piede, alcuni consigliano di utilizzare allo stesso modo un pezzo di carta elastica, strofinato con paraffina.

        Se l’oro viene applicato su una vernice ad olio (PF-283), non deve essere levigato con un batuffolo di cotone, poiché la vernice penetra attraverso i pori più piccoli dell’oro e può catturare le fibre del batuffolo di cotone. In questo caso l’oro deve essere premuto solo con le dita pulite. Se la doratura si estende lungo il viso, l’oro può essere lisciato con un batuffolo di cotone.

        7. L’oro creato applicato al dipinto sopra le vernici deve essere lucidato. Senza questo non ha la lucentezza caratteristica dell’oro. Per la macinazione vengono utilizzati i cosiddetti “denti” di varie forme, che sono pezzi di agata levigati e levigati attaccati ai manici. Quando si macina l’oro con un dente, è necessario evitare il più possibile di toccare lo strato di vernice per non danneggiarlo. In assenza di un tale dente, usano il dente (zanna) di qualche animale (un dente di lupo è migliore di altri).

        Tutte le zone dell’icona da dorare possono essere prima ricoperte con albume d’uovo sbattuto per consolidare il terreno. La proteina viene applicata con un pennello morbido e asciugata bene. Quindi tutte queste aree sono leggermente rivestite con vernice gommalacca. Se la vernice viene versata in modo denso, si diffonde e, indurendosi rapidamente, forma rilievi indesiderati lungo i suoi confini. La vernice ad asciugatura rapida non può sempre essere posata senza intoppi. Pertanto, dopo che la vernice si è completamente asciugata, la superficie da trattare deve essere levigata, ovvero le irregolarità casuali devono essere pulite con un bisturi. Quindi, utilizzando un pennello elastico (preferibilmente una spatola), applicare un sottile strato di vernice a olio sulle zone preparate di gesso. Per uniformità, ove possibile, può essere levigato con il dito. Al termine, pulire il pennello e le mani con olio di girasole (o di lino) e lavare con acqua e sapone.

        Dopo qualche minuto la vernice smette di essere oleosa e poi, nelle ultime fasi di asciugatura, è necessario procedere alla doratura. Se la vernice è molto fresca e ha molta appiccicosità, l’oro potrebbe “affondare” e perdere la sua lucentezza; se la vernice è secca, l’oro non terrà saldamente e non attaccherà nemmeno. Dovrai applicare una nuova mano di vernice. Quando l’area di doratura è ampia e si desidera che la puntina duri più a lungo, è possibile aggiungere alla vernice qualche goccia di olio essiccante. La vernice Mordan è più conveniente a questo proposito. La sua prontezza viene testata con un pezzo di cotone idrofilo in un punto nascosto: se la vernice non raccoglie un pelucco di cotone idrofilo quando viene toccata leggermente, è pronta e la sua capacità di assorbire l’oro rimane fino a 10-12 ore , il che è una grande comodità per il doratore. Inoltre, durante la lavorazione, l’oro può essere levigato con un batuffolo di cotone.

        L’oro applicato sulle vernici ad olio non può essere lucidato. L’oro posto sul cosiddetto “polimento” viene lucidato. Polyment è una parola francese che deriva dal verbo “to Polish” (lucidare). La doratura su polimero è un lavoro ad alta intensità di manodopera che richiede abilità; la superficie lucida di questo oro acquista una lucentezza estrema, ben diversa dall’oro steso su vernici ad olio, che presenta una certa opacità. Sulle icone che hanno doratura sul polimero, nei punti di usura puoi sempre vedere il rivestimento rosso del polimero. Il tempo ha aggiunto molti abbellimenti a questa tecnica. Sfondi e campi sono stati stampati in rilievo. Il motivo in rilievo ai margini cominciò a essere dipinto per sembrare smalto.

        Nella pratica successiva, a volte ricorrevano alla doratura con “ cerchi ”, “ zirovoy ” (dalla parola tedesca ziegen – decorare). Questa tecnica è la seguente. Prima di applicare la vernice, l’intera tavola o quelle parti dell’icona in cui si prevede che il motivo dorato siano rivestite con foglia d’oro (polimero o vernice). Dopo l’essiccazione, l’oro deve essere ulteriormente verniciato ed essiccato. Per evitare che la vernice scivoli via, la superficie dorata deve essere pulita con uno spicchio d’aglio tagliato. Quindi viene applicato un disegno, vengono applicate le vernici, i volti vengono dipinti e nei punti in cui dovrebbe esserci un motivo, la vernice viene graffiata fino all’oro, ed è così che si ottiene il motivo desiderato. Questo tipo di lavoro si chiama “scrivere con l’oro in un raschietto”.

        Gli artigiani usavano anche alluminio o fogli invece dell’oro. Fogli di lamina bianca, così come l’oro, venivano posti sul gesso e ricoperti con una vernice gialla trasparente, che dava alla superficie l’aspetto della doratura.

[II.3.6] Figura. Cercare. Originali. Doratura. strato di vernice

[II.3.6.5] Strato di pittura

        Dopo aver applicato i trafori sul terreno, dorato le aureole o lo sfondo, il processo di pittura dell’icona è suddiviso in diverse fasi successive:

        1) rivelare l’icona (disporre i toni principali);

        2) pittura;

        3) spazio bianco: evidenzia vestiti, edifici, diapositive, ecc.;

        4) ocra – evidenziazione di volti e capelli con la loro successiva lavorazione (doratura, ombreggiatura, ecc.);

        5) applicare un assist.

        Quando il disegno è pronto, l’icona, come dicono i pittori di icone, “rivela”. Rivelare un’icona significa disporre i toni di base. Quando si risolve questo problema, è necessario ricordare che ogni icona ha il suo sapore olistico speciale, che dovrebbe essere protetto. Si sconsiglia quindi di prelevare i colori né in modo casuale né da riproduzioni di colori; Questo non è raccomandato soprattutto per i principianti che hanno familiarità con la pittura di icone. È meglio avere a portata di mano, anche se di scarso valore artistico, un’icona autentica e copiarla.

        Devi iniziare con immagini semplici, ad esempio i singoli santi, e passare a quelle più complesse. Innanzitutto vengono rivelati i toni principali, cioè quelli che vengono applicati direttamente sul gesso e costituiscono la base del lavoro successivo: evidenziazioni e ombreggiature.

        Sulle icone puoi osservare i toni applicati sia in modo denso che uniforme (ottenuti applicando la vernice in 2-3 strati), e leggermente – “in colata”, cioè liquido o addirittura trasparente – “vodka”, spesso e non del tutto uniformemente. È meglio rivestire una volta, ma “in forza” in modo che il gesso sia leggermente traslucido. Alcune irregolarità creano l’effetto della vibrazione del tono e conferiscono al dipinto una vitalità e leggerezza speciali. Il lavoro eseguito con colori spessi e opachi sembra pesante e dovrebbe essere evitato. Ma quando si usa la vernice liquida bisogna fare attenzione, poiché una grande quantità di vernice liquida si asciuga lentamente e il gesso può “bollire”, cioè alzarsi e iniziare a bollire, cosa difficile da correggere.

        La vernice si applica così: con un pennello con cui si applica la vernice liquida sul gesso, si deve lisciare leggermente la vernice in diverse direzioni, ma in modo che i peli del pennello non tocchino il gesso, e mentre la vernice applicata è ancora fresco, è necessario aggiungere costantemente il tono finito, poiché la vernice liquida, aggiunta a quella essiccata, crea una cicatrice indesiderata. Tuttavia, non importa quanto abilmente venga posato il tono principale, dopo la completa asciugatura potrebbe rivelare irregolarità che richiedono una correzione. Pertanto, ogni tono deve essere composto tenendo conto delle modifiche successive, in modo che, dopo che il tono applicato si sia asciugato, ripassare i punti più chiari con un pennello semiasciutto (e una, due e tre volte). Ma questo livellamento è possibile solo dopo che la superficie esposta si è completamente asciugata, e deve essere fatto in modo tale che il pennello non lasci macchie.

        Per far stendere la vernice in modo più uniforme, alcune persone ricorrono a metodi diversi, ad esempio rivelano tutte le tonalità e poi, dopo l’asciugatura, la puliscono con un coltello e la ricoprono con le stesse tonalità. Sul gesso pulito la vernice si stende uniformemente e senza aloni. Oppure ricopriranno tutto il gesso con l’uovo e, dopo l’asciugatura, puliranno anche i resti dell’emulsione d’uovo. I pittori di icone professionisti chiamano tali tecniche amatoriali.

        È meglio iniziare a disporre i toni con quelli che occupano un’area più ampia sull’icona rispetto agli altri; in ogni caso dal “pre-lik”, cioè da quanto scritto davanti ai volti. Dopo aver rivelato tutti i toni, la colorazione generale dell’icona dovrebbe suggerire quale dovrebbe essere il tono principale dei volti. Se la colorazione complessiva dell’immagine viene eseguita con colori freddi, il tono principale dei volti dovrebbe essere caldo e viceversa. Quando applichi i toni, dovresti coprire anche le linee nere del disegno.

        Se l’icona ha un alone o uno sfondo dorato, di solito l’oro penetra nelle aree vicine, interrompendo l’uniformità dei contorni e la vernice non aderisce al metallo. In questo caso, dovresti pulire leggermente tutte le giunture della superficie dorata con i contorni con uno spicchio d’aglio tagliato, e quindi non devi preoccuparti che la vernice coli via dall’oro. Lo stesso dovrà essere fatto qualora fosse necessario tracciare linee di aureole o fare un’iscrizione sull’oro.

        Prendere il tono corretto che vediamo nell’originale non è così facile, soprattutto nelle prime fasi del lavoro. La difficoltà sta nel fatto che il tono desiderato nell’originale è circondato da altri toni che lo influenzano notevolmente, ma sulla nuova tavola c’è un fondo bianco puro, il cui candore scurisce notevolmente il tono. Per non cadere subito in grossolani errori nel comporre un particolare tono, procedere come segue: preparare due quadratini di carta nera (2-3 cm ciascuno). Al centro di ogni quadrato, ritaglia un “occhio” – un piccolo diamante – un foro di 2-3 mm; crea un tono e coloralo su carta; asciugatelo, mettete “occhio” alla colorazione e allo stesso tono dell’originale. Il campo nero degli occhi crea lo stesso ambiente per entrambi i toni, isolandoli da ambienti cromatici diversi, che distorcono a modo loro il loro vero colore. Qui puoi facilmente determinare quanto il tono composto è vicino all’originale e cosa deve essere aggiunto se è errato. Questa operazione viene sempre eseguita quando si esegue una copia esatta. Il tono collaudato può ora essere applicato senza timore su una nuova tavola, anche se su di esso sembrerà errato.

        Dopo che l’icona è stata “rivelata”, tutti i volti e i contorni del disegno vengono disegnati utilizzando il sottotono appena visibile. Questo processo nella pittura di icone è chiamato “pittura”.

        Se l’icona è “principale”, cioè ha uno o solo volti e sono raffigurate pochissime spalle, allora la pittura dovrebbe iniziare con i volti. Se l’icona è a “mezzo busto” (il santo è raffigurato fino alla vita) o di altro tipo, il dipinto viene eseguito prima a “mezzo busto”. Il colore del dipinto può essere lo stesso tono di quello principale, solo leggermente più scuro, oppure diverso. Ad esempio, su sankir con una tinta verdastra, la pittura viene eseguita con terra di Siena bruciata con terra d’ombra o terra d’ombra bruciata, ecc. Quando si dipingono i contorni e le pieghe dei vestiti, è necessario prestare particolare attenzione alla loro pittoricità e non cadere nell’aridità e nella monotonia delle linee. Il pennello va tenuto perpendicolare alla superficie su cui si sta lavorando. Le linee delle sopracciglia, dei capelli, degli occhi vengono prima disegnate in modo sottile, appena percettibile, poi si ispessiscono, viene applicata una pressione al centro della linea, che viene poi gradualmente rimossa; alla fine la linea è impercettibilmente sottile come lo era all’inizio. La linea del naso si piega due volte e viene prontamente ispessita e assottigliata mediante opportuna pressione del pennello. Le sopracciglia sono disegnate con due o tre linee parallele (per lo più con vernice nera), diminuendo di spessore ai lati. Partono quasi sempre dal ponte del naso, dal cosiddetto “naso dell’uccello”. La bellezza di una linea dipende dalla grazia della sua vibrazione, dalla sua varia intensità e dalla dolcezza ritmica. Il ritmo in un’icona è l’arte di tracciare una linea di una certa dimensione, di una certa forza, in un certo luogo e in una certa direzione. Il senso del ritmo iconografico si sviluppa attraverso l’osservazione.

        Dopo la pittura, gli spazi vengono abilmente applicati ai vestiti, evidenziando lungo i punti convessi della figura. Gli spazi vengono tagliati 2-3 volte, riducendo ogni volta l’area. Il loro primo tono è solo leggermente più leggero del tono principale, il secondo è molto più leggero e più piccolo nell’area e, infine, il terzo è la linea più leggera che segna i punti più prominenti delle pieghe.


Malato. II-13. I vestiti degli apostoli. Rotazione laterale delle mezze figure


Malato. II-14. I vestiti degli apostoli. Rotazione laterale delle mezze figure


Malato. II-15. Mantello dell’Arcangelo Gabriele


Malato. II-16. Schema

Malato. II-17. Schema

        Per la maggior parte, gli spazi sono realizzati nello stesso colore del tono principale dell’abbigliamento, ma a volte in un colore diverso. Quindi, ad esempio, a volte il tono rosso vivo e cremisi scuro dello spazio dà un colore verdastro o blu tenue; per il giallo – anche blu, ecc. Va tenuto presente che il bianco, applicato puro a qualsiasi tono, acquisisce sempre una tinta bluastra, quindi, se è necessario estinguere questo azzurro, aggiungi del giallo al tono composto del gli spazi dipingono per avvicinare i punti salienti al colore principale dell’abbigliamento. Se invece hai bisogno di dare spazi azzurrini, non puoi aggiungere vernice azzurra al bianco, che da solo diventa azzurro; basta prendere il nero e l’ocra chiara per ammorbidirlo.

        Quando applichi gli spazi, dovresti fare attenzione alla loro natura e attenersi allo schema in modo più accurato. L’esperienza mostrerà quanto profondamente l’artista antico comprendesse la sua opera e quanto significativamente desse ogni tratto e tratto nel drappeggio delle figure. Allo stesso tempo, non dobbiamo dimenticare che l’eccessiva secchezza e grafica degli spazi non è un risultato. Al contrario, dovrebbero giacere succosi e sempre al loro posto. Gli spazi posizionati in modo errato possono distorcere l’intera figura, quindi è necessario guardare attentamente e realizzare lo schema di questi punti salienti.


Malato. II-18. Vuoto nell’immagine delle diapositive


Malato. II-19. Vuoto nell’immagine delle diapositive


Malato. II-20. Vuoto nell’immagine delle diapositive


Malato. II-21. Immagine vuota delle tende

Malato. II-22. Spazi vuoti nell’immagine di scivoli e tende


Malato. II-23. Vuoto nell’immagine delle diapositive

        Gli spazi mettono in risalto non solo i vestiti, ma anche le colline e gli edifici, che nel linguaggio della pittura di icone sono chiamati “tende”, e gli alberi II-11 .

II-11 Nei manuali per pittori di icone – Script facciali – è tradizione utilizzare un’immagine negativa del taglio degli spazi e della scrittura bianco-oro: il tratto più scuro corrisponde a quello più chiaro.

        La copia accurata di antichi buoni esempi ne trasmette il carattere e il significato. Dopo aver applicato gli spazi-luci che rivelano la figura, di solito i punti più profondi vengono ombreggiati con vernice trasparente dello stesso tono, e anche (spesso) lungo i contorni, come dicono i pittori di icone, viene applicato lo “splash” – ombreggiatura maggiore o minore forza.

        Il colore principale delle parti del corpo nell’icona – sankir – viene stabilito durante la divulgazione generale dell’intera immagine. I riflessi del sankir sono chiamati fusi o ocra e, secondo l’antica terminologia, ocra, poiché nei tempi antichi l’ocra veniva chiamata ocra. Questo termine è parzialmente sopravvissuto fino ad oggi. La composizione delle vernici ocra comprende solo ocra: chiara e rossa, e alla fine viene aggiunto solo un po ‘di bianco. Da qui il nome di questo processo: cazzo. La tecnica di applicazione dell’ocra si divide in diverse fasi successive.

        1. All’ocra chiara si aggiunge l’ocra rossa, questo composto viene diluito con il tuorlo preparato fino a renderlo una crema molto fluida. Se il sankir è “verde”, aggiungete tanta ocra rossa quanto ocra chiara, in modo che tutto il composto abbia una tonalità abbastanza rosa. Se il sankir è “rosso”, è necessario prendere un po’ di ocra rossa, altrimenti la fusione del sankir caldo non si vedrà. Prima di applicare l’ocra, prendere nota dei punti più convessi su braccia, gambe e viso e con un pennello pieno di vernice, applicare il tono selezionato, coprendo l’area evidenziata non completamente, ma per metà (o 2/3), vicino all’ocra. punti più leggeri. Seguendo l’originale, notiamo che le alte luci finiscono con due o tre (o più) linee quasi bianche, che mostrano i luoghi più prominenti. Questi sono quelli che devono essere chiaramente ricordati e tenuti a mente durante l’intero lavoro; la punta del pennello dovrebbe essere leggermente spostata verso di loro da tutti i lati, o, come si dice nel linguaggio dei pittori di icone, “sciogliere” il liquido versato dipingi, senza toccare il sankir con il pennello, per non sfocarlo. Dovresti scioglierlo senza andare oltre la vernice applicata. Questo processo, a prima vista, sembra non ottenere alcun risultato, poiché non si nota nulla di speciale in una pozza di vernice, ma è efficace. La vernice, non importa quanto bene venga strofinata, si depositerà durante l’asciugatura e, a seguito dello scioglimento, la maggior parte del pigmento si raccoglierà nel punto che dovrebbe essere il più leggero.

        2. Questo primo fuso deve essere completamente asciugato, dopodiché vedremo che si è formata una linea piuttosto evidente tra il sankir e il fuso. Dovrebbe essere “fuso”, cioè la transizione dal tono sciolto al tono principale (sankiryu) dovrebbe essere resa più fluida. Per fare questo, aggiungi un po ‘d’acqua alla composizione ocra preparata con un pennello, che rende l’intera composizione più liquida. E questa vernice viene applicata sulle aree da evidenziare con un pennello, riccamente riempito di vernice, andando oltre i bordi della prima fusione su tutti i lati, catturando così un’ampia area del tono principale. Questa volta la vernice versata non viene toccata, potete anche versarne dell’altra dove va la cicatrice della prima fusione per lisciarla. Il risultato sarà evidente solo dopo la completa asciugatura.

        3. Nella terza fase del lavoro, all’ocra viene aggiunta un po ‘più di acqua (con un pennello), che rende la sua composizione ancora più sottile e un po’ bianca. Si mescola bene. Quindi viene applicata l’ocra nei punti in cui è stata collocata la prima fusione, ma le aree coperte sono più piccole rispetto alla prima fusione. Come la prima volta, la vernice versata viene accuratamente sciolta nei punti più leggeri. La fusione si asciuga bene. Dopo la terza fase, sui volti, soprattutto quelli giovani, si effettua il cosiddetto “ruddening” delle guance. Puoi applicarlo con ocra rossa, cinabro e cadmio rosso, ma è molto leggero e acquoso.

        4. Passando all’ultima fase del lavoro, aggiungi un po ‘più di acqua alla fusione rimanente e ancora, senza sciogliere, versa tutto ciò che è succoso, lasciando intatto il sankir solo nei punti più profondi. Dopo l’essiccazione, decidiamo se tutto si è fuso abbastanza bene, se nelle ultime due fasi è stato aggiunto abbastanza bianco, se si notano passaggi da una fusione all’altra e se tutto è stato schiarito bene. Se non bastasse, la fusione dovrà essere ripetuta ancora una o due volte, rendendola però più liquida.

        Tutto questo lavoro piuttosto responsabile dice innanzitutto che:

        1) il tono principale della fusione deve essere composto in modo tale da essere sufficiente per tutte le lavorazioni successive;

        2) quando si versa il fuso, è necessario assicurarsi che si asciughi al suo posto e non scorra lateralmente, distorcendo l’immagine. Per fare ciò, la tavola deve trovarsi rigorosamente in orizzontale;

        3) si consiglia di diluire la massa fusa con acqua, perché il tuorlo, se aggiunto alla vernice, non la diluisce, e il suo eccesso durante l’essiccazione crea dei rigonfiamenti, che poi formano delle crepe nella massa fusa, cosa quasi irreparabile; la fusione dovrebbe giacere facilmente;

        4) un eccesso di bianco nell’ultima fusione non darà una transizione graduale dall’ocra al sankir;

        5) la mancanza di bianco non creerà evidenziature.

        Pertanto, la tecnica di applicazione delle fusioni è presentata schematicamente come segue:

        1. Versa la vernice e scioglila.

        2. Versiamo la vernice diluita e non la sciogliamo, in conseguenza della quale avvicina meccanicamente la prima ocra al sankir (la fondiamo).

        3. Diluiamo l’ocra con acqua e, aggiungendo il bianco, la sciogliamo una seconda volta.

        4. Ancora una volta, diluire la vernice rimanente con acqua, riempire tutto tranne le aree incassate e non scioglierla.

        Lo sciogliamo due volte e per due volte l’ocra si fonde con il sankir attraverso un’applicazione uniforme della stessa miscela, ma più liquida.

        Succede che la nuotata non ha avuto successo, giaceva in modo non uniforme. Quindi devi ricorrere alla selezione. La selezione si chiama ombreggiatura leggera con lo stesso pennello, ma con una vernice più liquida, quasi trasparente, in quei punti della fusione dove il tono principale (sankir) è troppo visibile, o sfocatura molto attenta e accurata della fusione dove si è asciugata fuori posto, che a volte è più facile uniformare al tono del sankir. Allo stesso tempo, il punto umido della fusione, se si trova nel posto sbagliato, non deve essere toccato in nessun caso, poiché il pennello può spostare la vernice, creando una depressione nell’ocra, che sarà ancora più difficile da eliminare. corretto. L’intero processo piuttosto difficile richiede pazienza, attenzione e cautela.


Malato. II-24. Icona della Madre di Dio “Igorevskaya”

        Dopo aver ripercorso l’intero processo di evidenziazione delle parti corporee di un’immagine iconografica, capiamo perché si chiama ocra e fusione: se si intende il colore dell’evidenziazione, si usa il termine “ocra”; quando si intende la tecnica di applicazione della vernice si usa il termine “sciogliere” e la vernice deve avere una consistenza “fusibile” affinché sia ​​fondibile. Il numero di processi di fusione a volte dipende dalla dimensione dei volti e dell’intera icona. Sui volti di medie dimensioni vengono conservati quattro processi, sui volti grandi ce ne possono essere di più, i volti piccoli si sciolgono 2 o anche 1 volta.

        Dopo che la fusione si è completamente asciugata, si procede all’applicazione dei segni: linee chiare, bianco-giallastre, che mostrano i punti più convessi e più chiari. Queste linee sono chiamate “marks”, “animazioni” o “jigs”, “live baits”, “motori”. La linea di questi trattini viene inizialmente disegnata molto sottile, viene fatta una pressa al centro e termina di nuovo in modo sottile. A volte i segni vengono fatti vicino al sankir (sotto gli occhi), ma per la maggior parte vengono fatti un po’ lontano da esso. Se risultassero troppo duri si possono coprire dopo l’essiccazione con una leggera tonalità di ocra e bianco.


Malato. II-25. Taglio del viso e dei capelli


Malato. II-26. Taglio del viso e dei capelli


Malato. II-27. Taglio della barba


Malato. II-28. Taglio della barba

        Dopo l’ocra si tingono i capelli. L’iconografia conserva tradizionalmente il loro nome: i capelli sono castano chiaro e grigio, e nella forma – ricci, lunghi, pendenti dalle orecchie, ecc. Brad – Spasov, Zlatoust, Predtechev, Nikolina, Sergiev, ecc., cioè piccoli , biforcuto, largo, rotondo, con i capelli, ecc. I chiodini di Spasov e Predtechev sono dipinti con vernice nera e non sono evidenziati, e dopo la verniciatura sono ricoperti da un tono trasparente leggermente marrone.

        Prima di dipingere, i capelli castani sono ricoperti con vernice marrone molto trasparente (terra di Siena bruciata e verde o terra d’ombra bruciata). Dopo l’essiccazione, la verniciatura viene eseguita con terra d’ombra bruciata o terra di Siena bruciata con vernice nera o semplicemente nera. I punti salienti sui capelli (ad esempio, Angeli) sono dati in tratti accoppiati che si inseriscono tra i tratti scuri. Anche la linea di tratti leggeri viene inizialmente disegnata in modo sottile, poi ha pressione e termina di nuovo in modo sottile. Le coppie leggere di linee all’interno di se stesse sono combinate in un tono chiaro (ocra chiaro e rosso) in modo che, schiarendosi verso il centro, ogni coppia si indebolisca in leggerezza verso le estremità dei fili.

        I capelli grigi a volte vengono completamente coperti prima del taglio, facilmente e senza intoppi con una tonalità grigia, e talvolta questo colore grigio viene applicato utilizzando la tecnica di fusione sul taglio, combinando le singole ciocche. Separare i capelli grigi comporta l’applicazione di due, tre o anche quattro strisce di capelli bianchi in direzioni diverse, formando ciocche di capelli separate sulla testa o sulla barba. Per farlo correttamente, deve esserci un campione davanti ai tuoi occhi. Al termine, viene data una leggera ombreggiatura lungo l’intero contorno della testa.

        Finitura . Sui drappeggi delle figure, nei luoghi rientrati e lungo i contorni, viene realizzata l’ombreggiatura, che nel linguaggio della pittura di icone si chiama “splash”. Gli scivoli, le tende e gli alberi hanno tutti degli schizzi.

        L’ombreggiatura viene eseguita anche sui volti. Per questo usano la terra di Siena bruciata. Ombreggiano il lato in ombra del naso, il lato in ombra della fronte, vicino ai capelli, sui volti delle donne lungo il bordo del mento e del collo. Sugli occhi sono scritte la pupilla (con vernice nera) e l’iride dell’occhio. La pupilla non deve essere rotonda, questo dà una certa ansia al viso; è resa ovale o quasi triangolare, toccando l’angolo superiore della palpebra.

        Dopo l’asciugatura, viene ombreggiata sia l’iride che l’occhio sotto la palpebra superiore; vengono ombreggiate diverse sopracciglia e orbite sopra la palpebra superiore. La maggior parte delle persone usa la terra di Siena bruciata perché ha leggerezza e trasparenza. Sugli occhi vengono fatti dei segni con il bianco e l’ocra – lungo il bianco dell’occhio.

        Le labbra sono leggermente spruzzate di rosso cadmio liquido, cinabro o ocra rossa. Sulle mani, viene data anche una spruzzata lungo la parte in ombra, e se la mano giace su abiti di tono freddo (verde, blu), la spruzzata viene eseguita calorosamente – con terra di Siena o ocra rossa, se su abiti di colore caldo tono: è ombreggiato con vernice verde o lasciato senza ombreggiatura.

        Di conseguenza, va notato ancora una volta che la copia attenta di buone icone è il miglior insegnante del colore dell’immagine iconografica, del design e della rifinitura di tutti i dettagli dell’immagine.

        Ma in questo caso non è possibile utilizzare riproduzioni a colori stampate, che a volte distorcono il colore e il sapore generale dell’immagine oltre il riconoscimento. La ripetizione di toni errati non solo non favorisce la comprensione della colorazione dell’antica icona, ma instilla anche cattivo gusto, non avvicinando, ma allontanando dalla verità.

        Assistere. L’assist stesso è una sostanza adesiva che viene applicata su alcune parti dell’icona per la loro successiva doratura. Tali adesivi sono succo d’aglio e mosto, preparati in anticipo. Ma in pratica, nella tecnica della pittura di icone, un aiuto è il taglio stesso di vari motivi con oro modellato. L’assistenza viene eseguita come segue. Il mosto o il succo d’aglio conservato nei barattoli si scioglie con un dito o con un pennello immerso nell’acqua; Questa colla viene trasferita in una piccola quantità nel campo della piastra.

        Quindi lo strato di pittura ben essiccato, che deve essere tagliato in oro, viene leggermente spolverato con gesso pulito (polvere di denti) utilizzando un batuffolo di cotone e l’eccesso viene soffiato via. Quindi, con un pennello sottile inumidito in acqua, il mosto, diluito qui alla consistenza desiderata, viene prelevato dal piatto e trasferito sull’icona o con tratti sottili in una certa direzione, oppure con qualche tipo di disegno. Il disegno applicato può essere letto chiaramente sul campo di gesso in polvere, il che è molto utile per garantirne la correttezza. Il disegno realizzato con la colla deve essere asciugato accuratamente. Per la doratura è necessario un pezzo di pane di segale fresco e morbido, accartocciato in una massa appiccicosa. Prendiamo con sé l’oro e, dopo aver respirato il modello prescritto (che ripristina la capacità adesiva del mosto), picchiettiamo l’oro sul modello. L’oro si attacca al mosto e il suo eccesso viene raccolto con un panino. Una volta completato questo lavoro, le imperfezioni del disegno possono essere corrette con la vernice. Per fissare l’oro, viene rivestito con un sottile strato di vernice o lucidante gommalacca a base alcolica. Senza questo, nell’ultima fase del lavoro, quando si applica uno strato coprente di olio essiccante sull’icona, l’oro si staccherà sicuramente con l’olio essiccante nelle aree assistite. Secondo la tradizione l’assist viene utilizzato per dipingere innanzitutto le vesti di Cristo Salvatore quando è raffigurato in gloria. Ad esempio, durante la Resurrezione, l’Ascensione, la Trasfigurazione, sulle icone della Dormizione della Beata Vergine Maria, dove è anche scritto in gloria, a volte nel rango di Deesis come Re della Gloria.


Malato. II-29. Vesti del Divino Bambino, dipinte con un aiuto


Malato. II-30. Vesti del Divino Bambino, dipinte con un aiuto


Malato. II-31. Frammento dell’icona della Madre di Dio

        Anche gli abiti del Bambino Cristo sulle icone della Madre di Dio sono dipinti con un assist, che indica la sua natura divina senza inizio. Le ali degli angeli, i troni, i sedili, gli abiti reali e principeschi (simili a broccati) e altri dettagli sono spesso dipinti con un aiuto. A volte le casule sono delineate in oro. Successivamente, quando si diffusero gli sfondi colorati (XVII secolo), le iscrizioni iniziarono ad essere realizzate in oro. Nei lavori degli studenti in questi casi, l’oro viene sostituito con la vernice: bianco, giallo cadmio e rosso. Dopo l’asciugatura, il disegno può essere ammorbidito con un sottile strato di terra di Siena naturale, che gli conferirà un colore dorato.

        Il nome “decorare con un assist” è spesso sostituito dal termine “inkop”, “decorare con un inchiostro”. Il monaco appare nelle icone greche e italiane nei secoli XI-XII. Nella seconda metà del XVI secolo in Russia si cominciò a usare l’oro creato per tagliare i vestiti, al posto degli spazi vuoti. Con esso hanno dipinto tutti i vestiti delle icone. Per far risplendere l’oro creato, questo viene poi lucidato con il cosiddetto scalpello. Nel XVII secolo, la pittura di abiti con oro creato sostituì completamente l’evidenziazione con gli spazi. Nel XIX secolo gli abiti dai colori caldi venivano dipinti con oro giallo fuso, mentre gli abiti dai colori freddi (blu, verde, ecc.) venivano dipinti con oro verde, che ha una tinta fredda.

[II.3] Tecnica di pittura delle icone

[II.3.7] Essiccazione

        L’icona finita, realizzata con tempera all’uovo, viene ricoperta da una pellicola di olio – olio essiccante opportunamente trattato, che isola il dipinto dall’umidità e dagli altri effetti dannosi dell’aria. Fondamentalmente, questo processo piuttosto importante si riduce a quanto segue.

        L’icona completata, che è stata sufficientemente asciugata per 5-6 ore, viene posizionata su un piano orizzontale e riscaldata con olio essiccante II-12 nella quantità richiesta . Prima di applicarlo alla tavola, il maestro, esponendo la mano destra dal palmo al gomito, pulisce con essa l’intero dipinto in modo che sull’icona non rimanga polvere o granelli. Quindi una pozza di olio essiccante riscaldato viene versata al centro dell’icona. È necessario assicurarsi che non vi siano distorsioni e che l’olio essiccante non scorra in nessuna direzione. In quest’ultimo caso è necessario mettere qualcosa sotto la tavola per livellarla orizzontalmente. Quindi, dopo aver aggiunto olio essiccante, si distribuisce con il palmo della mano su tutta la superficie pittorica in modo che lo spessore dello strato non superi il millimetro. Se versi molto olio essiccante, il processo di addensamento richiederà molto tempo. Il consiglio rimane in questa posizione fino alla fine dell’intero processo. A seconda dell’umidità e della temperatura della stanza, anche del periodo dell’anno (da marzo a giugno – l’aria più secca), l’olio essiccante si addensa più o meno velocemente. In una stanza calda e asciutta, in media, sono necessarie 4-5 ore affinché lo strato di vernice sia sufficientemente saturo di olio essiccante.

II-12 L’olio essiccante riscaldato viene assorbito nel terreno meglio e più velocemente

        L’olio essiccante versato sull’icona inizia immediatamente ad assorbirsi nel terreno, formando isole opache in diversi punti sulla superficie del dipinto. Pertanto, in questa fase, l’olio essiccante deve essere livellato ogni 15-20 minuti. Dopo due ore, tali isole opache smetteranno di apparire, l’olio essiccante si stenderà in uno strato uniforme e si addenserà gradualmente. Anche in questo caso occorre fare attenzione: affinché l’olio essiccante non si secchi sul dipinto in alcuni punti, è necessario levigarlo con il palmo della mano.

        Dopo circa cinque ore, l’olio essiccante diventa di consistenza simile alla colla densa. Quindi è necessario rimuovere l’olio addensato in eccesso con pezzi di carta velina o con il palmo della mano. La carta viene applicata direttamente sulla superficie del dipinto, quindi a questo scopo viene utilizzata solo carta velina, che non lascia pelucchi sull’icona. Ma sul dipinto deve essere lasciato un sottile strato di olio essiccante in modo che quando sarà completamente asciutto non appaiano zone opache. Mentre lavori, devi asciugarti le mani di tanto in tanto, e per questo non dovresti usare né stracci né carta che lascino pelucchi. La carta velina è abbastanza adatta per questo.

        Finché il sottile strato di olio essiccante rimasto è ancora oliato (in movimento), è necessario tenere d’occhio l’icona, poiché potresti perdere il momento più cruciale dell’intera faccenda: lisciare l’olio essiccante appena prima che si asciughi. . Il fatto è che i più piccoli granelli di polvere che riempiono costantemente l’aria, depositandosi, possono congelarsi sul film indurente dell’olio essiccante sotto forma di tubercoli lucenti, che conferiscono allo strato di copertura una sgradevole granulosità. Per evitare ciò, soprattutto nelle ultime fasi di indurimento dell’olio essiccante, dovresti passare vigorosamente il palmo della mano lungo la superficie pittorica da un bordo all’altro dell’icona in tutte le direzioni ogni 5-10 minuti. Allo stesso tempo, l’olio essiccante sotto il palmo inizierà a emettere un suono simile a quello che si verifica quando il vetro bagnato viene pulito con uno straccio o una carta: “fick”, “fick”. Da qui il termine “ficking”, cioè lisciare lo strato di copertura indurente. Se il maestro non ha perso l’ultimo momento ed è riuscito a “aggiustarlo” in tempo, il film polimerizzato sarà liscio e lucente.

        Alla fine arriva il momento in cui, come dicono i maestri pittori di icone, l’olio essiccante “si alza”. Dopodiché non potrete più toccarlo, potrete rovinarne la superficie lucida, applicare delle “lases” (strisce opache) che non scompariranno. Per assicurarti che la pellicola sia pronta, dovresti far scorrere con attenzione il dito in un punto inappropriato, da qualche parte in un angolo: se rimane un segno, significa che l’olio essiccante si è “alzato”. L’icona viene posta ad asciugare in modo che la polvere non si depositi su di essa. Iniziale: l’asciugatura superficiale del film avviene in 2-3 giorni, l’asciugatura completa – non prima di un mese.

        Esistono numerose ricette diverse sia per preparare l’olio essiccante che per applicarlo alla pittura. Gli antichi maestri sapevano che la pellicola creata solo dall’olio purificato si asciuga lentamente e non ha lucentezza, quindi aggiungevano sale e ossido metallico all’olio riscaldato, che trasformava l’olio in olio essiccante, o resine disciolte nell’olio essiccante, trasformandolo in una vernice ad olio.

        Potrebbe sorgere un’altra domanda: cosa fare se, per un motivo o per l’altro, si perde il momento dell’indurimento dell’olio essiccante? In altre parole, accadde esattamente quello che non doveva essere permesso: l’olio essiccante in alcuni strati più sottili si indurì e si asciugò sul dipinto, mentre in altri rimase mobile.

        Indubbiamente è impossibile lasciare l’icona in questa posizione. Le zone essiccate dell’olio essiccante risulteranno quindi isole più alte rispetto al resto della superficie e si scuriranno maggiormente. Devono essere rimossi. In un simile incidente, rimuovere l’olio essiccante addensato rimanente e versarne uno fresco e non riscaldato. Con il suo aiuto, iniziano a strofinare le zone secche con le dita. Dove la pellicola è ancora fresca si scioglie e si stacca con più o meno successo, ma dove ha avuto il tempo di asciugarsi più saldamente l’uso del bisturi è inevitabile e non è esclusa la possibilità di danneggiare il dipinto.

        Quando tutte le aree attaccate della pellicola sono state rimosse in un modo o nell’altro, l’olio fresco rimanente viene rimosso asciutto, l’icona viene asciugata accuratamente, i punti che richiedono correzioni pittoriche vengono puliti con uno spicchio d’aglio tagliato in modo che la vernice non scivola via e il danno al dipinto viene corretto. Quindi lascia asciugare bene la vernice fresca e asciuga nuovamente l’intera icona (preferibilmente il giorno successivo).

        Nelle officine Palekh c’era una stanza speciale per coprire i dipinti con olio essiccante, isolata dagli estranei, dove entrava o soggiornava solo il maestro. Ciò ha impedito un eccessivo movimento di polvere nell’aria. In inverno, dopo che l’olio essiccato “si è fermato”, le icone di Palekh sono state esposte “al freddo” (in una stanza non riscaldata) – per la rapida formazione di una pellicola immobile, e questo ha avuto un risultato positivo. E ora ogni pittore di icone può tenere a mente questa tecnica.

[II.3.8] Applicazioni

[II.3.8.1] Volto del Salvatore, Sua apparizione secondo il documento più antico

        Il documento più antico contenente la descrizione dell’immagine del Salvatore è una lettera di Publio Lentulo, che fu proconsole della Giudea al tempo di Ottavio Augusto. Ecco una traduzione di questa lettera inviata dal proconsole al Senato Romano durante la vita terrena di Gesù Cristo.

        “Al grande e venerabile Senato di Roma, il senatore Lentulo, sovrano della Giudea, augura salute.

        Attualmente è apparso un uomo – è ancora vivo – con elevate qualità, che si fa chiamare Gesù Cristo. La gente dice che Egli è un potente profeta nelle Sue azioni; i discepoli lo chiamano Figlio di Dio. Resuscita i morti e guarisce ogni malattia e infermità. Quest’uomo è alto e snello. Il suo volto è severo e molto espressivo, tanto che chi lo guarda non riesce a non amarlo e a non aver paura. I suoi capelli castani cadono lisci fino alla base delle orecchie e da lì scendono in riccioli ondulati fino alle spalle; sono divisi alla sommità del capo, come i Nazareni. La fronte è liscia e calma, il viso è completamente pulito. Le sue guance sono coperte da un leggero rossore, da una leggera oscurità. Lo sguardo è gradevole e aperto. Il naso e la bocca sono molto corretti. La barba è piuttosto folta, piccola, dello stesso colore dei capelli della testa, ed è divisa in due parti sul mento. Gli occhi sono azzurri ed estremamente vivaci. Qualcosa di formidabile si nota in Lui quando rimprovera o rimprovera, mentre la mitezza e la dolcezza accompagnano sempre le sue istruzioni e i suoi insegnamenti. Il suo volto ha una piacevolezza sorprendente unita all’importanza. Non è mai stato visto ridere, ma è stato visto piangere. La sua figura è snella, le sue braccia sono lunghe e belle, le sue spalle sono bellissime. Il suo discorso è maestoso e fluido, ma in generale dice poco. Alla fine, dopo averlo visto, non si può fare a meno di ammettere che questo è uno degli uomini più belli”.

        Quasi la stessa descrizione dell’apparizione del Salvatore è fatta dallo storico greco Niceforo Callisto. “Il suo volto”, scrive, “era notevole per bellezza ed espressività… (La descrizione seguente è simile alla precedente.) Il colore del suo volto era quasi come quello del grano, quando il grano comincia a maturare. Il suo viso non era né rotondo né lungo. Assomigliava molto a sua Madre, soprattutto nella parte inferiore del viso. Sul suo volto si esprimevano compostezza, prudenza, mitezza e misericordia costante… In una parola, – conclude la sua descrizione Niceforo Callisto, – somigliava in tutto alla sua Divina e Immacolata Madre…”

        Queste descrizioni sono abbastanza simili a ciò che dicono sull’apparizione di nostro Signore coloro che videro la Sua Immagine non fatta da mano d’uomo sull’ubrus (sulla tavola) inviata dallo stesso Salvatore ad Abgar, re di Edessa (incluso San Giovanni di Damasco). Gesù Cristo. Da testimonianze successive diamo una descrizione dell’immagine non fatta da mani dell’italiano Picconi. “Questa immagine”, dice Picconi, “ha un aspetto maestoso e meraviglioso: in essa si riflettono la grandezza e la gloria divina, tanto che chi la guarda ne rimane incantato e meravigliato. Dal centro della fronte ampia e piuttosto larga scendono su entrambi i lati, a destra e a sinistra, capelli scuri che, coprendo le orecchie, si collegano alla barba… sopracciglia nere, occhi lucidi e penetranti, come se emettessero raggi luminosi, in modo che tu pensi che ti stiano guardando da tutti i lati con uno sguardo piacevole e gentile. Il naso è dritto, un po’ lungo, ma proporzionato… La carnagione è scura… Questa immagine ha qualcosa di soprannaturale che l’arte umana non può imitare. Molti artisti lo hanno ammesso, e soprattutto uno di loro, Luca, che ha avuto l’opportunità di esaminare questa immagine nel miglior modo possibile, ha spesso sostenuto che con i nostri colori non è possibile trasmettere il colore dell’immagine sacra, anche se in alcun modo simile all’originale, e perciò non gli hanno chiesto di farne una copia, non ha mai acconsentito…” Queste sono le testimonianze sul Volto Purissimo dell’Uomo-Dio II-13 .

II-13 “Pellegrino russo”, 1889, n. 1.

        Qual è il destino di questa sacra immagine? Fino all’inizio del X secolo, questa immagine era a Edessa. Quando tutta la Siria, in cui si trovava Edessa, fu catturata dai Saraceni, l’imperatore greco Romano, sia con la forza militare che con una grande ricompensa, chiese all’emiro saraceno l’immagine non fatta da mani. L’imperatore Costantino Porfirogenito descrisse il trasferimento di questo tesoro a Costantinopoli nel 944. Lì rimase fino al 1204 l’Immagine non fatta da mano d’uomo. Quindi, secondo una delle leggende, durante il regno dei crociati a Costantinopoli (1204–1261), fu rapito dal doge veneziano Dandolo. La nave che lo trasportava con altri oggetti sacri affondò a Propontis II-14 .

II-14 Chetya-Minea di San Demetrio di Rostov. 16 agosto.

[II.3.8] Applicazioni

[II.3.8.2] Aspetto e statura morale della Beata Vergine Maria

        Lo storico della chiesa Niceforo Callisto ci ha conservato la leggenda sull’apparizione della Beata Vergine Maria. “Era”, leggiamo da lui, “di statura media o, come altri dicono, un po’ più della media, capelli dorati, occhi vivaci, con pupille color oliva, sopracciglia arcuate e moderatamente nere, naso oblungo… il suo viso non era rotondo e non era affilato, ma piuttosto oblungo, con braccia e dita lunghe. Ma «veramente nella Beata Vergine rimaniamo stupiti non solo per la bellezza immacolata e pura del corpo, ma soprattutto per le proprietà della sua anima». “I vestiti sono modesti, estranei al lusso e alla beatitudine, l’andatura è calma, ferma, lo sguardo è severo, combinato con gradevolezza, tranquillo e sottomesso ai genitori, il discorso è mite, proveniente da un cuore gentile.” “La sua mente è controllata da Dio e diretta solo verso Dio, i suoi occhi sono sempre diretti verso il Signore. Il suo cuore è puro e immacolato, vede e desidera il Dio più puro. Tutto è palazzo dello Spirito, tutto è città del Dio vivente, tutto è bene, tutto è davanti agli occhi di Dio”. “Lei”, dice lo storico Niceforo Callisto, secondo l’antica leggenda, “nella conversazione con gli altri manteneva la decenza, non rideva, non era indignata e non era particolarmente arrabbiata, completamente ingenua, semplice, non pensava affatto a se stessa e, lungi dall’effeminatezza, si distingueva per la completa umiltà. Insomma, in tutte le sue azioni si rivelava una grazia speciale”.

        Sant’Ignazio il Teoforo scriveva: “Tutti sappiamo che la sempre vergine Madre di Dio è piena di grazia e di ogni virtù. Dicono che nelle persecuzioni e nelle difficoltà fosse sempre allegra, nel bisogno e nella povertà non si turbava, non solo non si arrabbiava con coloro che la insultavano, ma faceva loro anche del bene, nella prosperità era mite, misericordiosa con i poveri e li aiutò quanto poteva, nella pietà: insegnante e mentore per ogni buona azione. Amava particolarmente gli umili, perché Lei stessa era piena di umiltà”. San Dionigi l’Areopagita, tre anni dopo la sua conversione al cristianesimo, ebbe il privilegio di vedere faccia a faccia la Beata Vergine Maria a Gerusalemme, descrive così questo incontro: “Quando fui presentato davanti al volto della Vergine luminosa simile a Dio, tale una luce divina grande e incommensurabile mi avvolgeva dall’esterno e dall’interno e si diffondeva attorno a me un profumo così meraviglioso di aromi diversi, che né il mio debole corpo né il mio stesso spirito potevano sopportare segni e primizie così grandi e abbondanti di beatitudine e di gloria eterne. . Il mio cuore è venuto meno, il mio spirito è venuto meno per la Sua gloria e grazia Divina! La mente umana non può immaginare alcuna gloria e onore (anche nello stato di persone glorificate da Dio) più alti della beatitudine che ho gustato allora, indegno, ma onorato dalla misericordia e benedetto oltre ogni comprensione” II-15 .

II-15 Racconti della vita terrena della Beata Vergine Maria. Ed. russo. Monastero di Panteleimon sul Monte Athos. San Pietroburgo, 1869, pp. 261–263.

[II.3.8] Applicazioni

[II.3.8.3] Descrizione delle immagini di abiti accettate nella pittura di icone

Vesti di Cristo Salvatore

        Il chitone è un indumento più basso, piuttosto ampio, con maniche larghe, la cui lunghezza arriva fino ai piedi. La tunica di Cristo Salvatore è stata adottata nella pittura di icone in tonalità calde: dal marrone, al cremisi scuro, al rosso e (meno spesso) al rosa. Sopra la tunica veniva indossata una cintura. Su entrambe le spalle del chitone del Salvatore, davanti e dietro, l’iconografia raffigura strisce strette, come se fossero tessute sopra i vestiti: bastoni, che raggiungono l’orlo.

        Clave è un simbolo di messaggero (missione), motivo per cui è stato adottato, prima di tutto, da Cristo Salvatore come inviato nel mondo da Dio Padre con una missione specifica: salvare il mondo ( Giovanni 6, 38–40 , 44 , ecc.), e poi dagli apostoli e dai profeti come messaggeri di Dio ( Matteo 28,19–20 ), che annunciavano agli uomini la volontà e le parole di Dio.

        Il colore della clavetta differisce sempre più o meno dal colore del chitone. Molto spesso si presenta in diverse tonalità di giallo ed è quasi sempre decorato con un assist dorato.

        Himation (mantello) è un pezzo di tessuto lungo e largo che veniva indossato sopra il chitone. Questo mantello serviva anche come coperta per i poveri durante il sonno ( Esodo 22:26–27 ). Il fatto che fosse di dimensioni significative può essere giudicato dal fatto che i soldati che crocifissero Cristo e divisero tra loro le sue vesti divisero il mantello in quattro parti: una parte per ogni soldato ( Giovanni 19:23 ). Il colore di questa veste di Cristo Salvatore è sempre scritto in tonalità fredde: dal blu, al blu, al verde chiaro e scuro. L’eccezione sono icone come “Resurrezione”, “Ascensione”, “Dormizione della Madre di Dio”, su cui Cristo Salvatore è raffigurato in una forma glorificata: tutti i suoi vestiti, splendenti di gloria, hanno un colore giallo dorato e sono decorato con un assist dorato. Sulle icone della Trasfigurazione del Signore, Cristo è in vesti bianche.

        Sulle icone della Madre di Dio, la veste del Bambino Cristo è quasi sempre giallo dorato, di diverse sfumature, colori e decorata con un assist dorato. Con questo, la Santa Chiesa distingue la Sua infanzia da quella abituale per tutte le persone e indica il Suo essere coeterno e co-trono con Dio Padre.

        Le scarpe del Salvatore, come quelle dei profeti e degli apostoli, sono sandali costituiti da suole di cuoio fissate ai piedi con cinturini.

        Ci sono icone dove Cristo è scritto come Re della Gloria, sul trono. Quindi anche i suoi paramenti sono spesso giallo oro con un assist dorato. Ma come il Re dei re, il Signore è raffigurato in abiti reali, in stile bizantino, su un trono e con una corona in testa. Come Grande Vescovo, il Signore è raffigurato indossando un sakkos e con un omoforione.

Vesti della Beata Vergine Maria

        Tunica: abbigliamento inferiore, per lo più con maniche strette, lunghe, che arrivano fino al pavimento. Il suo colore sulle icone della Beata Vergine è impostato sul blu come simbolo della purezza verginale. Ma può essere di diverse tonalità, fino al blu scuro e al verde scuro.

        Maforium – capospalla, largo, rotondo quando aperto, con uno spacco rotondo sufficientemente grande al centro per far passare la testa. I bordi di questo taglio vicino al collo erano rifiniti con un bordo largo o stretto. Il maforium veniva indossato sopra la tunica e cadeva leggermente sotto le ginocchia.

        Le donne di quel tempo dovevano sempre coprirsi la testa, e sulle icone della Madre di Dio vediamo sempre una sciarpa leggera sulla sua testa, che le raccoglie e le copre i capelli, sopra i quali è indossato un velo. La coperta, come la maforia, era rotonda, tagliata sul davanti verso il centro o con uno spacco per il viso. La sua lunghezza arrivava fino ai gomiti.

        Per questi abiti della Santissima Theotokos, nella pittura di icone viene adottato il marrone o un colore cremisi scuro ad esso vicino, che ha il suo simbolismo. È noto che questo colore è composto da vernice blu e rossa. E qui il blu (una sfumatura di blu) è un simbolo della sua purezza verginale, e il rosso, come il colore del sangue, testimonia che da Lei, la Vergine purissima, il Figlio di Dio ha preso in prestito la sua porpora terrena: carne e sangue.

        Una parte indispensabile del velo della Madre di Dio sono tre stelle, che sono sempre scritte su entrambe le spalle e sulla fronte. Queste stelle sono un simbolo della Sua sempre verginità. È Vergine prima della Natività di Cristo (un asterisco sulla spalla destra), Vergine nel momento stesso della nascita incomprensibile del Figlio di Dio (un asterisco sulla fronte) e rimane Vergine dopo la nascita del Suo Divino Figlio (un asterisco sulla spalla sinistra del velo).

Simbolismo delle immagini e delle vesti degli angeli

        La Sacra Scrittura racconta che davanti alla gloria inavvicinabile di Dio stanno sempre sette Angeli del rango più alto: Michele, Gabriele, Raffaele, Uriel, Selafiel, Jehudiel, Barachiel II-16 . Di questi, il più importante è il santo Arcangelo Michele. Fu il primo a ribellarsi contro Dennitsa caduto, chiamò altri angeli a combattere con lui e, dopo aver rovesciato coloro che si erano allontanati, non cessa di lottare per la gloria del Creatore e Signore di tutti e per la causa di salvare la razza umana. Pertanto, è spesso raffigurato in armatura militare, con una lancia o una spada in mano.

II-16 Per una descrizione dettagliata del loro ministero, vedere: Chet-Minea di San Demetrio di Rostov. Mese di marzo, 26.

        Tutti gli angeli hanno le ali, che denotano il loro distacco da tutto ciò che è terreno e sensuale, nonostante la loro vicinanza a noi. Inoltre, le ali sono un’immagine di velocità e zelo ardente nel compiere la volontà di Dio. Infine, le ali indicano la disponibilità degli Angeli a servire le persone e a proteggerle con la loro copertura. Le ali dei Serafini, che coprono i loro volti e le gambe, parlano della riverenza, dell’umiltà, della paura e del tremore con cui stanno davanti al volto di Dio.

        Molto spesso puoi vedere sulle icone nelle mani degli angeli un’asta e un cerchio chiamato sfera. Al centro di questo cerchio ci sono le parole “DOVE” O “IС SA” Questo simboleggia la sfera della loro vita, cioè Dio.

        Gli abiti degli Angeli sulle icone sono vari: a volte sono raffigurati con tuniche e mantelli, come apostoli o profeti, e poi hanno una clava sulle spalle, come messaggeri celesti. A volte le loro tuniche sono riccamente decorate con oro attorno al collo e lungo l’orlo, a volte, come i più alti servitori del Re Celeste, sono dipinti con gli abiti dei dignitari reali più vicini, come una corte bizantina, e poi hanno un ampio , lungo orarion che attraversa il petto II-17 .

II-17 Il suo nome è “lor”.

Vesti degli apostoli e dei profeti

        Gli abiti degli apostoli e dei profeti sono sostanzialmente gli stessi di Cristo Salvatore, e hanno una clava, come quelli dei messaggeri di Dio. Il colore degli abiti di ciascuna persona è indicato negli Originali. È solo necessario notare che tutti i 70 apostoli sono scritti con omoforioni.

Paramenti dei santi

        All’inizio della storia della chiesa, tutti i santi, ad eccezione del paramento, dell’epitrachelion, della cintura e dei bracciali, indossavano un felonion, sopra il quale era posto un omophorion. Lo vediamo sempre sulle icone di San Nicola. Sakkos apparteneva ai Patriarchi di Costantinopoli. Ma col tempo, nella pratica ecclesiale, il sakkos divenne parte dei paramenti di tutti i vescovi, mentre il phelonion rimase parte dei paramenti presbiterali.

Vesti di sante donne

        Gli abiti delle sante donne – martiri e giusti – sono abbastanza simili all’abbigliamento della Santissima Theotokos, sebbene abbiano una certa originalità nei dettagli; ci sono indicazioni per questo, proprio come per il colore, negli Originali. Le scarpe delle sante donne sono stivali che sporgono leggermente da sotto la lunga tunica.

        Tutti gli altri santi: re, principi, santi, presbiteri, diaconi, monaci, monaci-schema, guerrieri o giusti sono raffigurati negli abiti del loro rango, come indicato negli Originali.

        In conclusione, va detto che l’icona su cui c’è un’aureola attorno alla testa del santo e è scritto il suo nome è considerata ortodossa.

III. Articoli teologici

[III.1] Chiesa – Corpo di Cristo

        Quando si inizia a studiare la pittura di icone, la tecnica di dipingere un’icona, è necessario capire che quest’arte non ha una vita indipendente, come qualsiasi altra (ritratto, paesaggio, ecc.), fa parte della vita della Chiesa .

        Cos’è la Chiesa?

        Per la maggior parte, la Chiesa ci appare come un tempio, come un particolare tipo di edificio che ha uno scopo religioso, un luogo di riti sacri, dove i credenti si riuniscono per la preghiera comune, per partecipare al culto e ai Sacramenti.

        Ma la parola “Chiesa” include anche un altro concetto spirituale, più elevato, della Chiesa: la Chiesa come Corpo di Cristo, la comunità dei credenti in Cristo, la Chiesa di cui Cristo Salvatore ha detto: ” Edificherò la mia Chiesa e le porte degli inferi non prevarranno contro di essa ” ( Matteo 16,18 ).

        “Credo nella Chiesa Una, Santa, Cattolica e Apostolica” – così si esprime nel Credo questo dogma sulla Chiesa – Corpo di Cristo. Il divino Fondatore della Chiesa, compiuta l’opera di redenzione dell’uomo, si degnò che i suoi seguaci disponessero la loro salvezza, non ciascuno individualmente dagli altri, con la propria fede sola, ma tutti insieme, costituendo un solo corpo, un solo spirito ( 1 Corinzi 12:12–13 Efesini 4:4 ). Il capo di questo corpo è il Signore stesso, e i credenti sono membra del Suo Corpo, della Sua carne e delle Sue ossa ( Efesini 4:15 ; 5:30 ; Col. 1:24 ).

        Questa Chiesa, questa società, ha una proprietà spirituale speciale, sovramondana, e per mostrare la differenza tra la società creata da Cristo Signore e tutte le altre società religiose, Egli la chiamò Sua: ” Edificherò la mia Chiesa “.

        In effetti, questa Chiesa è la Chiesa di Cristo, poiché Gli obbedisce come suo Capo, suo Signore e Dio ( Efesini 5:24 ; Col. 1:18 ), e preserva gli insegnamenti e i Sacramenti da Lui insegnati. ” Ho ricevuto dal Signore stesso ciò che ho trasmesso anche a voi “, dice il santo apostolo Paolo ( 1 Cor. 11:23 ). Questa Chiesa è guidata dal Suo spirito, sforzandosi di raggiungere lo scopo per il quale Egli è disceso sulla terra, cioè per perfezionare i santi, per l’opera del ministero, per l’edificazione del Corpo di Cristo ( Ef 4,12 ) .

        Questa Chiesa di Cristo è santa.

        Anche nell’Antico Testamento la Chiesa di Cristo era rappresentata dai profeti sotto l’immagine della Sposa di Cristo: siete tutte belle… e non c’è macchia in voi ( Cant. 4, 7 ). Lei è tutta luminosa, divina, divina, gloriosa.

        È santo secondo la santità del suo stesso fondamento, poiché nessuno può porre un fondamento diverso da quello già posto, che è Gesù Cristo , come dice l’Apostolo ( 1 Cor 3,11 ).

        È santo secondo il suo scopo, che è la santificazione di tutta l’umanità, affinché, avendo Gesù Cristo stesso come pietra angolare… tutto l’edificio, unendosi armoniosamente, cresca in un tempio santo nel Signore ( Ef. 2: 20-21 ).

        Santa secondo la santità dei poteri e dei mezzi che le sono stati dati per raggiungere questo scopo (Santa Dottrina e Sacramenti).

        Santa nella santificazione e nella santità, che impartisce ai suoi figli fedeli, membra del Corpo di Cristo, e secondo il loro dovere di condurre una vita pura e santa.

        È santa, infine, perché in essa dimora e rimarrà il Signore stesso, come Capo del corpo della Chiesa, secondo la sua promessa, e in essa agisce lo Spirito Santo. Siamo stati tutti battezzati da un solo Spirito in un solo corpo, ebrei o greci, schiavi o liberi, e a tutti è stato dato da bere un solo Spirito ( 1 Corinzi 12:13 ). Ci sono diversità di doni, ma uno stesso Spirito; e i ministeri sono diversi, ma il Signore è lo stesso… la manifestazione dello Spirito è data a tutti per il bene. A uno viene data dallo Spirito la parola di sapienza, a un altro la parola di conoscenza mediante lo stesso Spirito; fede a un altro, mediante lo stesso Spirito… Eppure lo stesso Spirito produce tutte le cose, distribuendo a ciascuno (i doni) separatamente, come Gli piace. Perché proprio come il corpo è uno, ma ha molte membra, e tutte le membra di un corpo, sebbene siano molte, costituiscono un solo corpo, così è Cristo ( 1 Corinzi 12:5, 7–9, 11–12 ). “ Ci sono molte membra, ma un solo corpo ”, dice l’Apostolo ( 1 Cor 12,20 ).

        La promessa che Cristo rimarrà nella Chiesa fino alla fine dei tempi e che le porte degli inferi non prevarranno contro di essa testimonia che essa è perfetta e la sua perfezione è immutabile nei secoli.

        L’insegnamento più chiaro sulla santità della Chiesa è stato insegnato dal suo stesso Fondatore, nostro Signore Gesù Cristo, e prima di tutto dalla Sua stessa apparizione e vita nel mondo, cioè con l’esempio, e poi con la Sua parola.

        Tutta la vita di Gesù Cristo rappresenta per la Chiesa l’esempio più alto. Questo esempio mostra chiaramente come la Santa Chiesa può e deve vivere e agire in un mondo peccaminoso e adultero.

        Cosa indica questo modello?

        Prima di tutto, dice che l’obiettivo della venuta di Cristo Signore sulla terra e i mezzi per raggiungere questo obiettivo non sono affatto gli stessi che nel mondo, non significano obiettivi terreni.

        Il Signore stesso lo ha sottolineato nella sua preghiera al Padre: “ Come tu mi hai mandato nel mondo, anch’io ho mandato loro nel mondo… essi non sono del mondo, come io non sono del mondo ” ( Giovanni 17, 18, 16 ) – e anche: Il mio regno non è di questo mondo ( Giovanni 18:36 ).

        Secondo questo esempio, la Chiesa di Cristo non è di questo mondo: la sua natura è diversa da quella del mondo terreno. L’essenza della Chiesa è spirituale, sublime, la sua vita e il suo respiro è il Capo della Chiesa: Cristo Signore e la Chiesa celeste; il suo scopo è continuare l’opera di Cristo e  il Figlio dell’Uomo è venuto a cercare e salvare ciò che era perduto ( Matteo 18:11 ).

        Gesù Cristo è santo al massimo grado: il Santo dei santi ( Dan. 9:24 ), ma allo stesso tempo il Santissimo e il Misericordiosissimo. Egli è Luce, e questa Luce risplendeva nelle tenebre, affinché la luce risplendesse per coloro che sedevano nella terra e nell’ombra della morte ( Matteo 4:16 ; vedere:  Luca 1:79 ). È proprio per illuminare e salvare questi che giacciono nelle tenebre, coloro che erano perduti, che lo stesso Fondatore del Cristianesimo pone la meta della sua venuta nel mondo: il Figlio dell’Uomo è venuto a cercare e a salvare ciò che era perduto ( Mt 18 :11 ). Sono venuto a chiamare non i giusti, ma i peccatori al pentimento ( Matteo 9:13 ). Secondo questo scopo, non scacciò nessuno che veniva a lui ( Giovanni 6:37 ), non disdegnò nessun peccatore, non respinse da sé la prostituta, il pubblicano o il ladro pentito.

        Accettando misericordiosamente in comunione con Se stesso – nella Sua Chiesa, Gesù Cristo fu longanime nei confronti dei suoi membri peccatori, aspettando il pentimento, ammonendoli e correggendoli, il che è particolarmente chiaro dal Suo trattamento degli apostoli – questi membri scelti della Sua Chiesa. Questa conversione, che doveva condurli alla perfezione, fu piena della più grande mitezza, tolleranza e longanimità. Con quanta docilità li incoraggiò a rimanere svegli nel Giardino del Getsemani ( Matteo 26:40-41 ), con quanta condiscendenza fu nei loro confronti quando manifestarono di non comprendere lo spirito del Suo insegnamento o contraddissero le Sue intenzioni ( Matteo 13:36 ; Giovanni 16) :17 ). Egli misericordiosamente rafforzò la mancanza di fede di Pietro ( Matteo 14:31 ) e non rigettò i suoi caduti ( Giovanni 21:19 ).

        Cos’altro? – Non scomunicò il ladrone apostolico, che complottava maliziosamente per tradirlo, ma fu longanime, ammonindolo anche durante l’ultima cena ( Giovanni 13:10-11 ), e lo rimproverò solo docilmente per il suo bacio traditore ( Matteo 26:50 ). .

        Né la profondità né la ripetizione delle cadute impedivano ai caduti di sperare in una rinnovata comunicazione con il Redentore. Cercò la salvezza di un peccatore come pastore di una pecora smarrita ( Luca 15:6 ) o come moglie che perse una moneta ( Luca 15:9 ). Cristo si rappresentò come un vignaiolo, che intercedeva presso il proprietario della vigna per risparmiare il fico ancora sterile ( Luca 13:8-9 ). E ha sempre immaginato che le braccia del Padre Celeste fossero aperte per accogliere il peccatore più grave ( Lc 15,20 ). Non approvava la gelosia dei discepoli, che volevano far scendere il fuoco dal cielo su coloro che non lo accettavano ( Lc 9,54 ).

        Gesù Cristo stesso testimoniò la sua estrema longanimità, dicendo: “ Gerusalemme, Gerusalemme, che uccidi i profeti e lapidi coloro che ti sono mandati! Quante volte ho voluto raccogliere i vostri figli, come un uccello raccoglie i suoi pulcini sotto le ali, e voi non avete voluto ” ( Matteo 23:37 ). E solo quando Gli mostrarono un’evidente contraddizione, ostinazione, negligenza, impenitenza – solo allora li lasciò, o, più precisamente, non li respinse, ma essi stessi si allontanarono da Lui come dalla pietra angolare.

        È degno di attenzione che con le parole pronunciate dal Salvatore al litigante Pietro: allontanati da me, Satana! ( Matteo 16:23 ) – Non lo scomunicò, ma lo lasciò vicino a Sé. E non fu Gesù Cristo a scomunicare Giuda, ma Giuda stesso si allontanò per tornare a casa sua ( Atti 1:25 ).

        Così infinitamente alto e santo è l’esempio dato alla Chiesa dal suo Santissimo Fondatore. Come la Luce ha brillato nelle tenebre, e le tenebre non lo hanno abbracciato, ma solo la Luce ha disperso le tenebre!

        Ciò che il Signore Gesù Cristo insegnò durante tutta la Sua vita, lo insegnò anche a parole. Lui stesso è Luce ( Gv 8,12 ), ha chiamato luce gli apostoli ( Mt 5,14 ), e nella persona di loro e dei loro successori, i primati della Chiesa. Lui stesso è il Tuttosanto, così ha pregato prima delle sue sofferenze sia per i discepoli che per tutti i credenti… secondo le loro parole ( Gv 17,20 ): “ Santo Padre! Conservali nel tuo nome ( Giovanni 17:11 ), santificali mediante la tua verità; La tua parola è verità… ( Giovanni 17:17 ). E per loro consacro me stesso, affinché anch’essi siano santificati dalla verità ” ( Giovanni 17:19 ).

        Con queste parole il Signore Salvatore ha raffigurato la santità della Chiesa e il fondamento della sua santità: l’insegnamento rivelato di Dio, la sua preghiera, la sua sofferenza sulla croce, la grazia dello Spirito Santo, che ha promesso alla sua Chiesa, che le insegnerà ogni cosa e rimarrà in essa per sempre ( Giovanni 16:13 ).

        Quindi, la Chiesa è santa per la santità del suo stesso fondamento, e  nessuno può porre un fondamento diverso da quello posto, che è Gesù Cristo ( 1 Cor. 3:11 ; vedere:  Efesini 2:19-21 ).

        La Chiesa Apostolica rifletteva chiaramente in sé i tratti dell’immagine del suo Divino Fondatore, il Santo, senza peccato, ma misericordioso verso coloro che peccano e si pentono.

        Lo storico della chiesa Eusebio ha conservato un racconto toccante di come gli Apostoli trattavano il loro gregge. In particolare, scrive del santo apostolo Giovanni il Teologo, di come cercò il figlio morto (spirituale), che in sua assenza divenne il capo di una banda di ladri. Quando riconobbe l’Apostolo e fuggì dalla vergogna, lo stesso santo apostolo Giovanni lo inseguì il più velocemente possibile, dimenticando la sua vecchiaia: “Perché, figlio mio, scappi da me, tuo padre, un vecchio disarmato! ?” – Ha chiamato Apstol. Fermati, credi: Cristo mi ha mandato!” Udendo ciò, il capo dei ladri prima si fermò e abbassò gli occhi, poi gettò a terra l’arma, tremò e scoppiò in lacrime. L’anziano si avvicinò e lui, abbracciandolo, con un’espressione di grande dolore, cominciò a implorare perdono e si fece il segno della croce una seconda volta in lacrime, nascondendo solo la mano destra. Ma l’Apostolo garantì e giurò di aver chiesto perdono al Salvatore; lo pregò, cadde in ginocchio davanti a lui e, baciandogli la mano destra, come già purificato dal pentimento, lo trascinò di nuovo in Chiesa, offrendo per lui frequenti preghiere, conducendolo con sé in imprese di digiuno continuo e alimentando i suoi pensieri con varie istruzioni toccanti. Giovanni lo lasciò solo quando fu completamente restituito alla Chiesa e costituì così un esempio di vero pentimento, una grande prova di rinascita e un trofeo della risurrezione visibile (Storia Ecclesiastica di Eusebio, libro III, capitolo 23).

        E san Clemente guarda a tale materna condiscendenza della Santa Chiesa verso i penitenti non come una contraddizione con la santità della Chiesa, ma, al contrario, come una rivelazione di questa santità in una luce ancora maggiore, poiché il suo scopo è quello di condurre tutta l’umanità alla santificazione.

        Secondo la santità delle forze e dei mezzi datigli per raggiungere questo scopo, gli stessi Apostoli lo chiamarono Corpo di Cristo ( Rom. 12, 5. 1 Cor. 12, 12. Ef . 1, 23 ; 4, 12 ; 4, 16 ; 5, 30. Col. 1, 18 ; 1, 24 ; 2, 19 ); Sposa di Cristo ( Ef. 5:23 ; 5:32 ; 2 Cor. 11:2 ; Apoc. 19:7 ; 21:2 ; 22:17 ); il tempio e la casa di Dio ( 1 Pietro 2:5 ; Efesini 2:21–22 ).

        Poiché la Chiesa di Cristo conferisce santità ai suoi figli fedeli, membra del Corpo di Cristo, e nello stesso tempo li obbliga a condurre una vita pura e santa, coloro che credono in Cristo sono essi stessi chiamati dagli Apostoli popolo santo , o figli della luce ( Ef. 5:8-9 ), o luce , o santificati ( Atti 20, 32. 1 Cor. 6, 11. Eb . 2, 11 ; 10, 10 ; 10, 14 ; 10, 29 ) e ogni credente è tempio di Dio e  tempio dello Spirito Santo ( 1 Cor. 3, 16-17 ; 6, 19. 2 Cor. 6, 16 ), per la santità dei Sacramenti, ai quali i credenti sono partecipi, sono tenuti a vivere secondo i comandamenti di Cristo nell’amore e nella stessa mentalità. Così san Clemente, vescovo di Roma, descrive lo stato interiore di tutti i membri della Chiesa corinzia del suo tempo: «A tutti era concessa una pace profonda e meravigliosa e un desiderio insaziabile di fare il bene; ci fu un’effusione completa dello Spirito Santo su tutti. Siamo tutti umili, liberi dalla vanità e amiamo obbedire piuttosto che comandare e dare piuttosto che ricevere. In ogni cosa agivano con imparzialità, camminavano secondo i comandamenti di Dio, obbedendo ai capi… e dando il dovuto onore agli anziani”.

        Oppure è così che il filosofo ebreo Filone descrive l’elevata purezza e santità della vita dei cristiani egiziani, che furono oggetto di grande sorpresa e lode sia dei pagani che degli ebrei non credenti: “Loro (cioè i cristiani), dice, abbandonano ogni preoccupazione per ricchezze temporanee, non considerando nulla della terra come suo, a lui caro. Alcuni di loro lasciano le città, si stabiliscono in luoghi e giardini appartati, evitando di stare con persone che non sono d’accordo con loro nella vita, per non avere ostacoli nella virtù. Considerano l’astinenza e la mortificazione della carne l’unico fondamento su cui si può costruire una vita buona. Nessuno di loro mangia o beve prima di sera, e alcuni cominciano a mangiare solo il quarto giorno. Altri… nutrendosi del cibo spirituale del pensiero di Dio, dedicando tempo allo studio delle Scritture, dimenticano il cibo corporale fino al sesto giorno. Nessuno di loro beve vino e tutti non mangiano carne, aggiungendo solo sale e issopo (erbe amare: cipolla, aglio, ecc.) al pane e all’acqua. Tra loro vivono donne che si sono cresciute in una vita virtuosa e si sono talmente abituate ad essa da rimanere vergini fino alla vecchiaia. Ma preservano la verginità non con la forza, ma con il libero arbitrio, eccitati dalla gelosia e dall’amore per la saggezza, che li costringe a rinunciare ai piaceri corporali e a sforzarsi di acquisire una prole non mortale, ma immortale, che solo un’anima che ama e tende per Dio può dare alla luce… Si alzano presto per lodare Dio e pregare, per cantare e ascoltare la parola di Dio – separatamente uomini e separatamente donne. Il settimo giorno è tenuto in grande venerazione. Preparandosi per questo e per altre festività, aggravano l’impresa. Il servizio divino è svolto dai sacerdoti e dai diaconi, sui quali regna il vescovo” (San Demetrio di Rostov. Vite dei santi. Aprile. pp. 411–412).

        Quindi, per amore delle buone azioni e della vita santa dei credenti, la Chiesa di Cristo può essere esaltata, ma per amore della vita indegna solo di coloro che si definiscono cristiani, può essere insultata e blasfema; tuttavia, la stessa Chiesa di Cristo rimane incrollabilmente santa.

III. Articoli teologici

[III.2] Qual è la vera santità dei membri della Santa Chiesa

        La Chiesa di Cristo è santa e immacolata; esige santità anche dai suoi figli, membra del Corpo di Cristo.

        Gli apostoli chiamavano i credenti popolo di Dio, santi o figli della luce . Ma nel nostro desiderio di santità possono esserci molte ragioni per immaginarci giusti rispetto agli altri. Ecco perché fin dai primi secoli del cristianesimo sorsero molte eresie e scismi.

        Qual è la vera giustizia e la vera santità di un cristiano sulla terra?

        Innanzitutto è necessario non perdere mai di vista il fatto che, per quanto alta sia la vita dei figli fedeli della Chiesa, la santità della Chiesa non si fonda sulla loro rettitudine. Non può basarsi su di essa semplicemente perché tutta la rettitudine umana è instabile, instabile e instabile in sé. In questa santità umana c’è un grandissimo pericolo di arroganza e arroganza. Non è un caso che proprio all’inizio del cristianesimo, per tutti i secoli successivi e per i figli della Sua Santa Chiesa, il Signore stesso abbia dato un’indicazione di questa estrema debolezza della natura umana nella persona del Supremo Apostolo Pietro. “ Tu sei Pietro (la roccia)”, gli disse Cristo, “ e su questa roccia (cioè sulla sua confessione) edificherò la mia Chiesa… e ti darò le chiavi del Regno dei Cieli ” ( Matteo 16:18–19 ). E in quella notte memorabile, quando il Salvatore avvertì i discepoli: “ Sarete tutti scandalizzati a causa mia ”, Pietro contraddisse: “ Anche se tutti si offendono, ma non io ” ( Marco 14:27, 29 ). E quanto più Cristo confutava, tanto più il discepolo contraddiceva: “ Anche se dovessi morire con te, non ti rinnegherò ” (Marco 14:31). Allora Colui che creò la Chiesa sulla confessione di Pietro e la protesse così tanto che innumerevoli pericoli e morti non la superarono, privò colui che discuteva con il Suo aiuto, perché in lui era forte la passione dell’orgoglio e della contraddizione; privato e… una paura incommensurabile assalì Pietro: negò, e giurò, e giurò di non conoscere quest’uomo ( Matteo 26:72 ). Così debole è una persona lasciata a se stessa.

        E i santi Apostoli, predicando la perfetta santità della Chiesa e chiamando i credenti a una vita simile a Dio, allo stesso tempo dicevano più chiaramente di ogni altra cosa che nella vita reale non esiste la perfezione completa, anche nei migliori membri della Chiesa. Chiesa ( Fil. 3, 12. 1 Tim. 1, 15 ), e denunciava l’ipocrisia di coloro che pretendevano di credersi giusti: “ Se diciamo che siamo senza peccato, inganniamo noi stessi e la verità non è in noi ” ( 1 Giovanni 1:8 ).

        Quindi, la santità della Santa Chiesa non si basa sull’altezza e sulla purezza di vita dei membri della Chiesa, sebbene per amore delle buone azioni dei suoi figli possa essere esaltata e glorificata, come San Clemente di Roma e di questo parlano altri scrittori della Chiesa, testimoniando la vita dei cristiani del loro tempo.

        Lo scopo stesso della Chiesa – santificare e condurre alla perfezione – presuppone necessariamente l’imperfezione di coloro che da essa sono guidati, perché la perfezione completa e la santità non hanno più bisogno della santificazione e  non necessitano della salute del medico, ma dei malati ( Matteo 9:12 ). Secondo le Sacre Scritture, la santità perfetta risiede solo in Cielo, dove si trova il Dio Santo e Santissimo, la cui santità è cantata dai santi Serafini; sulla terra ci sono solo peccatori, ma o sono santificati o rimangono senza santificazione. E la santificazione e la purificazione di una persona si realizzano solo perché Dio stesso la lava e la santifica, manda il Suo Spirito Santo, che può venire e dimorare, o può ritirarsi, e poi venire di nuovo. Allo stesso tempo, la purezza acquisita da una persona non è la purezza perfetta, ma principalmente il desiderio di essa, la santificazione di se stessi per servire Dio e paragonarlo al proprio Prototipo Infinito.

        La perfezione stessa dell’uomo non avviene tutta in una volta, ma gradualmente, con l’estrema condiscendenza di Dio, a poco a poco, impercettibilmente, come cresce un chicco, poi uno stelo, e solo col tempo diventa un albero. Nel secolo attuale, l’anima del credente cristiano cerca solo Cristo, ma non sempre lo trova; e nel cammino della sua tensione verso di Lui, sopporta tentazioni e sofferenze, interne ed esterne, tra i nemici della salvezza che la circondano, tra le proprie malattie e debolezze derivanti dal peccato innato dell’uomo. Lungo questo percorso potrebbero esserci ritiri e cadute. Anche ad alti livelli di perfezione, anche dopo aver ricevuto molti e straordinari doni di grazia (miracoli), è possibile una caduta profonda.

        Ciò è misteriosamente raffigurato dal profeta Ezechiele, che parla a nome di Dio: “ E io passai accanto a te e ti vidi… Ti lavai con acqua… E ti vestii con abiti e ti misi i polsi sulle mani. e una collana al collo… e orecchini agli orecchi… Hai mangiato pane di fior di farina di frumento, miele e olio… E la tua gloria si è diffusa tra le nazioni… Ma hai confidato nella tua bellezza e , approfittando della tua gloria, cominciò a commettere fornicazione ” ( Ez 16,8–15 ).

        E il divino Apostolo dice: “ Io pacifico e servo il mio corpo, affinché, mentre predico agli altri, io stesso non rimanga indegno ” ( 1 Cor. 9:27 ). “Vedi”, dice il monaco Macario, “che paura aveva, essendo l’apostolo di Dio”. «Pertanto», prosegue il santo padre, «se vedete che qualcuno è superbo perché partecipe della grazia, allora anche se ha compiuto segni e ha risuscitato i morti, ma se non riconosce la sua anima come disonesta e umiliata e se stesso come basso e vile nello spirito… (ma al contrario) dice: sono ricco, ho abbastanza e quello che ho acquisito non mi serve più, allora una persona del genere non è un cristiano, ma un vaso di illusione e il diavolo.”

        Grande è la misericordia, la condiscendenza e la longanimità di Dio verso i peccatori, così grande che non spezzerà una canna rotta e non spegnerà il lucignolo fumante ( Matteo 12:20 ). Il pentimento viene instillato in ognuno e in ognuno per conto di Dio stesso e viene dimostrata la possibilità di correzione, ma per attirare la grazia purificatrice e santificante di Dio, ciò che è richiesto a una persona non è la sua giustizia, ma solo un sacrificio – contrizione dello spirito, un umile volgere gli occhi all’Agnello di Dio, che toglie i peccati del mondo, e non nella coscienza della propria purezza, ma nella coscienza della propria peccaminosità, nel senso vivo del bisogno per la redenzione e nella fede in Cristo. L’umiltà, l’umiliazione, la contrizione per i peccati, la coscienza della propria impotenza a liberarsene con le proprie forze: questa è la perfezione dei santi della Chiesa di Cristo, questo è lo spirito della Chiesa del Nuovo Testamento. L’apostolo Giacomo era santo e giusto quando disse: “ Poiché pecchiamo molte volte ” ( Giacomo 3:2 ).

        Quindi, la santità della Chiesa è elevata, esige la perfezione morale dei suoi membri, e l’unica porta che conduce alla Chiesa di Cristo è il pentimento. L’unica condizione per la santificazione e il perfezionamento di una persona in esso è il pentimento.

        Ogni peccato, qualunque esso sia, è essenzialmente l’allontanamento dell’uomo dal corpo della Chiesa che lo santifica, e il suo ritorno nel suo seno si ottiene solo attraverso il pentimento sincero. Pertanto il sacerdote, dopo aver accettato la confessione del penitente, legge la preghiera: “Riconcilialo e uniscilo alla tua Santa Chiesa”.

        Questo è il motivo per cui i pastori della Chiesa sono stati nominati, per servire costantemente la perfezione dei santi attraverso il loro pentimento e quindi edificare il Corpo di Cristo ( Efesini 4:12 ), e questa creazione non avviene all’improvviso.

        Compito di ogni cristiano è usare ogni sforzo, ogni mezzo per creare la salvezza non solo per se stesso, ma anche per gli altri, ammonendo i disordinati, confortando i deboli, sostenendo i deboli, magnanimo verso tutti, ma anche costantemente vigilando affinché lui stesso non cada. E per non venire meno, è necessario ricordarsi che non c’è perfezione in questa epoca, è un tesoro desiderato, ma non del tutto posseduto, e le membra del Corpo di Cristo sono sante solo perché sono costantemente santificato da Dio attraverso la Chiesa.

        C’è un peccato che porta alla morte ( 1 Giovanni 5:16 ) – questa è impenitenza, testardaggine, disobbedienza alla Chiesa, abbandono della santità dei suoi insegnamenti, leggi e sacramenti. Tuttavia, coloro che sono infettati da tali peccati non impediscono minimamente alla Chiesa di rimanere santa, perché essi stessi se ne allontanano, come membra marce, come rami secchi di una vite forte e feconda.

        La Chiesa può anche adottare misure severe contro quei suoi membri che si rivelano amareggiati, testardi, increduli e calunniatori della via del Signore. Lo stesso hanno fatto gli Apostoli, ma in questo rigore della Chiesa c’è uno spirito di amore che cerca la salvezza di tutti e di tutti, e non uno spirito di divisione; lo spirito di ammonizione, come fratelli e non come nemici. In questi provvedimenti non c’è timore per la santità della Chiesa, poiché nessun confronto può scuoterla e nessuna indegnità di nessuno può profanarne la veste luminosa. Il solido fondamento di Dio sta in piedi, avendo questo sigillo: “Il Signore conosce quelli che sono suoi” ( 2 Tim. 2:19 ). Il Signore conosce i Suoi e, oltre al tribunale visibile delle autorità ecclesiastiche, con l’azione invisibile del Suo tribunale separa dalla Santa Chiesa coloro che non sono Suoi. Ci hanno lasciato, ma non erano nostri ( 1 Giovanni 2:19 ). Un eretico si autocondanna ( Tito 3:11 ). Ricordiamo il terribile destino di Ario.

        Tale è l’alto concetto della Chiesa come Corpo di Cristo, della Chiesa che il Signore ha acquisito con il suo sangue onesto , e tale è la perfezione dei santi membri della Chiesa sulla terra creata attraverso il pentimento continuo fino all’ultimo respiro.

        Questo insegnamento ortodosso sulla Chiesa è alla base sia del tempio che della chiesa come edificio. La costruzione di un tempio, di una chiesa, con il suo aspetto esteriore, la sua struttura interna, e tutti i suoi oggetti e ordini, esprime l’essenza spirituale della Chiesa di Cristo, Santa, Pura, Sposa di Cristo. Quindi, tutti gli oggetti e tutto ciò che il tempio possiede sono santi, onorevoli, venerabili, sacri, profondamente significativi, saggi.

        Ma coloro che vengono a servire la Chiesa di Dio nel tempio, pur essendo costantemente tra gli utensili e i rituali sacri del tempio (che sia l’ultimo di coloro che servono il tempio), non bisogna dimenticare che una persona è molto inclini ad abituarsi a tutto (anche al trono), e allo stesso tempo tutto è possibile trasformare ciò che è più sacro in una forma esteriore arida e perdere il rispetto per la santità della casa di Dio, che è un simbolo, un segno esterno della Chiesa, che è il Corpo di Cristo, colonna e fondamento della verità ( 1 Tim. 3:15 ). Ciò avverrà quando verrà meno lo spirito della Chiesa ortodossa, lo spirito di cui sopra, cioè la coscienza e il sentimento della propria più grande indegnità, quel sentimento vivo della propria indegnità, che solo dà a ciascuno l’opportunità e il diritto di appartenere alla Chiesa ortodossa. Chiesa – Corpo di Cristo.

        Ognuno stia attento a non cadere , perché il principe di questo mondo, sebbene sia condannato, fino a un certo momento va attorno come un leone ruggente cercando chi da divorare ( 1 Pt 5,8 ).

        Quindi, il tempio di Dio come edificio è santo per la santità di ciò di cui è un simbolo, per la santità di ciò che custodisce (ad esempio, i Santi Misteri – il Corpo e il Sangue di Cristo, il Vangelo).

        La costruzione del tempio è sempre stata considerata una questione sacra; Segni speciali del favore di Dio furono mostrati più di una volta per l’opera di costruzione delle chiese. La Chiesa prega soprattutto per i benefattori e gli abbellitori delle chiese. Eppure, con il permesso di Dio, l’edificio del tempio può essere distrutto. Tuttavia, questa distruzione del tempio visibile non distrugge la Chiesa di Dio – il Corpo di Cristo: resisterà e le stesse porte dell’inferno non prevarranno contro di essa.

        La Chiesa di Cristo non è un’organizzazione umana, sebbene abbia un’organizzazione esterna e un governo esterno, la Chiesa – Corpo di Cristo è l’organismo di Cristo. Qualsiasi organizzazione umana può essere scossa e distrutta, ma è impossibile distruggere il corpo di Cristo. Tempi duri per la Chiesa, tempi di persecuzione e di oppressione hanno solo contribuito e continueranno a contribuire alla sua purificazione, rinnovamento e rafforzamento. Inoltre, a tutti i veri membri del Corpo di Cristo viene detto una volta per tutte: chi ti tocca, tocca la pupilla dei suoi occhi ( Zaccaria 2:8 ).

III. Articoli teologici

[III.3] Vista spirituale

        Come comprendere la visione spirituale?

        La visione spirituale di per sé è inspiegabile. Il mondo spirituale non ha nulla in comune con la nostra realtà. Non si presta alla solita comprensione e percezione di una persona carnale o spirituale.

        Solo una persona vivente può vedere. L’uomo carnale, i cui pensieri, sentimenti e aspirazioni sono mirati solo a creare benessere terreno e compiacere la carne, è morto nel regno spirituale; gli è estraneo ed egli ne è cieco. In una persona spirituale, gli occhi della mente (spirito) sono offuscati dai sentimenti irrequieti del cuore e dalle immagini estreme del pensiero. Quasi tutti noi, e soprattutto gli artisti, pensiamo per immagini del mondo terreno, mescolate con la fantasia, e siamo tutti trasportati dal vortice dei sentimenti e dei desideri più sinceri, e tutto questo, come una cortina di fumo, oscura l’immaterialità degli altri. esistenza da noi. Se il mondo spirituale è visibile, viene visto in modo confuso, debole e distorto. Pertanto, né una persona carnale né spirituale può penetrare in quest’area misteriosa, tanto meno può trarne immagini per la sua creatività.

        Nel frattempo, l’arte si basa sulla visione. E se un artista comune, per rappresentare qualcosa, deve prima imparare a vedere, allora coloro che si occupano dell’arte ecclesiastica, del sublime spirituale, devono acquisire una visione in quest’area. E per vedere chiaramente, è necessario rivivere in esso, sentire la sua realtà, respirare la sua aria (preghiera), sentire la sua pace e imparzialità, lasciarsi affascinare dalla bellezza della sua purezza, dalla gioia di stare riverenti davanti al Volto. di Dio.

        Il Vangelo dice: “ Coloro che sono puri di cuore vedranno Dio ” ( Mt 5,8 ). Un cuore puro è un cuore umile. Il più alto esempio di umiltà e purezza ci è stato dato dal Signore Gesù Cristo stesso, e tutti sono chiamati a seguirlo. Raggiungere questa purezza di cuore è una questione di vita e di esperienza spirituale. Questo non può essere imparato dalle parole o dai libri. Pertanto non si può insegnare la visione spirituale. Viene donato non solo a chi vive una vita spirituale, ma anche a chi ha già raggiunto la purezza di cuore; dato come dono di Dio e non a tutti allo stesso modo.

        La storia della Santa Chiesa dai primi giorni della Chiesa di Cristo fino ai giorni nostri è piena di esempi di meravigliosa illuminazione della visione spirituale. La Venerabile Maria d’Egitto, che non aveva mai visto il Venerabile Zosima, lo chiamò per nome, annunciò il suo santo rango e poi gli ordinò di dire all’abate del suo monastero di dare un’occhiata più da vicino a se stesso e ai fratelli, perché loro hanno bisogno di correggersi in molti modi. Anche loro erano asceti, ma, a quanto pare, non notavano molto di se stessi.

        Il monaco Andrea, uno sciocco per amor di Cristo, che vide la protezione della Madre di Dio nella chiesa delle Blacherne, incontrò nel mercato cittadino un monaco, che tutti lodarono per la sua vita virtuosa, al quale confessarono i loro peccati e diedero molto d’oro da distribuire ai poveri. Passandogli accanto, il monaco Andrea vide che un terribile serpente era attorcigliato attorno a lui, e sopra, nell’aria, lesse l’iscrizione in lettere nere: “La radice di ogni illegalità è il serpente dell’amore per il denaro”. Il monaco non vide né sentì la sua disgrazia.

        Il monaco Sergio, seduto a pranzo con i fratelli, si alzò improvvisamente e si inchinò silenziosamente a terra davanti a Santo Stefano di Perm, che in quel momento era diretto a Mosca, che non ebbe il tempo di fermarsi al monastero di Sergio e benedisse il Rev. e i suoi fratelli da lontano. I discepoli appresero solo più tardi dal loro santo abate il motivo del suo gesto. L’anziano Ambrogio di Optina trattenne per tre giorni il mercante che era in visita a lui, sebbene avesse fretta di tornare a casa per affari, e poi, liberandolo, gli comandò di ringraziare Dio nel tempo per la sua misericordia nei suoi confronti. E solo pochi anni dopo, dopo la morte dell’anziano, si scoprì che poi il mercante era stato aggredito per strada da assassini per tre giorni.

        Anche i bambini che non sono stati viziati da una cattiva educazione o da una cattiva compagnia, per la purezza del loro cuore, talvolta sono in grado di vedere ciò che è nascosto. L’anziano Hieroschemamonk Gabriel ha detto che durante l’infanzia ha visto cosa stava succedendo lontano e ciò che gli altri non potevano vedere. Le sue storie spaventavano sua madre, una contadina semplice ma profondamente religiosa. Lo ha avvertito e gli ha chiesto di non entrare in questo. Nel corso degli anni, questa capacità scomparve da lui e riemerse quando divenne un ieroschemamonaco. Percepiva i pensieri umani come una conversazione aperta, vedeva ciò che stava accadendo a distanza ed era onorato di vedere i defunti e i santi di Dio. L’anziano si rese conto che una persona ha la capacità di vedere il più intimo solo con la purezza del suo cuore. Raccontando qualcosa al riguardo, diceva con tenerezza: «Veramente è vera la parola di Cristo: coloro che sono puri di cuore vedranno Dio , e non solo Dio, ma in Dio vedranno tutte le cose nascoste di questo mondo».

        Tale illuminazione della visione spirituale è concessa a coloro che sono zelanti per la purezza del cuore alla fine della lotta con se stessi e con il nemico del genere umano.

        Ma la visione spirituale ha molti gradi.

        Attraverso la sequela attiva di Cristo, attraverso la preghiera, con un’attenzione concentrata a tutto ciò che una persona fa, dice e pensa, di giorno in giorno, di anno in anno, poco a poco, l’esperienza spirituale si accumula impercettibilmente. Senza tale esperienza personale, il mondo spirituale è incomprensibile. Puoi filosofarci sopra, leggerne, ragionarci sopra ed essere morto e cieco. E se la direzione del percorso viene presa nella giusta direzione, allora una persona, prima di tutto, inizierà a vedere i suoi difetti, i suoi errori, il suo vero volto senza abbellimenti. Vedrà anche il percorso che sta seguendo, dove sono i pericoli e come evitarli, ecc. Questo è l’inizio dell’illuminazione della visione spirituale. Preghiamo costantemente per lui nelle preghiere del mattino e della sera, nei servizi divini, nel Salterio, negli akathisti e in altre preghiere. “Preghiamo per la tua incommensurabile bontà: illumina i nostri pensieri, risveglia i nostri capelli e la nostra mente dal sonno pesante della pigrizia” (Preghiere del mattino). “Lei che ha generato la luce non serale, illumina l’anima mia cieca” (Preghiere del mattino). “Illumina i miei occhi, o Cristo Dio, affinché non mi addormenti nella morte” (Preghiere della sera). “Gesù, mia luce, illuminami” (Akathist al Salvatore). “Cristo, vera Luce, illumina e santifica ogni uomo…”, ecc. (Preghiera della 1a ora).

        Tutto ciò che accade nella nostra vita: dolori, malattie, passioni mentali e fisiche, persino una caduta, ci è permesso in modo che non in teoria, ma per esperienza, tutti conoscano la loro profonda debolezza. Conoscendo noi stessi, ci umiliamo, man mano che progrediamo nell’umiltà ci purifichiamo e attraverso il pentimento attiriamo la grazia di Dio, che guarisce la cecità spirituale e dona la vista agli occhi spirituali. Senza tale visione, almeno iniziale, del regno spirituale, cosa può dare una persona estranea a questa vita nella sua arte? L’immagine che crea non corrisponderà a ciò che osa esprimere con la pittura.

        “Quando qualcuno vuole”, dice il monaco Simeone il Nuovo Teologo, “parlare di una casa, o di un campo, o di un palazzo reale… bisogna vedere in anticipo e guardare bene tutto questo e poi parlarne. con cognizione di causa. Chi può dire qualcosa da solo su un oggetto che non ha mai visto prima? Se in questo modo nessuno può dire nulla di vero del visibile e del terreno senza vederlo con i propri occhi, come si può dire e annunciare nulla di Dio, delle cose divine e dei santi di Dio, cioè quale comunione con Dio sono onorati i santi?che razza di conoscenza di Dio è questa che avviene in loro e che produce effetti inspiegabili nei loro cuori; Come puoi dire qualcosa al riguardo a qualcuno che non è illuminato in anticipo dalla luce della conoscenza?

        Pertanto, il VII Concilio Ecumenico, i cui atti sono stati dedicati all’istituzione della pittura di icone, riconosce i santi padri della Chiesa come veri pittori di icone. Creano arte perché hanno seguito il Vangelo con esperienza, hanno occhi spirituali illuminati e possono contemplare cosa e come dovrebbe essere raffigurato su un’icona. Coloro che possiedono solo un pennello sono artisti, maestri di questo mestiere, artigiani o pittori di icone, come venivano chiamati nella nostra Rus’.

        “La pittura di icone non è stata affatto inventata dai pittori. Il pittore possiede il lato tecnico della questione. La pittura di icone è un’invenzione e una tradizione dei santi padri, non dei pittori. Questi stessi divini padri, che maestri… dichiararono il mistero della nostra salvezza, lo rappresentarono nelle chiese oneste, usando l’arte dei pittori” (VII Concilio Ecumenico, Atto 6).

        Quindi, ripeto, la visione spirituale è un dono di Dio, e di per sé è inspiegabile. C’è “oscurità” qui, come dicono i santi padri. C’è un’espressione: “Entrò nell’oscurità delle visioni”. Nel primo irmos del canone del Giorno della Santissima Trinità si canta: “L’ oscurità divinamente velata dalla lingua lenta , la contorta legge scritta da Dio, perché il fango è stato scosso dalla mente del saggio, Egli vede il Essere…” La mente è lo spirito. Il fango qui molto probabilmente non è un peccato, perché il peccato copre gli occhi spirituali (intelligenti), come un blocco di pietra impenetrabile, ma il fango qui può essere il nostro sogno ad occhi aperti, immagini di pensiero, che annebbiano gli occhi intelligenti e spirituali. La mente deve essere coperta di “oscurità” (“Scala”), cioè inspiegabile anche nel linguaggio dei santi padri , l’umiltà deve essere purificata dalle immagini del mondo materiale, e poi i suoi occhi spirituali possono cominciare a vedere, ma ancora una volta non da soli, ma attraverso il tocco delle dita divine.

        Tuttavia, non si dovrebbe pensare che chi ha ricevuto questo dono sia in grado di vedere i segreti nascosti con la stessa libertà con cui, ad esempio, vediamo il mondo che ci circonda con una visione esterna. Per illuminazione spirituale della visione dobbiamo intendere una sensibilità speciale, la capacità di un cuore contrito e umile di percepire ciò che Dio si compiacerà di rivelare all’uomo. “Ci sono visioni celestiali nelle anime umili”, dice “La Scala”. Ciò è confermato da esempi tratti dalla Sacra Scrittura e dalle Vite dei Santi. Quando la donna Shunamita, addolorata per la morte di suo figlio, si gettò ai piedi del profeta Eliseo, e il suo discepolo voleva allontanarla, il profeta lo trattenne, dicendo: “ Lasciala, la sua anima è addolorata, e il Signore si è nascosto da me e non mi ha detto …” il suo dolore ( 2 Re 4:27 ).

        A tale visione spirituale si applica il nome di contemplazione di ciò che è rivelato dalla volontà di Dio . Una di queste visioni e rivelazioni è un’icona antica, unica nelle belle arti di tutti i tempi e di tutti i popoli.

        Pertanto, il compito di sviluppare la visione esterna e insegnare come rappresentare ciò che si vede viene assunto e insegnato dalle scuole d’arte. La capacità di rappresentare ciò che è compreso dalla visione mentale e dagli altri sensi è una conquista dell’artista, dato il suo duro lavoro e il suo talento.

        La visione spirituale, penetrando nel mondo divino, non può essere né appresa spontaneamente né insegnata. Può essere osservato attraverso il contatto con un’icona antica, se ci si avvicina non superficialmente, ma profondamente, con attenzione e attenzione, dal punto di vista proprio (chiesiale); Puoi esserne sorpreso ed essere convinto della sua veridicità e autenticità, ma è impossibile compiacersi arbitrariamente del dono di Dio.

III. Articoli teologici

[III.4] L’icona è la teologia in immagine

        Un’icona è “teologia in un’immagine”, e per vederlo, diamo un’occhiata alla rappresentazione della Resurrezione di Cristo in una pittura realistica e su un’icona antica. Quasi tutti gli artisti realisti, raffigurando questo evento, mostrano il momento in cui il corpo incorruttibile di Cristo risorse dalla tomba. Tutti scrivono il Salvatore nei sudari bianchi in cui fu sepolto, anche se sappiamo tutti che questo sudario rimase nella tomba come testimone del glorioso miracolo ( Giovanni 20:6-7 ) e il corpo risorto di Cristo non hanno bisogno di indumenti terreni. Raffigura uno o due angeli; a volte viene scritto come rotolare o rotolare via la pietra che copriva l’ingresso della grotta della tomba, il che instilla un concetto molto primitivo, ingenuo e falso secondo cui il Salvatore Risorto non avrebbe potuto lasciare la grotta senza questo. Le opzioni più comuni sono “La risurrezione di Cristo” dell’artista tedesco Plockhorst e M.V. Nesterov, che in generale ripetono le tradizioni consolidate in questa immagine.

        L’antichità di un’immagine del genere non lo sa. Sulle icone antiche, così come sui murali (negli affreschi), fino al XVII secolo scrivevano “La discesa di Cristo Salvatore agli inferi” e l’iscrizione era “La risurrezione di Cristo”. La domanda è: perché c’è una tale discrepanza?

        Come si è detto prima, un’icona è la teologia in un’immagine, mentre la vera teologia si fonda sull’esperienza spirituale dei padri e dei maestri della Chiesa. Cosa ci dice la loro esperienza spirituale?

        Il Venerabile Simeone il Nuovo Teologo scrive che molti credono nella risurrezione di Cristo, ma sono pochi quelli che lo percepiscono puramente. L’inno sacro dice: “Avendo visto la risurrezione di Cristo”, non credi, ma cosa? “ Vedendo la risurrezione di Cristo , adoriamo il santo Signore Gesù, l’unico senza peccato”. Come hai visto quando Cristo è risorto 2000 anni fa, e anche allora nessuno ha visto come è risorto? Intanto la Chiesa ci ha lasciato in eredità il compito di proclamare con queste parole la verità perfetta.

        L’uomo nella sua caduta, avendo perso l’unità con Dio, è diventato morto nell’anima, sebbene per sua natura la sua anima sia rimasta immortale. Come il corpo, quando l’anima ne esce, non si dice più vivo e non può vivere, così l’anima, quando la grazia di Dio, che costituisce l’anima dell’anima, l’ha lasciata, ha già perso la capacità di vivere da solo, è diventato morto, cieco e insensibile. Il corpo morto immediatamente si decompone e decade, e così cominciò la corruzione nell’anima morta, i vermi si moltiplicarono: malizia, ira, invidia, malizia della memoria, pigrizia, inimicizia, odio, ogni sorta di concupiscenze della carne, amore del denaro, avarizia, ecc. . Ma la cosa peggiore è che tutte queste numerose e gravi malattie dell’anima erano coperte da uno spesso velo di orgoglio e arroganza, che accecava così tanto la persona da farle perdere la capacità di vedere se stessa. Ingannato, non riesce nemmeno a capire di essere tra coloro che stanno morendo; non sentendo il suo cattivo stato, crede che per lui vada tutto bene e non si preoccupa affatto della salute della sua anima. È così insensibile che se qualcuno cominciasse ad accusarlo di qualcosa, risponderebbe con coraggio che non vede nulla del genere in se stesso, contraddirebbe e allontanerebbe l’accusatore, anche se fosse un angelo dal cielo.

        Non si può dire che queste persone siano calme e felici, al contrario, sono profondamente infelici: sono in se stesse, come all’inferno, a causa delle concupiscenze che combattono nelle loro membra. Essi “desiderano e non hanno; uccidono e invidiano – e non possono ottenere; litigi e litigi…” ( Giacomo 4:2 ), ma nonostante tutto non capiscono se stessi e la loro sventura. Tali persone, se si sforzano nei digiuni, nelle preghiere, nelle veglie, di donare tutti i loro beni ai poveri, per piacere a Dio, non riceveranno alcun beneficio dalle loro fatiche; anzi, finiranno in una condizione ancora peggiore. ; il loro orgoglio si rafforzerà, il loro fariseo interiore crescerà. Non c’è peccato che ecceda la misericordia di Dio, eccetto il peccato impenitente, ma l’autoillusione non consente il pentimento; il peccatore non vede il suo peccato. Vedere e sentire sono una proprietà naturale dei vivi, quindi chi non ha questo è morto. Finché una persona è così, è incurabile; Dio Onnipotente stesso non può salvare una persona del genere, nonostante tutto ciò che vuole salvarla. Piangere uno stato decente. È necessario gridare a Dio affinché tolga la cecità delle nostre anime, e gridare con tutta l’Anima, chiedere, cercare, spingere, affinché il Signore accolga la nostra preghiera, ci faccia sentire l’amarezza della schiavitù, l’oscurità della prigione, il peso delle catene. Una richiesta sincera non viene mai respinta; il peccatore comincia a vedere chiaramente, a vedere la sua condizione, ad arrivare al pentimento e alla contrizione sincera. Se rimane in questa disposizione dell’anima, a poco a poco raggiungerà quel livello in cui vedrà tutta la sua distruzione, tutta la sua impotenza e corruzione, e comincerà a vedere tutte le persone, dalle piccole alle grandi, come incomparabilmente superiori a lui, anche santi, e non solo virtuosi, ma anche coloro che peccano apertamente. Questa è l’umiltà amante di Dio e la contrizione del cuore, che ha costretto sia i grandi che i più grandi santi a dire: “Tutti saranno salvati, io solo perirò”, ma allo stesso tempo non c’era posto per la disperazione, ma c’era speranza piena nell’infinita misericordia di Dio, che salva il pentito.

        Tale contrizione e umiltà sono quell’unico sacrificio che Dio non disprezzerà ; questo è il sacrificio per il quale non esiste più alcun peccato che vince l’amore di Dio per l’umanità; questo è qualcosa senza il quale né l’elemosina, né una fede forte, né il ritiro dal mondo, e nemmeno l’impresa del martirio possono essere gradite a Dio. Questo è il sacrificio mediante il quale non solo i peccatori, ma anche i giusti, e i santi, i puri di cuore (un cuore contrito è un cuore puro), e tutti i santi, guidati dalla Purissima e Beata Vergine Maria, sono stati salvati, vengono salvati e saranno salvati. Il profumo di questo puro sacrificio, il più umile degli esseri terreni, come la chiamavano i santi padri, salì al trono di Dio e portò sulla terra il Re dell’umiltà, l’Unigenito Figlio di Dio. Dobbiamo dunque, secondo la parola del Santo Padre, cercare in ogni modo quell’unica via sulla quale si edifica questo cuore contrito e umile, affinché possa gridare, come dal ventre dell’inferno, invocando Dio: il quale un giorno discese negli inferi della terra, per venire a noi e liberarci. Quando l’anima entra in un tale pentimento e umiltà come nella tomba, Cristo stesso discende dal Cielo, entra in una persona come nella tomba e come nell’inferno, si unisce alla sua anima, la resuscita, che era nella morte.

        La risurrezione dell’anima è la sua riunificazione con Cristo, che è veramente Vita Eterna. E non appena l’anima si unirà a Dio e, così, sarà resuscitata dalla potenza di Cristo, sarà degna di vedere mentalmente e misteriosamente la risurrezione economica di Cristo e cantare correttamente la canzone “Dopo aver visto la risurrezione di Cristo, adorare il santo Signore Gesù”. Questa è la risurrezione dell’anima, che avviene anche in questa vita prima della Resurrezione generale dei corpi, è la liberazione per la quale Dio e il Padre hanno dato suo Figlio, affinché chiunque crede in Lui non muoia, ma abbia Vita eterna. La risurrezione e la gloria di Cristo è la nostra stessa risurrezione, compiuta da Lui. Cristo non è mai cambiato nella Sua gloria. Glorificatissimo e supremo di ogni principio, potenza e forza, Egli diminuì, morì, risuscitò e fu glorificato per riprodurre in noi ciò che più tardi si era realizzato sul Suo volto e così salvarci. I frutti della risurrezione dell’anima in Cristo sono l’amore, la gioia, la pace, la pazienza , ecc. ( Galati 5:22 ). Questo è il significato duraturo e il mistero della risurrezione di Cristo, che avviene misteriosamente, invisibilmente in noi se lo desideriamo; risurrezione, che può avvenire ogni giorno e ogni ora (dalle Parole di San Simeone il Nuovo Teologo).

        Questa verità è il frutto dell’esperienza spirituale della vita in Cristo. L’insegnamento al riguardo (verità), sparso nelle opere patristiche, non accessibile a tutti, fu espresso dalla mente illuminata da Dio dei santi padri nell’icona che chiamarono “La risurrezione di Cristo”. Su di esso, Cristo risorto, splendente delle vesti della gloria, tende la mano verso l’Adamo caduto e nel suo volto verso l’intera umanità, e rialza coloro che sono nei sepolcri del peccato, della morte e dell’inferno, per il peccato, la morte e l’inferno. l’inferno è la separazione da Dio. Cristo si unisce a noi, donando la vita con la sua risurrezione, e non solo quando discese negli inferi, ma costantemente, fino ad oggi, fino alla fine dei tempi (Reverendo Simeone il Nuovo Teologo).

        Ma prima di poter risorgere in Cristo, devi gridare a Lui per chiedere aiuto: prima di gridare, devi vedere la tua distruzione. Per questo la Santa Chiesa ripete tante volte durante tutta la Santa Pentecoste: “Concedimi di vedere i miei peccati”, “Ho gridato con tutto il cuore al Dio generoso e mi ha esaudito dagli inferi, e ho sollevato il mio ventre dagli afidi”, “non esaurire i frutti degni di pentimento”. da me, perché la mia forza dentro di me viene meno; Concedimi un cuore sempre contrito e una povertà spirituale, affinché possa offrire questa a Te, come sacrificio gradito, unico Salvatore” (Grande Canone).

        Non è immediatamente e non presto che una persona arriva alla conoscenza di sé. A volte ci vuole una vita per raggiungere questo obiettivo. A questo scopo sono consentite malattie, dolori, difficoltà, passioni mentali e fisiche, persino la caduta, affinché non in teoria, ma per esperienza, una persona veda la sua profonda corruzione e si umili.

        Una certa asceta del XIX secolo, la badessa Arsenia, all’inizio del suo cammino monastico, chiese alla madre-mentore: “Dove sono?”, cioè quanto sono vicina a Cristo? Lei le rispose: “Non sei da nessuna parte, perché non vedi la tua morte”.

        Per 5000 anni il Signore ha aspettato che l’umanità fosse completamente convinta della sua completa impotenza, per uscire dalla distruzione a cui l’aveva portata l’allontanamento da Dio e avesse sete del Liberatore. Dalle parole di San Simeone il Nuovo Teologo, diventa chiaro che nell’antica icona “La Resurrezione di Cristo” si esprime nell’immagine la cara aspirazione di ogni anima credente; Lo scopo ultimo della vita terrena di ogni persona è la riunificazione di lui, il caduto, con Dio. Il monaco indica anche l’unico vero percorso verso questo obiettivo.

        Pertanto, l’icona porta con sé la profondità della teologia; è strettamente connesso con il culto. Il Sabato Santo, durante la liturgia di San Basilio Magno, dopo aver letto i proverbi e l’Apostolo, invece del consueto “Alleluia” prima della lettura del Vangelo, si sente una forte esclamazione: “Alzati, o Dio, giudica la terra, perché Hai ereditato tra tutte le nazioni!” Cos’è questo se non un appello accorato al Datore della vita, che in questo giorno discese una volta agli inferi, affinché discendesse fino a noi, nella nostra anima, e risorgesse in noi? E nel solenne servizio pasquale, al Mattutino, dopo il sesto canto del canone, seguito da un festoso kontakion, che termina con le parole “Concedi la risurrezione ai caduti”, sentiamo alla fine dell’ikos (“Anche davanti al sole …”) il grido lacrimoso dell’anima cristiana: “Oh Maestro, alzati, dona ai caduti la risurrezione”. Perché “risorgere” quando Lui è già risorto, quando la sua gloriosa Risurrezione è già cantata con gioia da tutta la Chiesa, terrena e celeste? Sì, è risorto, ma è risorto in noi?…

III. Articoli teologici

[III.5] Storia dell’iconografia dell’immagine della “Resurrezione di Cristo” (nei monumenti d’Oriente, Occidente, Russia)

        Il momento della Risurrezione del Signore Gesù Cristo, incomprensibile nella sua stessa essenza, non è descritto nel Vangelo.

        Il Vangelo parla di un grande terremoto (“vigliacco”) e del rotolamento della pietra dall’ingresso della grotta sepolcrale, ma di come avvenne la Resurrezione stessa, in che forma era il Salvatore Risorto, come risuscitò dalla tomba e dove se ne andò: tutto questo rimane un segreto nascosto, e il silenzio sul volume degli evangelisti testimonia solo la loro impeccabile sincerità e la grandezza dell’evento, che sfugge a qualsiasi descrizione.

        Nell’antica arte cristiana, sotto il predominio del simbolo e dell’allegoria, la Resurrezione di Cristo era raffigurata in forme simboliche. Uno di questi simboli è l’immagine del profeta Giona che viene portato a riva da un mostro marino, che si basa su una chiara indicazione di Gesù Cristo stesso. Questo simbolo sopravvisse all’era delle catacombe e sopravvisse nella successiva arte bizantina e dell’Europa occidentale.

        Successivamente (secoli V-IX) l’evento della Risurrezione di Cristo, rivelato nella sua essenza dai santi padri e scrittori della Chiesa come un atto di salvezza di una persona dalla morte spirituale, creò nell’arte una composizione, ora chiamata con il suo significato esterno modulo”La discesa di Gesù Cristo agli inferi”. Questa composizione teologica, profondamente significativa e allo stesso tempo accessibile, ha attraversato diverse fasi nel suo sviluppo storico.

        L’estrema antichità dei primi codici facciali del Salterio indica che un’immagine del genere è apparsa per la prima volta in questi Salmi. Il testo stesso del Salterio ha fornito agli artisti antichi molte ragioni per tale immagine. Le miniature più antiche, semplici, senza dettagli, raffigurano l’inferno prostrato sotto forma di un vecchio incatenato o di un uomo enorme con i capelli ispidi, su cui sta lo stesso Conquistatore dell’Inferno, che tende le mani verso Adamo ed Eva e “affliggendoli, ” secondo le parole del salmo, “incatenati con coraggio”.

        Variando nei dettagli, tale composizione si ripete in vari Salmi e Vangeli facciali. A volte vengono aggiunti i giusti dell’Antico Testamento, re in diademi, che tendono le mani a Cristo Liberatore. Con il passare del tempo Giovanni Battista viene inserito nel gruppo dei giusti, sotto c’è la prigione dell’inferno, le porte rotte, le chiavi sparse e le brecce.

        La letteratura apocrifa e soprattutto il Vangelo di Nicodemo contribuirono all’espansione e alla complessità di questa composizione iconografica, ma gli artisti bizantini erano severi nella selezione e nell’elaborazione delle immagini iconografiche: le loro composizioni erano brevi, semplici, ma espressive.

        Ovunque si ripetono mosaici bizantini, semplici e chiari, con l’iscrizione “Resurrezione di Cristo”.affreschi della Cattedrale di Kiev-Sofia (XI secolo), dove il Vincitore dell’Inferno con un cartiglio nella mano sinistra porge la mano destra ad Adamo, dietro il quale stanno Eva e due giusti; sul lato destro ci sono due re in diadema e proprio lì San Giovanni Battista, che indica il Salvatore. Questa composizione è conservata sia nei murali dell’antica Novgorod che in molte cattedrali del Monte Athos con lo stesso nome “La Resurrezione di Cristo”.

        Le icone greche, così come quelle russe fino al XVII secolo, seguono solitamente questo antico modello bizantino.

        Dal XVII secolo la semplicità della composizione è diventata più complessa e modificata. Sull’icona compaiono due centri: la risurrezione stessa e la discesa agli inferi. Nel primo centro, Gesù Cristo è raffigurato sopra la tomba con un’aureola e in abiti ordinari. È appena risorto dalla tomba, nella sua mano c’è una croce o uno stendardo, a significare la vittoria sulla morte. Il secondo centro è l’immagine della discesa agli inferi. Una tale composizione, se non introdotta per la prima volta, è stata poi completamente elaborata nella pittura di icone reali dei tempi di Alexei Mikhailovich e appartiene quasi a Simon Ushakov, che ha lasciato un brillante esempio di tale combinazione sulla famosa icona Akathist.

        Nella parte superiore di questa icona, tra due rocce, è rappresentata Gerusalemme in prospettiva, con torri e minareti; al centro c’è Gesù Cristo in un alone di raggi brillanti. Sotto di lui c’è una bara con sudari funebri, una pietra rotonda, guerrieri armati che cadono nella paura. Nella mano sinistra del Salvatore c’è uno stendardo di vittoria con una croce a quattro punte sul palo; a destra, dà il comando all’esercito celeste, che marcia con gli strumenti della sofferenza di Cristo per combattere l’inferno e per la liberazione dei giusti. Di seguito c’è l’inferno sotto forma di un’enorme grotta, e qui Cristo si trova in un’aureola sulle porte rotte dell’inferno. Nella sua mano sinistra c’è un rotolo strappato con l’iscrizione “Il peccato di Adamo, scrittura a mano”, l’altra parte del rotolo con l’iscrizione “Crimini” è nelle mani di Satana, legato e disteso con il suo esercito nelle profondità dell’inferno. Con la mano destra Cristo prende la mano di Adamo mentre si alza dal sepolcro; c’è Eva e tanti giusti che tendono le mani al Salvatore; dietro di loro c’è un angelo. Sul lato destro, i giusti vanno in cielo, accompagnati dagli angeli, davanti a loro c’è un angelo con una croce, dietro di lui c’è Giovanni Battista con un rotolo (“Ecco, l’ho visto e ho testimoniato di lui”), poi ancora un angelo, due re con pergamene: Salomone (“Alzati, Signore mio Dio, sia esaltata la tua mano”) e Davide (“Possa Dio risorgere e i suoi nemici siano dispersi”). Poi c’è l’Angelo e i profeti. I giusti si stanno avvicinando al paradiso. Al suo cancello con una torre stilizzata fantasia c’è un ladro prudente con. croce, e sopra le porte c’è un cherubino con due spade, che blocca l’ingresso al cielo. Dietro i cancelli in lontananza è raffigurato il paradiso stesso: il giardino e in esso lo stesso ladro prudente che parla con Enoch ed Elia.

        La ricchezza del disegno, la maestria della composizione, la bellezza delle figure dell’icona corrispondono pienamente al talento e all’educazione artistica del portabandiera della scuola di pittura di icone reale.

        Questa versione della “Resurrezione di Cristo” si diversifica successivamente nei dettagli e si complica con l’introduzione, ad esempio, della Crocifissione, della posizione nel sepolcro, dell’apparizione di un Angelo alle donne portatrici di mirra, di Cristo Risorto ai L’apostolo Tommaso, sul lago di Tiberiade – e, infine, l’Ascensione.

        Tutti i componenti di questa complessa composizione riflettono immagini e idee conosciute da antichi monumenti scritti cristiani e bizantini, di cui il primo posto appartiene al Vangelo di Nicodemo. Secondo ricerche scientifiche, alcuni attribuiscono la sua traduzione originale al II secolo dell’era cristiana, e la sua revisione al IV e V secolo.

        Il Vangelo di Nicodemo influenzò altri documenti scritti. I suoi materiali erano in circolazione tra autorevoli scrittori dell’antichità, ad esempio fu utilizzato nelle Parole di Epifanio di Cipro, Eusebio di Emeso. Ma in nessuno dei monumenti di Bisanzio il Vangelo di Nicodemo ricevette lo sviluppo dettagliato come nelle icone russe del XVII secolo. Se queste icone vengono poste accanto alla corrispondente storia del Vangelo di Nicodemo, la loro stretta relazione sarà evidente. Ecco un breve estratto dal Vangelo di Nicodemo.

        “I giusti, liberati dall’inferno, nel loro cammino verso il cielo incontrano due uomini, antichi di giorni. I giusti chiedono loro chi sono, da dove vengono, perché non erano all’inferno, insieme ad altri? Uno degli anziani risponde: “Io sono Enoch, che piacque a Dio e fu da Lui portato in cielo, e questo è Elia il Tesbita; vivremo fino alla fine dei tempi; L’Anticristo ci ucciderà, ma tra tre giorni risorgeremo per incontrare il Signore sulle nuvole”. Mentre Enoch diceva ciò, appare un altro uomo umile con una croce sulle spalle. “E chi sei tu? – gli chiedono i giusti. “Il tuo aspetto rivela che sei un ladro, cosa significa la croce che hai sulle spalle?” Lo sconosciuto risponde: “Il tuo discorso è vero: io sono veramente un ladro, condannato a morte di croce insieme a Gesù Cristo, ma sulla croce, alla vista dei segni, ho creduto in Lui… E Lui mi ha detto: “Se l’Angelo che custodisce l’ingresso al cielo ti blocca la strada, allora mostragli il segno della croce e digli che ti ha mandato Gesù Cristo crocifisso, il Figlio di Dio”. Questo è quello che ho fatto. Un angelo mi aprì le porte del paradiso e mi pose sul lato destro, dicendo che qui avrei visto l’antenato Adamo e tutti i giusti entrare in paradiso. E ora, vedendoti, sono uscito per incontrarti…” Tutta questa storia nella sua interezza è trasmessa nelle icone del XVII secolo, così come nelle miniature della nostra facciata “Passione”.

        “La Passione di Cristo” è una versione russa del Vangelo di Nicodemo, che riflette alcuni concetti russi. Ad esempio, l’Arcangelo Michele incatena Satana, tenendolo “strettamente per i capelli”, il che indica il più alto grado di umiliazione in relazione all’antica morale russa.

        Così, nel tempo, il trasferimento di tutti i dettagli degli apocrifi all’icona ha portato al fatto che l’antica composizione bizantina “La Resurrezione di Cristo” sublime, profondamente teologica, ontologica, di forma semplice si è trasformata in un’illustrazione del Vangelo di Nicodemo.

        Vediamo in quale direzione andò il cambiamento della composizione bizantina in Occidente.

        Nei suoi monumenti più antichi, l’icona della “Resurrezione di Cristo” è simile a quella bizantina (affresco della chiesa ipogea intitolata a San Clemente a Roma, IX secolo).

        Nei secoli XII-XIII questa composizione fu soggetta a sconvolgimenti, ma mai, nemmeno nel XVI secolo, questi sconvolgimenti raggiunsero l’ampiezza osservata nei monumenti russi.

        Nella miniatura di un manoscritto occidentale del XIII secolo, il regno di Satana ha l’aspetto di vaste camere in cui sono collocati i giusti dell’Antico Testamento; una parte dei giusti, guidata da Adamo ed Eva (rappresentati nudi), esce incontro al Liberatore, che calpesta il capo stesso delle tenebre. In basso, nel fuoco, così come sulle cime fiammeggianti dell’edificio infernale, si trovano i demoni spaventati dall’arrivo del Re della Gloria. In questa miniatura, come vediamo, lo schema bizantino è già stato completamente rielaborato. Nei monumenti dei secoli XII-XVI, le forme della trama, e in particolare le forme dell’inferno, ricevono una diversità significativa. Molto spesso, l’inferno assume la forma della bocca infuocata di un terribile drago o di un vaso pieno di demoni, che Cristo uccide con una lancia. A volte l’inferno assume la forma di un calderone con delle persone al suo interno, e i demoni alimentano il fuoco sottostante con mantici e mescolano il contenuto del calderone.

        Fra Beato Angelico (1378–1455, monaco domenicano), nell’affresco della galleria superiore del Tempio di San Marco a Firenze, unì la caratteristica eleganza dello stile artistico con l’antica base della composizione: Gesù Cristo è raffigurato in una aureola, con uno stendardo in mano; Prende la mano di Adamo, raffigurato in abiti bianchi; vicino ad Adamo c’è un gruppo di giusti. Sotto i piedi di Cristo Salvatore c’è la porta dell’inferno con cardini di ferro, e sotto c’è Satana. A sinistra – due demoni guardano con orrore il Cristo risorto.

        Il francese Orcel andò oltre rielaborando questo tema in un dipinto destinato alla cappella di Nostra Signora di Loreto. Gesù Cristo con uno stendardo nella mano sinistra si trova sulle porte dell’inferno rovesciate, schiacciando i demoni. Con la mano destra fa uscire Eva dall’inferno, dietro la quale sta il re Davide con la corona. Dal lato opposto c’è la Madre di Dio in ginocchio, con le mani giunte in preghiera; Dietro di lei c’è l’Arcangelo Gabriele. Sopra il primo gruppo c’è l’iscrizione “Eva – l’autore della Caduta”, sopra il secondo – “Nostra Signora – lo strumento della redenzione”; L’Arcangelo Gabriele è il primo messaggero di redenzione. Qui l’artista ha utilizzato la composizione “Discesa agli inferi” per esprimere un pensiero ampio sulla caduta e sulla redenzione.

        In queste e simili immagini è evidente l’elaborazione dell’immagine ontologica bizantina della “Resurrezione di Cristo”.

        A partire dal XII secolo, nei monumenti occidentali apparvero tentativi di rappresentare la risurrezione di Cristo da una prospettiva puramente esterna, sotto forma della Sua uscita dal sepolcro. I monumenti più antichi sono estremamente pesanti e persino rozzi. Ad esempio, Gesù Cristo striscia fuori dalla tomba con una verga e una sfera in mano. Oppure Lui, indossando una corona di spine, mette un piede fuori dalla tomba (grotta). In un’altra immagine, Cristo calpesta il petto di una guardia caduta con il piede proteso dalla tomba; il popolo inginocchiato guarda con riverenza il Risorto. Oppure gli Angeli favoriscono la resurrezione: uno apre il coperchio della bara, l’altro regge i sudari, oppure un Angelo colpisce con la spada le guardie (quadro di Tintoretto a Pitti).

        In immagini di questo genere non solo non c’è traccia del pensiero teologico, ma esse non corrispondono nemmeno alla verità storica.

        Giotto (Firenze, 1276–1337), nel suo desiderio di arte “naturale”, cioè realistica, fu il primo a dare la giusta leggerezza alla composizione “Resurrezione”, raffigurante il Salvatore in bilico sul sepolcro con uno stendardo tra le braccia mano. Sullo sfondo pose la grotta della tomba e un albero, a significare un giardino; sotto: guardie cadute.

        Nella nuova arte occidentale e orientale, questa forma fu ulteriormente sviluppata e col tempo divenne comunemente usata. La più famosa è la composizione “Resurrezione” dell’artista tedesco Plockhorst.

        Su di esso è raffigurato Cristo risorto avvolto in un sudario bianco, con uno stendardo in mano. Si trova su una nuvola sopra una tomba di pietra costruita sotto, come se fosse nel terreno. Sotto e vicino alla nuvola vediamo due angeli nudi con le ali, amati nell’arte occidentale. Uno di loro sembra spingere questa nuvola fuori dalla tomba. A sinistra c’è un Angelo inginocchiato con un ramo di palma in mano (simbolo di resurrezione) in piedi su un coperchio in pietra di una tomba, come se lo avesse spostato. Il Golgota è visibile in lontananza a sinistra.

        Nonostante lo spirito dell’arte occidentale chiaramente espresso nel dipinto, questa immagine, variando nei dettagli, è stata conservata fino ad oggi nelle chiese ortodosse. Si trova spesso, soprattutto sulle pale d’altare della Resurrezione di Cristo.

        Una versione leggermente diversa della stessa immagine è stata creata da M. V. Nesterov. Raffigura Cristo Salvatore risorto con una croce alzata in mano in segno di vittoria, in sudari funebri, come se cadesse da Lui; Cammina tra i gigli lungo il viale del giardino, dalla grotta già aperta della bara visibile in lontananza a sinistra. A destra, su una pietra, siede un Angelo con le braccia incrociate sul petto.

        In queste e in altre simili innumerevoli riproduzioni artistiche della Resurrezione di Cristo, gli autori guardano questo più grande evento dall’esterno. Nel frattempo, il lato esterno della risurrezione, per quanto incomprensibile, non è stato senza motivo nascosto agli occhi umani e non ha testimoni terreni. Chiunque cerchi di creare solo l’apparenza della risurrezione di Cristo si trova inevitabilmente ad affrontare la necessità di seguire la propria immaginazione. E vediamo quanto siano contraddittorie queste finzioni e quanto spesso distorcono la semplice verità storica nelle immagini artistiche. Tuttavia, questo approccio rimane nella pittura fino ai giorni nostri. Solo V. M. Vasnetsov, che studiò profondamente e apprezzò seriamente il contenuto, la religiosità e la profondità della teologia dell’antica pittura di icone, all’inizio del XX secolo dipinse un quadro maestoso della discesa di Cristo Salvatore agli inferi, chiamandolo “La Resurrezione di Cristo.” Ma non fu capito, poiché l’attenzione e la valutazione generale del quadro riguardavano principalmente il suo lato esterno. E l’antica icona con la sua profondità teologica stava appena cominciando ad emergere da sotto la fuliggine secolare e l’olio essiccante annerito.

III. Articoli teologici

[III.6] Iconografia dell’immagine “La Discesa dello Spirito Santo sugli Apostoli”

        Dopo l’immagine della “Resurrezione di Cristo”, lo stesso lampante esempio di “teologia in un’immagine” è l’icona della Santissima Trinità, dipinta dal monaco Andrei Rublev . La celebrazione in onore della Santissima Trinità avviene nel Giorno della discesa dello Spirito Santo sugli Apostoli, e anche questo evento ha una sua icona, chiamata “ Pentecoste ”.

        Questa immagine si basa sulla leggenda del libro degli Atti dei Santi Apostoli ( Atti 2:1-13 ), da cui sappiamo che il giorno di Pentecoste gli apostoli erano riuniti nel cenacolo di Sion, e Alla terza ora del giorno (ai nostri tempi alla nona una del mattino) si udì un rumore dal cielo, come se provenisse da un forte vento che soffia. Riempì tutta la casa dove si trovavano gli apostoli. Apparvero anche lingue di fuoco e si posarono, una su ciascuno degli apostoli. E furono tutti pieni di Spirito Santo e cominciarono a parlare in altre lingue . Ciò attirò l’attenzione degli abitanti di Gerusalemme, la gente si radunò e si meravigliò del terribile fenomeno.

        Questo evento è stato celebrato fin dall’antichità con celebrazione solenne come un evento di primaria importanza, che ha completato la formazione della Chiesa e ha istituito miracolosamente il Sacramento del Sacerdozio.

        L’iconografia di questa festa cominciò a svilupparsi nel VI secolo. Troviamo immagini della Pentecoste nei Vangeli e nei Salmi frontali, in antiche raccolte di vari manoscritti, nei mosaici (ad esempio, Hagia Sophia a Costantinopoli o nella Cattedrale veneziana di San Marco dei secoli IX-XIII), negli affreschi del cattedrali dell’Athos, nelle antiche chiese di Kiev, Novgorod e altre chiese.

        Questa icona raffigura un triclinio su cui sono seduti gli apostoli, guidati dagli apostoli Pietro e Paolo. Nelle mani degli apostoli ci sono libri e pergamene, oppure sono scritti con mani benedicenti. Dall’alto, dal cielo, cadono su di loro raggi di luce, a volte con lingue di fuoco, a volte sono scritte solo lingue di fiamma.

        Al centro del triclinio si trova una specie di arco o di ellisse troncata, a volte un rettangolo a forma di porta, il cui spazio all’interno è quasi sempre buio (anche se sono rari i casi in cui questo spazio è dorato). Ecco la folla di popolo: la stessa elencata nel libro degli Atti. Ci sono immagini in cui la folla è sostituita da due o tre figure. Già nel IX secolo per alcuni artisti questo arco originario con uno spazio buio all’interno divenne incomprensibile e fu riconosciuto come l’ingresso al cenacolo di Sion. Ciò spiega il fatto che su alcune immagini sono scritte delle porte e su una miniatura di un manoscritto georgiano ci sono addirittura due scale attaccate alla porta.

        Negli antichi esempi bizantini, una folla di persone è scritta diversamente. A volte vi vengono introdotte la figura di un re e di persone di colore, mentre nei manoscritti armeno-georgiani si possono vedere persone con teste di cane (manoscritto Etchmiadzin del XIII secolo). Un gruppo di persone a volte porta la scritta “Tribù, Pagani”.

        Successivamente, al posto di questi popoli, apparve la figura di un re con un ubrus (scialle) tra le mani e dodici cartigli. Questa figura ha ricevuto la scritta “Cosmos” – “il mondo intero”. Vediamo la stessa cosa più tardi nei monumenti greci e russi dei secoli XV-XVIII.

        Nonostante l’iscrizione, il significato della figura del re sembra poco chiaro e dà luogo a diverse interpretazioni. Quindi, secondo un’ipotesi, qui originariamente era raffigurato il profeta Gioele, la cui immagine sarebbe stata distorta nel tempo dai pittori di icone successivi, che trasformarono il profeta in un re. A sostegno di questa opinione è stata citata la profezia stessa, collocata negli Atti: Io spanderò il mio Spirito su ogni carne, e i vostri figli e le vostre figlie profetizzeranno; I vostri vecchi faranno dei sogni, i vostri giovani avranno delle visioni e, in quei giorni, anche sui servi e sulle serve spanderò il mio Spirito ( Gioele 2:28-29 ). Questa spiegazione è stata data da alcuni monaci athoniti che non si fidavano della competenza dei pittori di icone e interpretavano questa immagine secondo le proprie considerazioni, nonostante l’iscrizione “Cosmos”.

        In un’incisione veneziana del 1818, vicino alla testa della figura del re è scritta l’iscrizione “Profeta Gioele”. Ma questo monumento appartiene all’iconografia più recente, quando entrò in vigore la libera gestione delle antiche forme iconografiche e concetti soggettivi entrarono nella loro interpretazione. Inoltre, questa incisione occidentale è stata pubblicata in turco; preservare l’antichità in una pubblicazione del genere non era una questione importante, quindi non ci si può fidare dell’incisione. Se un incisore del XIX secolo pose l’iscrizione “Profeta Gioele” sopra la testa incoronata del re, allora solo questo distruggerà la fede nell’accuratezza della sua conoscenza iconografica. Evidentemente non conosceva affatto gli abiti adottati dall’Ortodossia per i profeti. Infondato è anche il riferimento all’ignoranza dei pittori di icone che trasformarono l’antica figura del profeta in un re.

        Il professor Usov dà un’interpretazione diversa all’icona della Pentecoste. Vede in esso un incontro degli apostoli durante l’elezione dell’apostolo Mattia al posto del decaduto Giuda, avvenuta prima della Pentecoste. In questo incontro, l’apostolo Pietro nel suo discorso ha citato la profezia del re Davide. “ Bisognava – diceva – che si adempisse ciò che lo Spirito Santo aveva predetto nelle Scritture per bocca di Davide riguardo a Giuda… Nel libro dei Salmi sta scritto: sia desolata la sua corte… prendi la sua dignità ” ( Atti 1:16, 20 ). Sulla base di queste parole, il professor Usov ritiene che l’artista, raffigurando il re Davide con un ubrus tra le mani e dodici lotti, abbia così ricordato sia il contenuto del discorso dell’apostolo Pietro sia l’elezione dell’apostolo Mattia. E il fatto che Davide sia separato dagli apostoli da un arco dimostra, dice, che Davide non partecipa al consiglio degli apostoli. Il fatto che sia raffigurato in un luogo oscuro significa che appartiene all’Antico Testamento e non al Nuovo Testamento. Ma sorge la domanda: qual è il legame tra questo concilio degli apostoli nell’elezione dell’apostolo Mattia e la Pentecoste? Il professore ritiene che, in primo luogo, nel precedente Concilio degli Apostoli fu istituito il Sacramento del Sacerdozio, e la discesa dello Spirito Santo è una conferma di questo diritto, cioè questa icona è un’espressione figurata del Sacramento della Sacerdozio. In secondo luogo, David è scritto qui perché sia ​​lui che il profeta Isaia predissero l’Ascensione del Signore Gesù Cristo e, ripetendo queste profezie, la Chiesa canta nella festa dell’Ascensione: “… Chi è costui?… Questo è il sovrano e il potente, questi è Forte in battaglia… E perché le vesti scarlatte sono per Lui? Da Bosor viene il riccio (cioè dalla) carne… e  tu ci hai mandato lo Spirito Santo ” (versetto stichera, 2°). E ancora: «Dio si alzò con un grido. Il Signore ha suonato la tromba… ( Salmo 46:6 ), innalza l’immagine caduta di Adamo e  manda lo Spirito Consolatore ” (stichera nel versetto). È difficile essere d’accordo con queste conclusioni del professor Usov. Il collegamento tra l’elezione dell’apostolo Mattia e la discesa dello Spirito Santo sugli apostoli è stato stabilito arbitrariamente dall’autore. Entrambi questi eventi si distinguono negli Atti degli Apostoli.

        Inoltre, la profezia di David, alla quale l’autore assegna un posto così prominente nella descrizione del concilio, ne era solo la ragione, ma non la sua essenza, e parla del destino di Giuda, e non del sacerdozio. È noto dai monumenti antichi che l’elemento profetico viene introdotto nell’iconografia solo nei casi in cui esiste un collegamento diretto tra esso e il suo adempimento, e anche in questi casi la profezia viene per lo più omessa. Inoltre, nel Vangelo di Rabbala c’è una miniatura dell’elezione dell’apostolo Mattia, e l’artista non vi ha incluso il profeta David, sebbene ci fosse una ragione diretta per questo.

        Un altro collegamento che collega la personalità del re Davide con la discesa dello Spirito Santo, secondo il professor Usov, è l’Ascensione. Ma sebbene negli inni per l’Ascensione del Signore la Chiesa menzioni la promessa del Cristo asceso di inviare lo Spirito Consolatore, è tuttavia abbastanza chiaro che la profezia di Davide si riferisce solo all’Ascensione e non alla discesa dello Spirito Santo.

        C’è una spiegazione ancora più soggettiva per la figura del re sull’icona della Pentecoste. Qualcuno dice: “Il re è Cristo, che ha promesso agli apostoli di essere con loro fino alla fine dei tempi; la vecchiaia del re: l’uguaglianza del Figlio al Padre; il luogo oscuro è l’ignoranza di dove si trovi; veste scarlatta: la redenzione delle persone dal sangue purissimo; corona: il co-regno del Figlio con il Padre e lo Spirito Santo; ubrus: pulizia; i rotoli sono gli apostoli”.

        Ma questa complessa interpretazione, proprio come quella sopra, è artificiale.

        La vera spiegazione deve basarsi sulle testimonianze dei monumenti antichi. Non c’è dubbio che la figura del re di origine successiva sia apparsa al posto dell’antica folla di popoli, come se la sostituisse. Ha un legame molto stretto con lei, ed è da qui che dovrebbe venire la spiegazione. Il Libro degli Atti ci offre un quadro grandioso del raduno delle nazioni nel giorno di Pentecoste. Qui avrebbero dovuto esserci persone di rango e condizione diversi. Traducendo questa circostanza nel linguaggio figurativo dell’arte, gli artisti bizantini portarono le figure dei re tra la folla del popolo, sebbene la loro effettiva presenza a questo meraviglioso evento fosse solo un’ipotesi. L’importanza di questi gruppi era determinata in parte dalle iscrizioni, in parte dai tipi, in parte dai costumi. Ma tali dettagli venivano introdotti in casi eccezionali quando lo spazio lo consentiva. Nella maggior parte dei casi, lo spazio non era sufficiente. Le forme architettoniche del triclinio, dove avveniva la discesa dello Spirito Santo, avevano poca importanza per gli artisti, la cui attenzione era assorbita nella parte superiore della composizione; la parte inferiore era stilizzata in forma di semiellissi . Questo spazio ristretto non permetteva di entrare nei dettagli, e anche la folla di persone subì una stilizzazione: al suo posto rimasero prima due o tre volti, e infine uno: il re come rappresentante del popolo, che sostituì l’intero regno e il popolo intero.

        Questa tecnica è comune nell’iconografia bizantina. In esso spesso la parte ristretta del cerchio in alto indica l’intero cielo; uno o due alberi significano un giardino, un frontone significa camere, due o tre angeli significano l’intera schiera celeste di angeli. L’artista ha dato a questa figura solitaria del re una posa calma e monumentale, e poiché ha sostituito il mondo intero, per chiarezza, ha scritto sopra di essa l’iscrizione “Cosmos” (o “Il mondo intero”).

        Quindi, il re divenne l’immagine del mondo intero, immerso nell’oscurità dell’ignoranza di Dio. I 12 rotoli servono come simboli della predicazione apostolica, che ha ricevuto la più alta unzione nel giorno di Pentecoste e che è destinata all’intero Universo. I rotoli sono posti nell’ubrus come oggetto sacro, che non deve essere toccato a mani nude.

        In un’incisione, vicina alla fonte occidentale (VII secolo), in una grotta buia, come sui monumenti antichi, sono scritti il ​​trono rovesciato e una folla di ebrei con bende in testa. Ciò indica chiaramente che il regno dell’Antico Testamento è finito, la Chiesa legale è caduta; è arrivata una nuova era: il dominio della Chiesa di Cristo, dotata di potere dall’alto.

        Nelle antiche immagini bizantine della Pentecoste, la Madre di Dio non era raffigurata tra gli apostoli; solo in uno dei monumenti fu introdotta nella cerchia degli apostoli. Nelle immagini occidentali, quasi a partire dal X secolo, Lei partecipa sempre a questo evento. Dal XVII secolo questa pratica è passata nell’iconografia sia greca che russa.

        Il santo evangelista Luca, senza menzionare il nome della Madre di Dio nel descrivere la discesa dello Spirito Santo, scrive tuttavia che dopo l’Ascensione del Signore Gesù Cristo, tutti gli apostoli all’unanimità rimasero in preghiera e supplica, con alcune mogli e Maria , la Madre di Gesù ( Atti 1:14 ). Fu durante uno di questi incontri di preghiera che avvenne la discesa dello Spirito Santo. Pertanto, è del tutto possibile che la Madre di Dio fosse presente a questo evento, come testimonia una delle antiche leggende. Piena di grazia, fu esaltata al di sopra dei cherubini e dei serafini, e le furono donati anche i doni dello Spirito Santo effuso sugli Apostoli, tanto più che accettò anche lei la sorte del servizio apostolico e fu tra gli organizzatori della Chiesa di Dio. Cristo.

        Potrebbe sorgere un’altra domanda sull’icona “La Discesa dello Spirito Santo”. Perché raffigura l’apostolo Paolo, che non era tra gli apostoli nel giorno di Pentecoste? Possiamo dire che l’intuizione spirituale dell’artista si è trasferita in questo caso da un fatto storico reale ad una visione in questo evento della fondazione e dell’instaurazione della Chiesa di Dio sulla terra, motivo per cui ha assegnato uno dei primi posti tra gli apostoli l’insegnante di lingue – il Santo Apostolo Paolo. Libri e pergamene nelle mani degli apostoli sono simboli del loro insegnamento della chiesa; talvolta sono addirittura raffigurati con bastoni pastorali. Tutti con un’aureola intorno alla testa, come se ricevessero la massima illuminazione dello Spirito Santo.

        L’immagine dello Spirito Santo sotto forma di colomba di solito non era inclusa in questa composizione, poiché non ci sono indicazioni dirette al riguardo nel libro degli Atti. La manifestazione dello Spirito Santo nel giorno di Pentecoste furono lingue di fuoco. Tuttavia, nella pittura medievale occidentale, si cominciò a raffigurare lo Spirito Santo sotto forma di colomba su questa icona, che rappresenta una chiara deviazione dall’originale iconografico bizantino.

        Nel suo ulteriore sviluppo, l’iconografia di questa festa è cambiata notevolmente. Invece dell’antico triclinio, iniziarono a essere scritte le camere. Il posto centrale sul trono è assegnato alla Madre di Dio; ai suoi lati sono posti gli apostoli in gruppi o a semicerchio. L’arco con lo “spazio” è completamente scomparso. Il desiderio di accuratezza storica costrinse all’esclusione dell’apostolo Paolo. Invece di un cielo stilizzato, apparvero nuvole e raggi con fiamme.

        A volte, invece di un arco oscuro, al centro è scritto il troparion della festa.

III. Articoli teologici

[III.7] Icona ortodossa

III-1 Conferenza della monaca Juliana “Icona ortodossa”, tenuta alla MDA il 18. III. 1969 Pubblicato in forma ridotta.

        Un’icona è una prova visiva dell’eternità, che non può provenire da una persona essenzialmente estranea alla spiritualità. Chi sono questi testimoni?

        Il primo pittore di icone fu il santo evangelista Luca, che dipinse non solo l’icona della Madre di Dio, ma, secondo la leggenda, l’icona dei santi Apostoli Pietro e Paolo, e forse altri.

        Lo seguono tutta una serie di pittori di icone, quasi sconosciuti a nessuno. Tra gli slavi, il primo pittore di icone fu San Metodio, uguale agli apostoli, vescovo di Moravia, educatore dei popoli slavi. Il venerabile Alipio, pittore di icone e asceta del monastero Pechersk di Kiev, è ben noto nella Rus’. Fu mandato dai suoi genitori per “insegnare l’immaginazione delle icone” ai maestri greci che arrivarono per decorare i templi della Lavra nel 1083. Qui “impara dal suo maestro e lo aiuta”. Dopo aver terminato il dipinto delle cattedrali della Lavra, rimase nel monastero ed era così abile nel suo lavoro che, per grazia di Dio, come leggiamo nella Vita, riprodusse con un’immagine visibile sull’icona, per così dire, l’immagine più spirituale della virtù, poiché studiò la pittura di icone non per acquisire ricchezza, ma per acquisire virtù. Il monaco Alipio lavorava costantemente, dipingendo icone per l’abate, per i fratelli, per tutti coloro che avevano bisogno delle icone del tempio e per tutte le persone, senza addebitare nulla per il suo lavoro. Di notte praticava la preghiera, e durante il giorno, con grande umiltà, purezza, pazienza, digiuno e amore, si occupava del pensiero di Dio e dei mestieri. Nessuno ha mai visto il santo inattivo, ma nonostante tutto ciò, non ha mai mancato agli incontri di preghiera, nemmeno per amore delle sue attività divine. Le sue icone erano sparse ovunque. Una di queste – l’icona della Madre di Dio – fu inviata dal principe Vladimir Monomakh a Rostov, per la chiesa da lui costruita lì, dove divenne famosa per i suoi miracoli. Un episodio accaduto poco prima della morte del santo è per noi toccante ed istruttivo.

        Qualcuno gli ha chiesto di dipingere un’icona della Santissima Theotokos per il giorno della Sua Dormizione. Ma il monaco presto si ammalò di una malattia morente. Quando, alla vigilia della festa della Dormizione, il cliente venne dal monaco Alipio e vide che la sua richiesta non era stata esaudita, lo rimproverò fortemente per il fatto che il reverendo non lo aveva informato in tempo della sua malattia: lui avrebbe potuto ordinare l’icona da un altro pittore di icone. Il monaco consolò l’angosciato, dicendo che Dio può “in una parola dipingere un’icona di Sua Madre”. L’uomo rattristato se ne andò e subito dopo la sua partenza un certo giovane entrò nella cella del monaco e cominciò a dipingere un’icona. Il vecchio malato scambiò il nuovo arrivato per un uomo e pensò che il cliente, offeso da lui, avesse mandato un nuovo pittore di icone. Tuttavia, la velocità del lavoro e l’abilità hanno mostrato qualcos’altro. Applicando l’oro, strofinando i colori sulla pietra e dipingendoli, lo sconosciuto ha dipinto l’icona nel corso di tre ore, poi ha chiesto: “Padre, forse cosa manca o ho peccato in qualche modo?” “Hai fatto tutto perfettamente”, disse l’anziano, “Dio stesso ti ha aiutato a dipingere l’icona con tale splendore; Lui stesso ha fatto questo attraverso te”. Al calare della sera, il pittore di icone e l’icona divennero invisibili. La mattina dopo, con grande gioia del cliente, l’icona era nel tempio, nel luogo ad essa designato. E quando dopo il servizio tutti vennero a ringraziare il malato e gli chiesero da chi e come fosse stata dipinta l’icona, il monaco Alipio rispose: “Questa icona è stata scritta da un angelo, che è ancora qui, con l’intenzione di prendere la mia anima”.

        Il monaco Alipio aveva un discepolo e compagno di digiuno, il monaco Gregorio, che dipinse anche molte icone, e tutte furono distribuite in tutta la Russia.

        Nel XII secolo, nei monasteri di Novgorod si trovavano laboratori di pittura di icone: Antoniev, Yuryev, Khutynsky.

        Nel XIII secolo, la storia ha notato San Pietro, metropolita di Mosca, come un abile pittore di icone.

        Nei secoli XIV-XV molti grandi maestri crearono icone eccezionali. Sebbene i nomi dei pittori di icone non siano stati conservati, il tempo non ha distrutto le loro icone. Nel testamento del Venerabile Giuseppe di Volokolamsk si dice che Andrei Rublev, Savva, Alexander e Daniil Cherny “si applicarono con zelo alla scrittura di icone e si preoccuparono così tanto del digiuno e della vita monastica, come se ricevessero la grazia divina e così prosperassero in L’amore divino, come mai per le cose terrene.” esercitatevi, ma elevate sempre la mente e il pensiero alla luce immateriale, come anche nella festa stessa della Santa Resurrezione di Cristo, seduti sui sedili e avendo davanti a sé icone divine e onorevoli tu e guardandoli costantemente, sei pieno di gioia e leggerezza divine. E non solo quel giorno lo faccio, ma anche gli altri giorni, quando non mi dedico alla pittura. Per questo Cristo Signore li ha glorificati nell’ora finale della morte. Prima Andrei morì, poi il suo compagno di digiuno, Daniele, si ammalò e, nel suo ultimo respiro, la vista del suo compagno di digiuno, Andrei, in grande gloria, accogliendolo con gioia nella beatitudine eterna e senza fine.

        Il monaco Dionigi di Glushitsky, che lavorò sul fiume Glushitsa, dipinse molte icone per varie chiese.

        Nel XVI secolo famosi pittori di icone furono Simone, metropolita di Mosca, Varlaam e Macario.

        Il Venerabile Pacomio di Nerekhta e il suo discepolo Irinarco; San Teodoro di Rostov, nipote di San Sergio; Rev. Ignazio di Lomsky, compagno del digiuno di San Cirillo di Beloezersk; Anche il monaco Anania, pittore di icone del monastero di Sant’Antonio di Novgorod, dipinse icone.

        Il monaco Antonio di Siysk aveva la pittura di icone come suo passatempo principale e preferito. Anche durante la vita del pittore di icone, i malati venivano guariti dalla sua icona della Santissima Trinità. Nel nord della Russia (nella regione di Arkhangelsk) c’erano molte icone da lui dipinte. Anche molti confratelli del suo monastero furono impegnati in questa santa opera.

        Questa grande schiera di santi testimoni, qui nominati solo in parte, ci ha lasciato come preziosa eredità l’antica icona. Inoltre, anche nel XIX secolo, quando l’icona antica fu trascurata e dimenticata tra gli uomini d’arte “avanzati”, quando l’antica tecnica dell’icona era conservata solo in alcuni villaggi e frazioni, principalmente nella provincia di Vladimir, e poi c’erano luminari di pietà, pittori di icone ascetici e, per la santità della loro vita, le icone che dipingevano erano piene di doni pieni di grazia.

        La biografia dell’anziano Hieroschemamonk Nil (1801–1870), restauratore e restauratore dell’eremo di Nilo-Sora, racconta che anche durante l’infanzia, sotto la guida di suo fratello maggiore, un pittore di icone, era impegnato nella pittura di icone sacre, e con riverenza e timore di Dio, vedendo in questo l’occupazione non tanto un mestiere quanto un servizio a Dio. Avendo studiato sufficientemente in uno degli arteli della pittura di icone, lui, già ierodiacono, un asceta severo e attento, nel tempo libero si dedicava ancora alla pittura di icone, con riverenza, con preparazione orante, e le fatiche delle sue mani erano benedette da Dio e segnato da azioni gentili. Ha avuto l’onore di rinnovare con le proprie mani la miracolosa icona di Gerusalemme della Madre di Dio, che, anche dopo la ristrutturazione, ha continuato a fare miracoli come prima. Da esso fece un elenco esatto, che ricevette anche un potere miracoloso. Per sé ne scrisse una copia in formato ridotto, la conservò con reverenza nella sua cella e più di una volta ne ricevette segni benefici. Assegnato all’eremo di Nilo-Sora, vi accettò lo schema con il nome del suo fondatore, il Venerabile Nilo di Sora, taumaturgo. Qui portò anche l’icona di Gerusalemme della Madre di Dio, che era il suo tesoro inestimabile e la sua consolazione nei suoi dolori. Non pensava di separarsi da lei, ma la Santissima Theotokos fu lieta di conferire questa icona, una parte della grazia, al monastero russo del Santo Grande Martire Panteleimon sull’Athos. Ricevette notifica e comando in merito dalla stessa Madre di Dio in una visione misteriosa e nel 1850 inviò l’icona all’Athos. Privato di questo santuario, l’anziano Nil, dopo essersi preparato con il digiuno e la preghiera, iniziò a dipingere per la sua cella un’icona della Madre di Dio, chiamata icona di Cipro, che dipinse con notevole abilità. Questa icona è rimasta nella sua cella per molto tempo ed è stata testimone delle sue preghiere, lacrime e sospiri. Era anche segnato dalle manifestazioni della grazia di Dio: la lampada spenta davanti ad essa veniva accesa ripetutamente davanti agli occhi dell’anziano, l’olio in essa contenuto si moltiplicava in modo che fosse sufficiente per molti giorni, cosa che accadde durante la malattia dell’anziano. Questa icona, secondo lui, più di una volta ha salvato la sua cella dal fuoco e dai ladri e se stesso dalla morte evidente. Dopo la morte dell’anziano, l’icona fu trasferita nella chiesa e collocata in un luogo alto, dove davanti ad essa ardeva una lampada inestinguibile.

        Nel suo lavoro, l’anziano aderiva rigorosamente all’antica pittura di icone greche e raffigurava abilmente e con riverenza i volti divini. Non è superfluo dire come l’anziano, secondo il suo assistente di cella, ha eseguito la consacrazione delle icone da lui dipinte. Con l’intenzione di dipingere un’icona, soprattutto una grande, intensificò il digiuno e la preghiera e, dopo averla dipinta, la pose nella sua cella e di solito chiamò il suo assistente di cella per una veglia notturna. “Che tipo di vacanza avremo domani, padre?” – chiederà l’addetto alla cella. “Domani è il mio giorno di servizio”, risponderà l’anziano e indicherà l’icona dipinta. La veglia è stata celebrata per il santo la cui immagine era sull’icona ed è durata circa quattro ore. Al mattino, dopo aver servito, secondo la sua consuetudine, la prima liturgia, ha eseguito un servizio di preghiera di benedizione dell’acqua, ha letto le preghiere esposte per la consacrazione dell’icona, l’ha aspersa con acqua santa, poi l’ha adorata con riverenza, l’ha baciata – e la santa icona era pronta, davvero santa, consacrata sia dal lavoro riverente che dalla diligente preghiera dei giusti. Tutte le icone da lui dipinte e consacrate mostrarono effetti benefici.

        Oltre ai suddetti pittori di icone, santi glorificati o metropoliti noti per le loro attività ecclesiali, c’erano innumerevoli lavoratori riverenti rimasti sconosciuti a nessuno, per la cui umiltà le opere delle loro mani, ovviamente, non furono private della grazia di Dio.

        Come una sorta di rivelazione di Dio, come frutto dell’esperienza spirituale, come tradizione e creazione dei Padri della Chiesa, come loro testimonianza all’eternità, l’antica icona porta con sé tutte le caratteristiche del cielo: la calma compostezza orante, la profondità di i misteri della fede, l’armonia dello spirito, la bellezza della purezza e dell’imparzialità, la grandezza dell’umiltà e della semplicità, il timore di Dio e la riverenza. Le passioni e il trambusto del mondo si calmano davanti a lei; si eleva al di sopra di ogni cosa in un diverso piano di esistenza. Un’icona è un grande santuario sia nel contenuto che nella forma. Alcune icone sono scritte dal dito di Dio, altre dagli Angeli. Gli angeli servivano le icone, portandole da un posto all’altro (Icona Tikhvin della Madre di Dio, ecc.); molti sono rimasti illesi negli incendi; alcuni, trafitti da lance e frecce, versano sangue e lacrime, per non parlare di innumerevoli altri segni, come guarigioni e così via.

        Il Vangelo predica il Regno di Dio in parole, l’icona comunica la stessa cosa in immagini.

        La parola divina del Vangelo si distingue per la sua massima semplicità, accessibilità e allo stesso tempo incommensurabile profondità. La forma esterna dell’icona è il limite, l’apice della semplicità, ma adoriamo la sua profondità con riverenza. Il Vangelo è eterno, uno per tutti i tempi e per tutti i popoli; Il significato dell’icona non è limitato né all’epoca né alla nazionalità.